Os 10 Melhores Filmes de 2006

Com 2015 sobre nós, achámos que era uma boa altura para olhar para trás nos filmes que o milénio nos trouxe. Cavámos nos arquivos e estamos a rodar novamente as nossas melhores peças dos anos 2000, de há muito tempo atrás, em 2009, quando a Playlist era um pequeno site do Blogspot mantido junto com fita e cordel. Cada lista desce os 10 melhores filmes de cada ano (é possível que, em meia década, os tenhamos colocado numa ordem diferente e até mudado alguns dos filmes, mas queríamos preservar as peças originais intocadas na medida do possível). Confira 2000, 2001, 2002, 2003, 2004 e 2005 se você não as viu, e hoje continuamos com 2006. A peça original segue abaixo, e graças aos funcionários passados e presentes que contribuíram.

Os filmes de meia-raça foram incrivelmente fortes – lidamos com 2005 ontem, e tivemos que expandir a lista que foi um ano tão bom, enquanto 2007 (que vem amanhã) teve vários dos melhores filmes de toda a década. Entre os dois, 2006 é menos imediatamente empilhado de bondade, mas ao longo do tempo tem sido revelado como um verdadeiro grande ano para a realização de filmes de género. Jovens auteurs tomaram o western, o filme policial, o filme de ficção científica, o filme de gangsters e até mesmo o gênero “professor inspirador”, e os transformaram em filmes tão inteligentes e subversivos quanto os abaixo. Até o filme Bond foi reinventado, e com mais sucesso do que alguém poderia ter imaginado.

Elsewhere, Martin Scorsese finalmente ganhou um Oscar há muito esperado por “The Departed”, e Ken Loach ganhou a Palma de Ouro por “The Wind That Shakes The Barley” (embora ambos sejam exemplos de cineastas sendo recompensados mais pelo trabalho passado do que pelos seus melhores filmes; particularmente considerando a presença dos filmes de Cannes, “Volver”, “Pan’s Labyrinth” e “Red Road”)

Blockbuster-wise, o inchado “Piratas das Caraíbas”: O peito do homem morto” dominou, perdendo a maior parte do encanto do original, enquanto “X-Men: A última posição” e “Missão”: Impossível III” também se mostrou insatisfatório, e “O Código Da Vinci” fez uma tonelada de dinheiro, apesar de ser facilmente um dos piores filmes da década. Pelo lado positivo, “Borat” provou ser o sucesso adormecido do ano, e “The Devil Wears Prada” surpreendeu ao provar ser um dos melhores filmes de pintinhos (cara, odiamos esse termo) em algum tempo.

10. “A Fonte”
Tomas mergulha profundamente na selva, numa busca pela Fonte da Juventude, Tommy (Hugh Jackman) está tentando empurrar a ciência moderna para a beira do abismo para acabar com o sofrimento de sua esposa (Rachel Weisz), enquanto Tom navega pelo espaço e tempo em busca de Xibalba, a árvore que trará vida ao seu amante de longa data. A discussão sobre se os três são reais, e a mesma pessoa, é uma discussão com múltiplos lados e que apenas sublinha as múltiplas interpretações que podem ser dadas à intensa meditação de Darren Aronofsky sobre amor, mortalidade e aceitação. Originalmente criado como uma grande aventura de ficção científica pós-“Matrix” com Brad Pitt, “The Fountain” acabou se tornando um pequeno projeto muito mais satisfatório. Um conto íntimo, com séculos de duração, de como a morte é realmente o caminho para a admiração.

9 “The Lives of Others”
Com a sua paranóia de queimadura lenta e performances perfeitas, “The Lives of Others”, de Florian Henckel von Donnersmarck, vencedor do Oscar (bateu “O Labirinto de Pan”, entre outros), funciona como um filme de suspense político durante a maior parte do seu tempo de duração. A história de um policial secreto da Alemanha Oriental (Ulrich Muhe, que faleceria seis meses depois desta reviravolta fascinante), que passa a maior parte do filme a ouvir a vida de um casal artístico (Sebastian Koch e Martina Gedeck), um dramaturgo e actriz suspeito de abrigar simpatias ocidentais, fica mesmo debaixo da sua pele. À medida que a tragédia aumenta, e a linha entre ouvir e se envolver, a tensão aumenta. Mas é a cena final, demasiado devastadora para revelar àqueles que ainda não assistiram, que dá o murro emocional. Se ao menos cada thriller histórico fosse tão afetante.

8. “Children Of Men”
Para um filme que é, pelo menos aparentemente, ficção científica (cria uma das mais coerentes e fascinantes distopias futuristas jamais vistas nas telas), “Children of Men” resume a nossa Guerra contra o Terror, era de imigração-pânico melhor do que qualquer drama contemporâneo poderia. É impossível falar sobre isso sem mencionar sua bravura, os tiros de rastreamento assistidos por CGI, que mergulham ainda mais profundamente o espectador nessa visão sombria e terrível da Grã-Bretanha em 2027. Focalizando a primeira mulher grávida na Terra após duas décadas de infertilidade humana global, é um filme ferozmente político e sombrio, mas também sem medo de ser brincalhão (a homenagem de Pink Floyd, por exemplo, ou Michael Caine balançando para Aphex Twin), permanecendo milagrosamente emocionante, engraçado e movendo-se em igual medida ao longo de todo o filme. Apesar dos notáveis avisos no lançamento, a obra-prima de Alfonso Cuarón foi negligenciada pelo público, mas só vai ficar melhor e mais rica à medida que nos aproximamos do futuro que prevê.

7. “Tijolo”
Em papel, o conceito de casar com argot duro cozido, estilizado, Chandler-esquecivel com um ambiente contemporâneo de liceu soa no melhor dos casos a duvidoso. Entretanto, a estréia do escritor/diretor Rian Johnson funciona por causa de sua insistência obstinada em tocar direito e deixar o público encontrar seu caminho através do diálogo arcaico até o mistério do núcleo. Brilhantemente enquadrado e fotografado (para não dizer capturado no barato, com Johnson a fotografar principalmente com um ou dois takes no máximo), e balizado por performances destemidas de seu jovem elenco, incluindo uma página de carreira de Joseph Gordon-Levitt, “Brick” se distingue como uma das histórias de detetive mais distintivas e originais em anos, e anuncia a chegada de um grande talento na direção.

6. “Half Nelson”
Muito bem filmado e cuidadosamente observado, Ryan Fleck e Anna Boden asseguraram inegavelmente o estudo do caráter de uma improvável amizade professor-estudante em Brooklyn, cidade interior, é um trabalho raro de contenção e um notável longa-metragem de estréia. Com uma performance surpreendente, nomeada ao Oscar por um Ryan Gosling, então com 26 anos, como viciado em drogas, técnico de basquete e educador de história, e uma reviravolta igualmente notável da recém-chegada Shareeka Epps como estudante de escola média de rua, o impressionante drama indie é um olhar atencioso e maneirista sobre dinâmicas, raças e famílias que fazem turnos. Marcado por uma lente não sentimental, crua e uma partitura ambiente meditativa (com faixas instrumentais de rockers orquestrais Broken Social Scene), Fleck e Boden pegam um conto de relacionamento familiar, potencialmente previsível e o imbuem de um ponto de vista político-pessoal, fortemente convincente, mas neutro do ponto de vista editorial, que se recusa a tomar qualquer atalho fácil.

5. “United 93”
Como em qualquer processo de luto, a resposta de Hollywood aos terríveis acontecimentos do 11 de Setembro foi gradual – desde remover o World Trade Center de filmes como “Zoolander” e “Homem-Aranha”, até à raiva deslocada de filmes de vingança como “Kill Bill” e “Man on Fire”. Em meados da década, até o menino de ouro Steven Spielberg usava imagens explícitas do 11 de Setembro no seu mastro “Guerra dos Mundos”, e parecia que tinha chegado o momento de abordar o próprio dia. E não poderíamos ter pedido um cineasta melhor do que Paul Greengrass. A abordagem ponderada e subestimada do docu-drama foi claramente a correta (particularmente quando colocada contra o mal avaliado “World Trade Center” de Oliver Stone) – prestou um verdadeiro tributo aos heróis do United 93, ao mesmo tempo em que permitiu que Greengrass aumentasse a tensão para níveis quase insuportáveis (lembramo-nos vividamente de várias pessoas que fugiram da nossa exibição enquanto hiperventilavam durante as suas seções finais).

4. “L’Enfant”
Em 1988, Paul Schrader reimaginou o clássico “Pickpocket” de Robert Bresson como um drama de crime centrado numa escolta narcisista acreditando estar acima da lei. Conceptualmente, o seu “Gigolo Americano” funciona – o protagonista de “Pickpocket” também se considera um “super-humano”, e o egoísmo é, em última análise, a sua ruína – mas onde Schrader errou foi confundir o automatismo de Bresson com uma vaga emocional. Quase duas décadas depois, Jean-Pierre e Luc Dardenne deram uma facada em sua própria versão de “Pickpocket”, com o doloroso “L’Enfant”, um título que se refere tanto ao filho de nove dias do filme quanto ao jovem pai imaturo que o vende – um erro fatal que condena a alma do homem e o coloca em busca da salvação espiritual. Há diferenças de princípio na abordagem de Dardennes (longas tomadas com câmeras portáteis) e a de Bresson (mestre da edição de corte rápido), mas quando “L’Enfant” chega ao seu “momento de graça” – um semelhante ao de “Pickpocket” – não há como negar a comparação.

3. “Old Joy”
“…Transformativo, incrível, estou num lugar totalmente novo agora”, diz o indie-rocker Will Oldham’s prendeu o desenvolvimento Kurt, um homem-criança delirante e desgrenhado de trinta e poucos anos ainda agarrado a um idealismo jovem e irrealista. O outro, Daniel London, está silenciosamente agarrado à paternidade iminente sob uma família estressada. Introspectivo, idílico e melancólico, o tranquilo e potente relato de viagem de Kelly Reichardt sobre épocas passadas e a amizade, conduzido por uma serena e atmosfericamente folclórica pontuação de Yo La Tengo, é uma obra-prima tranquila, mas penetrante. Com duas mãos, a história segue um par de antigos melhores amigos que fazem uma viagem a uma nascente quente de Portland e descobrem que estão distantes dos ritmos de vida um do outro. Minimalista e baixo em narrativa, o quadro reflexivo – o cenário bucólico também insinua a decadência e a incerteza da América, que também ecoa nas reportagens de rádio sutis, mas constantes – é uma expressão aguda de amizade tensa, mas com laços difíceis de quebrar.

2. “A Proposta”
“Austrália. Que inferno fresco é este?” Considerando a brutalidade absoluta do outback australiano, é surpreendente que não tenha havido mais tomadas do género ocidental de baixo para cima. Mas, rapaz, valeu a pena esperar pelo “The Proposition” do director John Hillcoat. Reencaminhando com Nick Cave, que também estava por trás do roteiro da estréia de Hillcoat “Ghosts…of the Civil Dead”, a história assume as qualidades míticas de alguns dos melhores trabalhos de Cave, ajudados em grande parte por sua partitura com o companheiro Warren Ellis – provavelmente nosso favorito do trabalho cinematográfico do músico. É um pequeno filme desagradável e sujo, que lembra o melhor de Peckinpah, com um elenco fantástico (John Hurt e Danny Huston sendo os stand-outs) enterrados sob camadas de sangue, sujeira e suor – são pessoas lutando contra uma paisagem sem fim, sem Deus, e elas estão perdendo. Além disso, tem a melhor cena de cabeça explosiva dos anos ’00…

1. “Volver”
Conjunto numa aldeia espanhola ventosa e supersticiosa, o melodrama tremendamente rico de Pedro Almodóvar brilha com paixão vibrante e colorida e melancolia familiar. A combinação dos regulares Almodóvar é inspirada; a voluptuária Penélope Cruz nos lembra como ela é incrível quando atua em sua língua nativa (foi indicada para um Oscar e empatada para um prêmio de atriz de Cannes), além de Blanca Portillo e Lola Dueñas fazerem sotaques complementares perfeitos. O título do filme (“Return” em inglês) é ecoado pelo retorno/ressureição da mãe das irmãs protagonistas pensadas como fantasmas (e interpretadas pela ex-mussa Almodóvar Carmen Maura, voltando a trabalhar com a autora depois de um desentendimento que durou uma década). Realçado pela partitura de Alberto Iglesias, o intrincado e às vezes cômico thriller de Hitchcockian é, em última análise, uma profunda consideração sobre a morte, a família e o perdão. Um dos melhores da década e um trabalho profundamente afetante.

Menção Honrosa Especial:
“A Morte do Sr. Lazarescu”
Nesta sátira mordente, um moribundo encontra-se à mercê do sistema de saúde romeno enquanto morre lentamente à frente de todos, impotente para impedir que o seu enterro ocorra sob um mar de burocracia e burocracia. A comédia negra de Cristi Puiu começou o burburinho sobre o que todos consideram a Nova Onda Romena, e os ecos deste filme ainda se fazem sentir na sua visão de mundo sombria e opressiva, protagonista cômico e com uma mortalidade extremamente deficiente.

For Your Mild Consideration
“Babel”
Não há como negar que “Babel” é um pornô parcialmente manipulador, empilhado em tragédia com uma presunção hackneyed – mais um dos artifícios de Guillermo Arriaga, o mundo-é tudo-interconectado. Entretanto, o roteirista se divorciaria para sempre do diretor Alejandro González Iñárritu depois deste filme, e gostaríamos de acreditar que o desvio do cineasta do texto é a razão pela qual o filme não é um desperdício total (o tímido esforço de estréia de Arriaga, “A Planície Ardente” sugeriu que o homem estava correndo com fumaça criativa). As cartas multi-narrativas fabricadas mostram como um ato aparentemente sem sentido – um caçador japonês dá um rifle a um criador de cabras marroquino cujos filhos inadvertidamente atiram num turista americano enquanto seus filhos estão presos no México – pode ter conseqüências ondulantes em todo o planeta. No entanto, por si só, as histórias são completamente absorventes e profundamente comoventes (Cate Blanchett, Brad Pitt, Gael Garcia Bernal são notáveis, e Adriana Barraza e Rinko Kikuchi ganhariam indicações ao Oscar por suas atuações emocionalmente nuas e angustiantes). Por todas as suas maquinações rudes, de montagem – o conceito mais pedestre de que as línguas do mundo levam a erros de comunicação – quando a história está em pleno andamento, também não há como negar que algumas cenas são uma representação tremendamente trincada do sofrimento universal da humanidade.

Menções Honrosas:
Como de costume, alguns bons filmes têm de ficar fora da lista dos 10 melhores, incluindo: A estréia de Tommy Lee Jones na direção de longa-metragem, “Os Três Enterros de Melquiades Estrada”; o excelente filme de Christopher Nolan, entre Batman e filmes de magia rival, “O Prestígio”, estrelado por Hugh Jackman e Christian Bale; o fantástico conto de fadas de Guillermo del Toro, “O Labirinto de Pan”; a anacrônica alienação adolescente de Sofia Coppola ambientada no século 16, “Maria Antonieta”; A soberba reinicialização de Martin Campbell da franquia Bond com “Casino Royale”; o remake de Martin Scorsese “Infernal Affairs”, “The Departed” (que já apareceu na TV tantas vezes, que seu poder se esgotou); “Clean”, de Oliver Assayas, que apresentou uma performance vencedora de Cannes por Maggie Cheung como viciada em dificuldades; e a última parte de Park Chan-Wook de sua trilogia de vingança, a belamente assombrosa “Lady Vengeance”.” Também vale a pena notar que nos esquecemos de dar amor ao estranho “Inland Empire” de David Lynch.”

Outros filmes que merecem menção incluem o filme final de Robert Altman, “A Prairie Home Companion”; O thriller asteca de Mel Gibson, “Apocalypto”; o cinético de Tom Tykwer (talvez demasiado cinético) “Perfume: A História de um Assassino”; o erotismo de baixo orçamento de John Cameron Mitchell, “Shortbus”; o rotoscópio de acção ao vivo de Richard Linklater, Philip K. Adaptação de Dick “A Scanner Darkly”; o maior sucesso comercial de Spike Lee, o divertido filme de assalto “Inside Man”; o falho, mas interessante “Miami Vice” de Michael Mann; o injustamente maligno “Superman Returns” de Bryan Singer; “Friends with Money” de Nicole Holofcener, o sobrestimado, mas animador horror “The Descent”, e “13 Tzameti”.

– Kevin Jagernauth, Rodrigo Perez, Drew Taylor, Sam Mac, Oli Lyttelton &