Carla R. Stewart în rolul lui Shug Avery, în centru, și distribuția turneului nord-american în „The Color Purple” la Teatrul Orpheum al SHN.
De la stânga la dreapta: Carla R. Stewart în rolul lui Shug Avery și Adrianna Hicks în rolul lui Celie în „The Color Purple” la Teatrul Orpheum de la SHN.
De la stânga:�Adrianna Hicks în rolul lui Celie și N’Jameh Camara în rolul lui Nettie în „The Color Purple” la Teatrul Orpheum de la SHN.
Vocile ululează, atingând noi înălțimi și apoi imediat noi coborâșuri, alunecând și alunecând printre fiecare notă dintre ele, ca și cum a cânta o înălțime înseamnă neapărat a face o buclă prin toate celelalte din vecinătatea sa. Curelele adună un volum atât de mare încât, practic, iau o formă tangibilă; pentru a le absorbi înseamnă că aproape că nu există spațiu pentru ca tu însuți să respiri. Apoi, solo-urile virtuoase se topesc, lăsând corul într-un acord gospel liniștit, dar perfect îmbinat, care vibrează cu dincolo.
Și asta doar în numărul de început.
„The Color Purple”, a cărui reluare câștigătoare a premiului Tony s-a deschis miercuri, 2 mai, la Teatrul Orpheum de la SHN, este despre puterea vocii umane, atât din punct de vedere muzical, cât și în sens mai larg. Adaptat după romanul din 1982 al lui Alice Walker, musicalul o urmărește pe Celie (Adrianna Hicks), o femeie de culoare din Georgia din epoca lui Jim Crow, pentru care oroarea este ceva nesemnificativ. Incestul îi definește copilăria, până când tatăl ei (J.D. Webster) o negociază cu Mister (Gavin Gregory), care dorea să se căsătorească cu sora ei, Nettie (N’Jameh Camara), dacă nu se putea căsători cu adevărata lui iubită, animatoarea peripatetică Shug Avery (Carla R. Stewart). În tot acest timp, bărbații din viața lui Celie o bat și o batjocoresc cu urâțenia ei – condiții pe care Celie le acceptă ca și cum ar fi fapte științifice.
„The Color Purple” este o potrivire incomodă pentru era #MeToo. Cu o carte de Marsha Norman și muzică și versuri de Brenda Russell, Allee Willis și Stephen Bray, spectacolul își lasă atât publicul, cât și răufăcătorii săi să scape prea ușor. Suntem invitați să condamnăm violența domestică și rasismul și apoi să ne felicităm pentru că suntem atât de luminați, iar apoi principalul abuzator al lui Celie, chinuitorul ei de-o viață, reușește să se strecoare din nou în viața ei după ce ea a scăpat de el, totul făcând doar o faptă bună. Musicalul mai sugerează că, dacă Celie și-ar fi dat seama de la bun început că este „prea frumoasă pentru cuvinte”, ar fi putut să-și depășească soarta mai devreme. Este o formă subtilă de învinovățire a victimei. Chiar dacă, în mod superficial, cântecul încearcă să o înalțe pe Celie, el trece sub tăcere structurile profunde ale societății care o țin la pământ.
Celie a lui Hicks contrastează în mod evident cu interpretarea lui Whoopi Goldberg în versiunea cinematografică a poveștii din 1985. În timp ce Goldberg era liniștită și tăcută, cu ochii mereu plecați în jos, având mereu nevoie ca altcineva să îi ridice bărbia în locul ei, Hicks este șireată și excentrică, cu o voce de șobolan și cu maniere fizice atât de intense încât pare ciudat că celelalte personaje nu le remarcă. Este aproape prea ușor pentru această Celie să treacă de la victimă la antreprenor independent, iar alte fire ale intrigii, sub conducerea lui John Doyle, pot părea la fel de arbitrare. În special, atracția dintre Celie și Shug pâlpâie și se stinge aproape ca și cum nu s-ar fi întâmplat deloc.
Dar, prin toate acestea, dorința umană este făcută fastuos de absurdă, în special de Carrie Compere în rolul Sofiei și J. Daughtry în rolul lui Harpo, îndrăgostiți care se contorsionează de durere la gândul de a-și ține mâinile departe unul de celălalt. Pofta infectează întregul ansamblu. Într-o scenă dezlănțuită, un șir de cupluri pistonate devine cilindrii unui motor, care se accelerează și apoi se răcesc, veseli în pocnituri ale spatelui și care se stârnesc în puterea lor.
Și apoi sunt acele voci glorioase, cu sufluri supraomenești de durere mizerabil de umană. Este deosebit de revigorant în Teatrul Orpheum, ale cărui spectacole se bazează adesea prea mult pe razzle-dazzle, să vezi acești cântăreți relativ neadormiți. Scenografia lui Doyle constă în puțin mai mult decât panouri și scaune din lemn învechit, care devin orice, de la unelte de câmp la bancuri de lucru pentru tâmplari. În acest musical, vocile sunt tot ce ai nevoie.
Lily Janiak este criticul de teatru al The San Francisco Chronicle. Email: [email protected] Twitter: @LilyJaniak
Pentru a vedea un trailer: https://bit.ly/2rfhQ6A