A 2006-os év 10 legjobb filmje

Mivel 2015 előtt állunk, úgy gondoltuk, itt az ideje, hogy visszatekintsünk az ezredforduló filmjeire. Előkotorásztunk az archívumban, és újra elővesszük a 2000-es évek legjobbjait, még 2009-ből, amikor a Playlist még csak egy kis Blogspot-oldal volt, amit szalaggal és madzaggal tartottunk össze. Minden lista végigfutja az egyes évek 10 legjobb filmjét (lehetséges, hogy fél évtizeddel később más sorrendbe raknánk őket, sőt, néhány filmet meg is változtatnánk, de az eredeti darabokat szerettük volna a lehető legérintetlenebbül megőrizni). Nézzétek meg a 2000-es, 2001-es, 2002-es, 2003-as, 2004-es és 2005-ös éveket, ha lemaradtatok róluk, ma pedig a 2006-os évaddal folytatjuk. Az eredeti cikk alább következik, és köszönet a korábbi és jelenlegi munkatársaknak, akik hozzájárultak.

A nyolcvanas évek közepe hihetetlenül erős volt a filmek terén – tegnap 2005-tel foglalkoztunk, és ki kellett bővítenünk a listát, annyira jó év volt, míg 2007 (holnap következik) az egész évtized legjobb filmjei közül többet is tartalmazott. A kettő között 2006 kevésbé van rögtön elhalmozva jósággal, de idővel kiderült, hogy a zsánerfilmek igazán nagyszerű éve volt. Fiatal alkotók fogták a westernt, a detektívfilmet, a sci-fit, a gengszterfilmet, sőt még az “inspiráló tanár” műfaját is, és olyan okos és felforgató filmeket csináltak belőlük, mint az alább felsoroltak. Még a Bond-filmet is újra feltalálták, méghozzá sikeresebben, mint azt bárki is gondolta volna.

Máshol Martin Scorsese végre elnyerte a régóta esedékes Oscart a “The Departed”-ért, Ken Loach pedig elnyerte az Arany Pálmát a “The Wind That Shakes The Barley”-ért (bár mindkettő példa arra, hogy a filmeseket inkább a korábbi munkájukért jutalmazzák, mint a legjobb filmjeikért; különösen a Cannes-i filmek, a “Volver”, a “Pán labirintusa” és a “Vörös út” jelenlétét figyelembe véve)

Blockbuster szempontból a felduzzasztott “A Karib-tenger kalózai: Dead Man’s Chest” dominált, elveszítve az eredeti bájából a legtöbbet, míg az “X-Men: The Last Stand” és a “Mission: Impossible III” szintén nem bizonyult kielégítő folytatásnak, a “Da Vinci-kód” pedig rengeteg pénzt hozott annak ellenére, hogy az évtized egyik legrosszabb filmje volt. A pozitív oldalon a “Borat” az év álomsikerének bizonyult, és “Az ördög Pradát visel” meglepő módon az egyik legjobb csajos filmnek (ember, utáljuk ezt a kifejezést) bizonyult egy ideje.

10. “A szökőkút”
Tomas a dzsungel mélyére merül, hogy megkeresse a fiatalság forrását, Tommy (Hugh Jackman) a modern tudományt próbálja a végsőkig feszegetni, hogy véget vessen felesége (Rachel Weisz) szenvedésének, míg Tom téren és időn keresztül hajózik a Xibalba után, a fa után, amely életet hoz rég halott kedvese életébe. A vita arról, hogy mindhárman valódiak-e, és ugyanaz a személy-e, több oldalú, és ez csak aláhúzza, milyen sokféleképpen lehet értelmezni Darren Aronofsky intenzív meditációját a szerelemről, a halandóságról és az elfogadásról. Az eredetileg Brad Pitt főszereplésével készült “Mátrix” utáni nagy költségvetésű sci-fi kalandnak szánt “A szökőkút” végül egy sokkal kielégítőbb kis projekt lett. Egy intim, évszázadokon átívelő történet arról, hogy a halál valóban a csodálathoz vezető út.

9 “Mások élete”
Lassú paranoia és remek alakítások révén Florian Henckel von Donnersmarck Oscar-díjas “Mások élete” (többek között a “Pán labirintusát” is megelőzte) futási ideje nagy részében politikai feszültségfilmként működik. A történet egy keletnémet titkosrendőrről (Ulrich Muhe, aki fél évvel e lebilincselő fordulat után hunyt el) szól, aki a film nagy részében egy művészházaspár (Sebastian Koch és Martina Gedeck), egy drámaíró és egy színésznő életét hallgatja ki, akiket nyugati szimpátiával gyanúsítanak. Ahogy a tragédia fokozódik, és a hallgatózás és a belekeveredés közötti határvonal elmosódik, úgy nő a feszültség. De az utolsó jelenet, amely túl lesújtó ahhoz, hogy azok számára, akik még nem látták a filmet, eláruljuk, az érzelmi szívócsapás. Bárcsak minden történelmi thriller ilyen megható lenne.

8. “Az emberek gyermekei”
Egy olyan filmhez képest, amely legalábbis látszólag sci-fi (az egyik legösszefüggőbb, leglenyűgözőbb futurisztikus disztópiát teremti meg, amit valaha láttunk a vásznon), az “Emberek gyermekei” jobban összefoglalja a terrorizmus elleni háború és a bevándorlási pánik korát, mint bármelyik kortárs dráma. Lehetetlen beszélni róla anélkül, hogy megemlítenénk a bravúros, CGI-vel segített követő felvételeket, amelyek még mélyebben elmerítik a nézőt a 2027-es Nagy-Britannia komor, szörnyű látványában. A két évtizedes globális emberi meddőség után a Föld első terhes nőjére fókuszáló film hevesen politikai és komor, ugyanakkor nem riad vissza a játékosságtól sem (például a Pink Floyd-hommage, vagy Michael Caine Aphex Twin zenéjére ropja), és csodával határos módon mindvégig egyformán izgalmas, vicces és megható marad. Alfonso Cuarón remekművét a megjelenéskor kapott kiváló kritikák ellenére a közönség elhanyagolta, de a film csak jobb és gazdagabb lesz, ahogy közeledünk az általa megjósolt jövő felé.

7. “Tégla”
Papíron a keményen főzött, stilizált, Chandler-szerű argó és egy kortárs középiskolai környezet összeházasításának koncepciója a legjobb esetben is kétesnek hangzik. Rian Johnson író/rendező debütálása azonban azért működik, mert kitartóan ragaszkodik ahhoz, hogy egyenesen játsszon, és hagyja, hogy a közönség az archaikus párbeszédeken keresztül megtalálja az utat a középpontban lévő rejtélyhez. A briliánsan keretezett és fényképezett (nem is beszélve arról, hogy a felvételek olcsón készültek, mivel Johnson többnyire egy vagy maximum két felvétellel forgatott végig), és a fiatal színészek félelmet nem ismerő alakításai – köztük Joseph Gordon-Levitt karrierje egyik legjelentősebb alakítása – révén a Tégla az utóbbi évek egyik legkülönlegesebb és legeredetibb krimijeként tűnik ki, és egy jelentős rendezői tehetség érkezését jelzi.

6. “Half Nelson”
A Ryan Fleck és Anna Boden kétségtelenül magabiztos karaktertanulmánya egy valószínűtlen tanár-diák barátságról a városi, belvárosi Brooklynban ritka visszafogott munka és figyelemre méltó debütáló játékfilm. Az akkor huszonhat éves Ryan Gosling elképesztő, Oscar-díjra jelölt alakításával, mint működő drogfüggő, kosárlabdaedző és történelemtanár, és az újonc Shareeka Epps hasonlóan kiváló alakításával, mint utcai középiskolás diák, a lenyűgöző indie-dráma megfontolt és maníros pillantást vet a dinamikára, a faji hovatartozásra és az ideiglenes családokra. A nem szentimentális, nyers lencse és a meditatív ambient filmzene (a Broken Social Scene zenekari rockerek instrumentális számaival) jellemzi, Fleck és Boden egy ismerős, potenciálisan kiszámítható párkapcsolati történetet vesznek elő, és egy politikailag személyes, erősen meggyőző, de szerkesztői szempontból semleges nézőpontot adnak neki, amely nem hajlandó egyszerű rövidebb utakat választani.

5. “United 93”
Mint minden gyászfolyamat, Hollywood válasza a 9/11 szörnyű eseményeire is fokozatos volt – a World Trade Center eltávolításától kezdve a “Zoolander” és a “Pókember” filmekből, egészen az olyan bosszúfilmek kiszorított dühéig, mint a “Kill Bill” és a “Man on Fire”. Az évtized közepére még az aranyifjú Steven Spielberg is kifejezett 9/11-es képeket használt “A világok háborúja” című filmjében, és úgy tűnt, hogy eljött az idő, hogy magával a nappal is foglalkozzanak. Paul Greengrassnál jobb filmest nem is kívánhattunk volna. A megfontolt, visszafogott doku-drámai megközelítés egyértelműen helyes volt (különösen Oliver Stone rosszul megítélt “World Trade Center”-jével szemben) – ez valódi tisztelgés a United 93 hősei előtt, miközben Greengrass képes volt a feszültséget szinte elviselhetetlen szintre fokozni (élénken emlékszünk arra, hogy az utolsó részek alatt több ember hiperventillálva menekült el a vetítésről).

4. “L’Enfant”
1988-ban Paul Schrader újraértelmezte Robert Bresson klasszikusát, a Zsebtolvajt, mint bűnügyi drámát, amelynek középpontjában egy magát a törvény felett állónak hitt nárcisztikus kísérő áll. Koncepcionálisan az ő “Amerikai dzsigolója” működik – a “Zsebtolvaj” főhőse is “szuperembernek” tartja magát, és az önzés végül a vesztét okozza -, de Schrader ott hibázott, hogy Bresson automatizmusát összetévesztette az érzelmi ürességgel. Közel két évtizeddel később Jean-Pierre és Luc Dardenne megpróbálkozott a “Zsebtolvaj” saját verziójával, a “L’Enfant”-al, amelynek címe egyszerre utal a film kilencnapos gyermekére és az éretlen fiatal apára, aki eladja őt – egy végzetes hiba, amely elítéli a férfi lelkét, és lelki megváltás keresésére indítja. Vannak elvi különbségek Dardennesék (hosszú beállítások kézi kamerával) és Bresson (a gyors vágás mestere) megközelítésében, de amikor a “L’Enfant” eléri a “kegyelem pillanatát” – amely feltűnően hasonlít a “Zsebtolvaj”-hoz – nem lehet letagadni az összehasonlítást.

3. “Old Joy”
“…Átalakító, csodálatos, most egy teljesen új helyen vagyok” – mondja az indie-rocker Will Oldham megállított fejlődésű Kurtje, a téveszmés, zilált harmincas férfigyerek, aki még mindig ragaszkodik a fiatalos, irreális idealizmushoz. A másik, Daniel London, csendben küzd a közelgő apasággal egy stresszes háztartás alatt. Kelly Reichardt nyugodt, idilli és melankolikus, csendesen hatásos útirajza letűnt korszakokról és barátságokról, amelyet a Yo La Tengo nyugodt, hangulatosan népies zenéje mozgat, nyugodt, mégis átható remekmű. A kétkezes történet két egykori legjobb barátot követ, akik egy portlandi melegvíz-forráshoz kirándulnak, és felfedezik, hogy határozottan nincsenek összhangban egymás életritmusával. A minimalista és narratívában szegény, elgondolkodtató kép – a bukolikus táj Amerika pusztulására és bizonytalanságára is utal, ami a finom, de folyamatos beszélgetős rádiójelentésekben is visszaköszön – a feszült barátság éles kifejezése, de olyan kötelékekkel, amelyeket nehéz megtörni.

2. “A javaslat”
“Ausztrália. Mi a friss pokol ez?” Figyelembe véve az ausztrál outback abszolút brutalitását, meglepő, hogy a western műfajának nem született több nagyszerű feldolgozása odalentről. De, fiam, megérte várni John Hillcoat rendező “The Proposition” című filmjére. Nick Cave-vel, aki Hillcoat “Ghosts…of the Civil Dead” című debütáló filmjének forgatókönyve mögött is állt, a történet Cave legjobb munkáinak mitikus tulajdonságait viseli magán, amihez nem kis mértékben hozzájárul a Bad Seed Warren Ellis-szel közös zenéje – a zenész filmes munkái közül valószínűleg ez a kedvencünk. Ez egy csúnya, mocskos kis film, amely Peckinpah legjobbjaira emlékeztet, fantasztikus szereposztással (John Hurt és Danny Huston a kiemelkedők), a vér, a kosz és az izzadtság rétegei alá temetve – ezek az emberek egy végtelen, istentelen táj ellen harcolnak, és veszítenek. Ráadásul benne van a ’00-as évek legjobb robbanófejes jelenete…

1. “Volver”
Egy szeles, babonás spanyol faluban játszódó Pedro Almodóvar roppant gazdag melodrámája vibráló, színes szenvedéllyel és családi melankóliával csillog. Az Almodóvar törzsszereplőinek összeállítása ihletett; az érzéki Penélope Cruz emlékeztet minket arra, hogy milyen csodálatos, amikor anyanyelvén játszik (Oscar-díjra jelölték és Cannes-i színésznői díjjal holtversenyben végzett), emellett Blanca Portillo és Lola Dueñas tökéletesen kiegészítik egymást. A film címét (“Visszatérés” angolul) a főszereplő nővérek szellemnek hitt édesanyjának visszatérése/támadása idézi (akit a korábbi Almodóvar-múzsa, Carmen Maura alakít, aki egy évtizedes szakítás után ismét együtt dolgozik a szerzővel). Az Alberto Iglesias zenéjével feldobott, bonyolult, olykor komikus, hitchcocki thriller végső soron mélyen átélt gondolat a halálról, a családról és a megbocsátásról. Az évtized egyik legjobbja, mélyen megrendítő alkotás.

Különleges tiszteletbeli elismerés:
“Lazarescu úr halála”
Ebben a fanyar szatírában egy haldokló férfi kiszolgáltatva találja magát a román egészségügyi rendszer kegyelmének, miközben lassan meghal mindenki szeme láttára, tehetetlenül, hogy megakadályozza a temetését a bürokrácia és a bürokrácia tengerében. Cristi Puiu fekete komédiája indította el a mindenki által a román újhullámnak tartott filmről szóló pletykákat, és ennek a filmnek a visszhangja máig érezhető a komor, nyomasztó világképben, a komikusan túlterhelt főhősben és a rendkívül hibás halandóságban.

Enyhe megfontolásból
“Bábel”
Tagadhatatlan, hogy a “Bábel” egy részben manipulatív, halmozottan tragikus pornófilm, elcsépelt koncepcióval – egy újabb Guillermo Arriaga “a-világ-mindent-összefüggő” koncepciói közül. A forgatókönyvíró azonban e film után örökre elválna Alejandro González Iñárritu rendezőtől, és szeretnénk hinni, hogy a rendezőnek a szövegtől való eltérése az oka annak, hogy a kép nem teljes pazarlás (Arriaga langyos debütáló rendezése, Az égő síkság azt sugallta, hogy a férfi kreatív füsttel futott). A gyártott multi-narratíva azt mutatja be, hogy egy látszólag értelmetlen cselekedet – egy japán vadász puskát ad egy marokkói kecsketenyésztőnek, akinek a gyerekei véletlenül lelőnek egy amerikai turistát, miközben a gyerekeik Mexikóban rekednek – milyen hullámzó következményekkel járhat az egész bolygón. A történetek azonban önmagukban is teljesen magával ragadóak és mélyen megindítóak (Cate Blanchett, Brad Pitt, Gael Garcia Bernal figyelemre méltóak, Adriana Barraza és Rinko Kikuchi pedig Oscar-jelölést érdemelne érzelmileg meztelen és megrázó alakításukért). Minden durva, felállított machinációja ellenére – a leghétköznapibb koncepció felvetése, hogy a világ nyelvei félreértésekhez vezetnek -, amikor a történet teljes lendületben van, azt sem lehet cáfolni, hogy egyes jelenetek az emberiség egyetemes szenvedésének borzasztóan metsző ábrázolása.

Megtisztelő említések:
Mint mindig, néhány jó filmnek éppen csak a top 10-es listán kívül kell maradnia, többek között: Tommy Lee Jones nagyjátékfilmes rendezői debütálása, “The Three Burials Of Melquiades Estrada”; Christopher Nolan kiváló, két Batman-film között játszódó, rivális mágusfilmje, “The Prestige”, Hugh Jackman és Christian Bale főszereplésével; Guillermo del Toro fantasztikus mesefilmje, “Pán labirintusa”; Sofia Coppola anakronisztikus, a 16. században játszódó tini-idegenfilmje, “Marie Antoinette”; Martin Campbell nagyszerű újraindítása a Bond-franchise-nak a “Casino Royale”-al; Martin Scorsese “Pokoli ügyek” remake-je, a “The Departed” (amely már annyiszor ment a tévében, hogy az ereje már megkopott); Oliver Assayas “Clean” című filmje, amelyben Maggie Cheung Cannes-díjas alakítást nyújtott egy szenvedélybeteg függőt; és Park Chan-Wook bosszútrilógiájának utolsó része, a gyönyörűen kísérteties “Lady Vengeance”.” Szintén említésre méltó, hogy elfelejtettünk szeretetet adni David Lynch több mint furcsa “Inland Empire”-jének.”

A többi említésre méltó film közé tartozik Robert Altman utolsó filmje, az “A Prairie Home Companion”; Mel Gibson azték thrillere, az “Apocalypto”; Tom Tykwer kinetikus (talán túl kinetikus) “Parfüm: Egy gyilkos története”; John Cameron Mitchell alacsony költségvetésű erotikus filmje, a “Shortbus”; Richard Linklater élőszereplős rotoszkópos Philip K. Dick-adaptáció, az “A Scanner Darkly”; Spike Lee legnagyobb kereskedelmi sikere, a szórakoztató rablófilm, a “Inside Man”; Michael Mann hibás, de érdekes “Miami Vice”; Bryan Singer méltatlanul rossz néven vett “Superman visszatér”; Nicole Holofcener ironikusan megfigyelő “Friends with Money”, a túlértékelt, de élvezetes horror “The Descent” és a “13 Tzameti”.

– Kevin Jagernauth, Rodrigo Perez, Drew Taylor, Sam Mac, Oli Lyttelton &