Les 10 meilleurs films de 2006

Avec l’arrivée de 2015, nous avons pensé que c’était le bon moment pour revenir sur les films que le millénaire nous a apporté. Nous avons creusé dans les archives et rediffusons nos meilleurs morceaux des années 2000, depuis 2009, lorsque la Playlist était un petit site Blogspot tenu par du ruban adhésif et de la ficelle. Chaque liste présente les 10 meilleurs films de chaque année (il est possible que, une demi-décennie plus tard, nous les mettions dans un ordre différent et changions même certains des films, mais nous voulions préserver les articles originaux intacts autant que possible). Si vous avez raté les années 2000, 2001, 2002, 2003, 2004 et 2005, vous pouvez les consulter, et aujourd’hui nous continuons avec 2006. Le morceau original suit ci-dessous, et merci aux membres du personnel passés et présents qui ont contribué.

Le milieu des années 80 a été incroyablement fort pour les films – nous avons traité 2005 hier, et avons dû élargir la liste c’était une si bonne année, tandis que 2007 (à venir demain) avait plusieurs des très meilleurs films de toute la décennie. Entre les deux, l’année 2006 est moins immédiatement remplie de bonnes choses, mais avec le temps, elle s’est révélée être une année vraiment formidable pour le cinéma de genre. De jeunes auteurs se sont emparés du western, du film policier, du film de science-fiction, du film de gangsters, et même du genre « professeur inspirant », pour en faire des films aussi intelligents et subversifs que ceux présentés ci-dessous. Même le film Bond a été réinventé, et avec plus de succès que quiconque aurait pu l’imaginer.

Ailleurs, Martin Scorsese a finalement remporté un Oscar longtemps attendu pour « The Departed », et Ken Loach a décroché la Palme d’or pour « The Wind That Shakes The Barley » (bien que les deux soient des exemples de cinéastes récompensés davantage pour leurs travaux passés que pour leurs meilleurs films ; surtout si l’on considère la présence des films de Cannes, « Volver », « Le Labyrinthe de Pan » et « Red Road »)

Sur le plan du blockbuster, le gonflé « Pirates des Caraïbes : Dead Man’s Chest » a dominé, perdant la plupart du charme de l’original, tandis que « X-Men : The Last Stand » et « Mission : Impossible III » se sont également révélés être des suites insatisfaisantes, et « Da Vinci Code » a rapporté une tonne d’argent, bien qu’il soit l’un des pires films de la décennie. Du côté positif, « Borat » s’est avéré être le succès inattendu de l’année, et « Le Diable s’habille en Prada » a surpris en s’avérant être l’un des meilleurs chick flicks (mec, on déteste ce terme) depuis un certain temps.

10. « La Fontaine »
Tomas plonge au plus profond de la jungle, à la recherche de la fontaine de jouvence.Tommy (Hugh Jackman) tente de pousser la science moderne à bout pour mettre fin aux souffrances de sa femme (Rachel Weisz), tandis que Tom navigue à travers l’espace et le temps à la poursuite de Xibalba, l’arbre qui redonnera vie à son amant mort depuis longtemps. La question de savoir si ces trois personnages sont réels et s’il s’agit de la même personne est une question à multiples facettes qui ne fait que souligner les multiples interprétations que l’on peut donner à l’intense méditation de Darren Aronofsky sur l’amour, la mortalité et l’acceptation. Prévu à l’origine comme une aventure de science-fiction à gros budget post-Matrix avec Brad Pitt, « The Fountain » est finalement devenu un petit projet beaucoup plus satisfaisant. Un récit intime, à travers les siècles, sur la façon dont la mort est vraiment le chemin de l’émerveillement.

9 « La Vie des autres »
Avec sa paranoïa à combustion lente et ses performances parfaites, « La Vie des autres » de Florian Henckel von Donnersmarck, récompensé par un Oscar (il a notamment devancé « Le Labyrinthe de Pan »), fonctionne comme un film à suspense politique pendant la majorité de sa durée. L’histoire d’un policier secret est-allemand (Ulrich Muhe, qui décédera six mois après ce film fascinant) qui passe la majeure partie du film à écouter la vie d’un couple d’artistes (Sebastian Koch et Martina Gedeck), un dramaturge et une actrice soupçonnés d’avoir des sympathies pour l’Occident, est vraiment passionnante. Au fur et à mesure que la tragédie s’amplifie et que la frontière entre écouter et s’impliquer s’estompe, la tension monte. Mais c’est la scène finale, trop dévastatrice pour être révélée à ceux qui n’ont pas encore regardé, qui donne le coup de grâce. Si seulement tous les thrillers historiques étaient aussi touchants.

8. « Children Of Men »
Pour un film qui est, ostensiblement du moins, de la science-fiction (il crée l’une des dystopies futuristes les plus cohérentes et fascinantes jamais vues à l’écran), « Children of Men » résume mieux que n’importe quel drame contemporain notre époque de guerre contre le terrorisme et de panique de l’immigration. Il est impossible d’en parler sans évoquer la bravoure de ses travelling assistés par CGI, qui plongent le spectateur encore plus profondément dans cette vision sombre et terrible de la Grande-Bretagne en 2027. Centré sur la première femme enceinte sur Terre après deux décennies de stérilité humaine mondiale, c’est un film farouchement politique et sinistre, mais qui n’a pas peur d’être ludique (l’hommage à Pink Floyd, par exemple, ou Michael Caine se déhanchant sur Aphex Twin), restant miraculeusement palpitant, drôle et émouvant dans la même mesure tout au long du film. Malgré des avis exceptionnels à sa sortie, le chef-d’œuvre d’Alfonso Cuarón a été négligé par le public, mais il ne peut que s’améliorer et s’enrichir à mesure que nous nous dirigeons vers l’avenir qu’il prédit.

7. « Brick »
Sur le papier, le concept de marier un argot hard boiled, stylisé, digne de Chandler, avec un décor de lycée contemporain semble au mieux douteux. Cependant, le premier film du scénariste et réalisateur Rian Johnson fonctionne grâce à son insistance à jouer franc jeu et à laisser le public trouver son chemin à travers les dialogues archaïques jusqu’au mystère qui se cache derrière. Brillamment cadré et photographié (pour ne pas mentionner qu’il a été capturé au rabais, Johnson tournant le plus souvent avec une ou deux prises maximum tout au long du film), et porté par les performances intrépides de son jeune casting, y compris une page de carrière tournée par Joseph Gordon-Levitt, « Brick » se distingue comme l’une des histoires policières les plus distinctives et originales depuis des années, et annonce l’arrivée d’un grand talent de réalisateur.

6. « Half Nelson »
Précisément filmé et soigneusement observé, l’étude de caractère indéniablement assurée de Ryan Fleck et Anna Boden sur une amitié improbable entre un enseignant et un élève dans un quartier urbain défavorisé de Brooklyn est une œuvre rare de retenue et un premier long métrage remarquable. Avec l’étonnante performance, nominée aux Oscars, de Ryan Gosling, alors âgé de 26 ans, dans le rôle d’un toxicomane, entraîneur de basket et professeur d’histoire, et la performance tout aussi remarquable de la nouvelle venue Shareeka Epps dans le rôle d’une collégienne à l’esprit vif, cet impressionnant drame indépendant jette un regard attentif et délicat sur la dynamique, la race et les familles recomposées. Marqués par une lentille crue et non sentimentale et une musique d’ambiance méditative (comprenant des morceaux instrumentaux des rockeurs orchestraux Broken Social Scene), Fleck et Boden prennent une histoire de relation familière et potentiellement prévisible et l’imprègnent d’un point de vue politiquement personnel, sévèrement convaincant, mais neutre sur le plan éditorial, qui refuse de prendre des raccourcis faciles.

5. « United 93 »
Comme tout processus de deuil, la réponse d’Hollywood aux terribles événements du 11 septembre a été progressive – de la suppression du World Trade Center dans des films comme « Zoolander » et « Spider-Man », à la colère déplacée des films de vengeance comme « Kill Bill » et « Man on Fire ». Au milieu de la décennie, même l’enfant chéri de Steven Spielberg utilisait des images explicites du 11 septembre dans son tentpole « La guerre des mondes », et il semblait que le temps était venu d’aborder le jour même. Et nous ne pouvions pas demander un meilleur cinéaste que Paul Greengrass. L’adoption d’une approche mesurée et discrète de docu-fiction était clairement la bonne (en particulier lorsqu’on la compare au « World Trade Center » mal jugé d’Oliver Stone) – elle a rendu un véritable hommage aux héros de United 93, tout en permettant à Greengrass de faire monter la tension à des niveaux presque insupportables (nous nous souvenons très bien que plusieurs personnes ont fui notre projection en hyperventilant pendant ses dernières sections).

4. « L’Enfant »
En 1988, Paul Schrader a réimaginé le classique « Pickpocket » de Robert Bresson en un drame policier centré sur un escroc narcissique se croyant au-dessus des lois. Sur le plan conceptuel, son « American Gigolo » fonctionne – le protagoniste de « Pickpocket » se considère lui aussi comme un « surhomme » et son égoïsme finit par le perdre – mais là où Schrader s’est trompé, c’est qu’il a confondu l’automatisme de Bresson avec la vacuité émotionnelle. Près de deux décennies plus tard, Jean-Pierre et Luc Dardenne se sont essayés à leur propre version de « Pickpocket » avec le bouleversant « L’Enfant », un titre qui fait référence à la fois à l’enfant de neuf jours du film et au jeune père immature qui le vend – une erreur fatale qui condamne l’âme de l’homme et l’entraîne dans une quête de salut spirituel. Il existe des différences de principe entre l’approche des Dardenne (longues prises avec des caméras à l’épaule) et celle de Bresson (un maître du montage rapide), mais lorsque « L’Enfant » atteint son « moment de grâce » – un moment étonnamment similaire à celui de « Pickpocket » – on ne peut nier la comparaison.

3. « Old Joy »
« …Transformative, amazing, I’m at a whole new place now », dit le Kurt du indie-rocker Will Oldham, au développement arrêté, un homme-enfant trentenaire délirant et échevelé qui s’accroche encore à un idéalisme juvénile et irréaliste. L’autre, Daniel London, est silencieusement aux prises avec une paternité imminente dans un foyer stressé. Introspectif, idyllique et mélancolique, le voyage de Kelly Reichardt sur les époques révolues et l’amitié, porté par une musique sereine et atmosphérique de Yo La Tengo, est un chef-d’œuvre à la fois tranquille et pénétrant. L’histoire est celle de deux anciens meilleurs amis qui partent en voyage vers une source thermale de Portland et découvrent qu’ils ne sont pas du tout en phase avec leurs rythmes de vie respectifs. Minimaliste et peu narrative, l’image réfléchie – le paysage bucolique faisant également allusion à la décadence et à l’incertitude de l’Amérique, dont les reportages subtils mais constants des talk-shows se font l’écho – exprime avec acuité une amitié tendue, mais dont les liens sont difficiles à rompre.

2. « The Proposition »
« Australie. Qu’est-ce que c’est que ça ? » Compte tenu de la brutalité absolue de l’outback australien, il est surprenant qu’il n’y ait pas eu plus de grandes prises sur le genre occidental de là-bas. Mais l’attente en valait la peine pour « The Proposition » du réalisateur John Hillcoat. Avec Nick Cave, qui a également écrit le scénario du premier film de Hillcoat, « Ghosts…of the Civil Dead », l’histoire revêt les qualités mythiques de certains des meilleurs travaux de Cave, aidés en grande partie par la partition composée par Warren Ellis, un autre Bad Seed, qui est probablement notre préférée parmi les œuvres cinématographiques du musicien. C’est un petit film méchant et sinistre, qui rappelle le meilleur de Peckinpah, avec un casting fantastique (John Hurt et Danny Huston étant les plus marquants) enfoui sous des couches de sang, de saleté et de sueur – ce sont des gens qui se battent contre un paysage sans fin et sans Dieu, et ils perdent. De plus, il a la meilleure scène de tête explosive des années 2000…

1. « Volver »
Situé dans un village espagnol venteux et superstitieux, le mélodrame extrêmement riche de Pedro Almodóvar scintille de passion vibrante et colorée et de mélancolie familiale. La combinaison des habitués d’Almodóvar est inspirée ; la voluptuaire Penélope Cruz nous rappelle à quel point elle est étonnante lorsqu’elle joue dans sa langue maternelle (elle a été nommée aux Oscars et a remporté un prix d’interprétation à Cannes), tandis que Blanca Portillo et Lola Dueñas font des accents complémentaires parfaits. Le titre du film (« Retour » en anglais) fait écho au retour/résurrection de la mère des sœurs protagonistes, considérée comme un fantôme (et interprétée par l’ancienne muse d’Almodóvar, Carmen Maura, qui revient travailler avec l’auteur après une brouille qui a duré une décennie). Rehaussé par la partition d’Alberto Iglesias, ce thriller hitchcockien complexe, et parfois comique, est en fin de compte une réflexion profonde sur la mort, la famille et le pardon. L’un des meilleurs de la décennie et une œuvre profondément touchante.

Mention spéciale d’honneur :
« La mort de M. Lazarescu »
Dans cette satire mordante, un homme mourant se retrouve à la merci du système de santé roumain alors qu’il meurt lentement devant tout le monde, impuissant à empêcher son enterrement sous une mer de paperasse et de bureaucratie. La comédie noire de Cristi Puiu a lancé le buzz sur ce que tout le monde considère comme la Nouvelle Vague roumaine, et les échos de ce film se font encore sentir dans sa vision du monde sombre et oppressante, son protagoniste comiquement accablé et sa mortalité excessivement imparfaite.

For Your Mild Consideration
« Babel »
On ne peut nier que « Babel » est une tragédie pornographique en partie manipulatrice et empilée, avec une conception éculée – encore un autre des contrivances du monde-tout-est-interconnecté de Guillermo Arriaga. Cependant, le scénariste se séparera à jamais du réalisateur Alejandro González Iñárritu après ce film, et nous aimerions croire que l’écart du cinéaste par rapport au texte est la raison pour laquelle le film n’est pas un gâchis total (le tiède premier effort de mise en scène d’Arriaga, « La plaine brûlante », laissait penser que l’homme était à court de vapeurs créatives). Ce film multi-narratif montre comment un acte apparemment insignifiant – un chasseur japonais donne un fusil à un éleveur de chèvres marocain dont les enfants tirent par inadvertance sur un touriste américain alors que leurs enfants sont bloqués au Mexique – peut avoir des répercussions sur toute la planète. Pourtant, à elles seules, ces histoires sont totalement absorbantes et profondément émouvantes (Cate Blanchett, Brad Pitt, Gael Garcia Bernal sont remarquables, et Adriana Barraza et Rinko Kikuchi mériteraient des nominations aux Oscars pour leurs performances émotionnellement nues et déchirantes). Pour toutes ses machinations grossières et montées de toutes pièces – le concept le plus piéton posant que les langues du monde mènent à une mauvaise communication – lorsque l’histoire bat son plein, on ne peut pas non plus réfuter que certaines scènes sont une représentation formidablement tranchante de la souffrance universelle de l’humanité.

Mention honorable:
Comme d’habitude, certains bons films doivent tomber juste en dehors de la liste des 10 premiers, notamment : Le premier long métrage de Tommy Lee Jones, « Les trois enterrements de Melquiades Estrada » ; l’excellent film de Christopher Nolan, entre les films Batman et un magicien rival, « Le Prestige », avec Hugh Jackman et Christian Bale ; le conte de fées fantastique de Guillermo del Toro, « Le Labyrinthe de Pan » ; l’aliénation anachronique d’une adolescente au 16e siècle, « Marie Antoinette », de Sofia Coppola ; Le superbe redémarrage de la franchise Bond par Martin Campbell avec « Casino Royale » ; le remake de « Infernal Affairs » de Martin Scorsese, « Les Infiltrés » (qui est passé à la télévision tellement de fois que son pouvoir s’est émoussé) ; « Clean » d’Oliver Assayas, dans lequel Maggie Cheung a été récompensée au Festival de Cannes pour son interprétation d’une toxicomane en lutte ; et le dernier volet de la trilogie de la vengeance de Park Chan-Wook, « Lady Vengeance », magnifiquement envoûtant. » A noter également que nous avons oublié de donner de l’amour à « Inland Empire » de David Lynch, un film plus que bizarre.

D’autres films méritent d’être mentionnés, notamment le dernier film de Robert Altman, « A Prairie Home Companion » ; Le thriller aztèque de Mel Gibson, « Apocalypto » ; le cinétique (peut-être trop cinétique) de Tom Tykwer, « Perfume : The Story of a Murderer » ; l’érotique à petit budget de John Cameron Mitchell, « Shortbus » ; l’adaptation de Philip K. Dick en prises de vues réelles et en rotoscopie de Richard Linklater, « A Scanner Darkly » ; le plus grand succès commercial de Spike Lee, le divertissant film de hold-up « Inside Man » ; l’imparfait mais intéressant « Miami Vice » de Michael Mann ; Bryan Singer, le réalisateur de la série « L’homme de la rue ». Dick, « A Scanner Darkly » ; le plus grand succès commercial de Spike Lee, le divertissant film de hold-up, « Inside Man » ; « Miami Vice » de Michael Mann, imparfait mais intéressant ; « Superman Returns » de Bryan Singer, injustement décrié ; « Friends with Money » de Nicole Holofcener, un film d’observation ironique, « The Descent », un film d’horreur surestimé mais vivifiant, et « 13 Tzameti ».

– Kevin Jagernauth, Rodrigo Perez, Drew Taylor, Sam Mac, Oli Lyttelton &