Subscribe

Vozes ululadas, atingindo novas alturas e depois imediatamente novos mínimos, escorregando e saindo entre todas as notas do meio, como se cantar um tom fosse necessariamente fazer loop-the-loop através de todas as outras na sua vizinhança. Os cintos reúnem tal volume que praticamente tomam forma tangível; absorvê-los significa que quase não há espaço para você mesmo respirar. Então, os solos virtuosos derretem-se, deixando o refrão num acorde gospel silencioso mas perfeitamente misturado que toca o além.

E isso está apenas no número de abertura.

“The Color Purple”, cujo reavivamento vencedor do Tony abriu quarta-feira, 2 de Maio, no Orpheum Theatre da SHN, é tudo sobre o poder da voz humana, tanto musicalmente como de uma forma mais ampla. Adaptado do romance de 1982 de Alice Walker, o musical segue Celie (Adrianna Hicks), uma mulher negra da era Jim Crow, na Geórgia, para quem o horror não é notável. O incesto define sua infância, até que seu pai (J.D. Webster) a negocia com Mister (Gavin Gregory), que queria se casar com sua irmã Nettie (N’Jameh Camara) se não pudesse se casar com sua verdadeira amada, a animadora peripatética Shug Avery (Carla R. Stewart). Durante todo o tempo, os homens na vida de Celie batiam nela e a provocavam com sua fealdade – condições que Celie aceita como se fossem fatos científicos.

“The Color Purple” é um ajuste inquieto para a era #MeToo. Com um livro de Marsha Norman e música e letra de Brenda Russell, Allee Willis e Stephen Bray, o show deixa tanto seu público quanto seus vilões fora muito fácil. Somos convidados a condenar a violência doméstica e o racismo e depois nos parabenizamos por sermos tão iluminados, e então o principal agressor de Celie, seu tormento de toda a vida, volta à sua vida depois de ela ter escapado dele, tudo isso fazendo apenas uma boa ação. O musical implica ainda que se Celie tivesse acabado de perceber que era “bonita demais para as palavras” o tempo todo, ela poderia ter sido capaz de superar sua sorte na vida mais cedo. É uma forma sutil de culpar a vítima. Mesmo quando, superficialmente, a canção tenta elevar Celie, ela se sobrepõe às profundas estruturas sociais que a mantêm em baixo.

Célia de Hicks contrasta marcadamente com a performance de Whoopi Goldberg na versão cinematográfica da história de 1985. Onde Goldberg estava parado e quieto, os olhos sempre abatidos, sempre precisando de alguém para levantar o queixo por ela, Hicks é manhoso e peculiar, com um comportamento tão pesado de maneirismos físicos que parece estranho que os outros personagens não comentem sobre eles. É quase um pouco fácil demais para esta Celie passar de vítima a empresária independente, e outras linhas de enredo, sob a direção de John Doyle, podem sentir-se igualmente arbitrárias. Em particular, a atração entre Celie e Shug cintila de vez em quando como se não tivesse acontecido.

Mas através de tudo isso, o desejo humano é tornado sumptuosamente absurdo, especialmente por Carrie Compere como Sofia e J. Daughtry como Harpo, amantes que escrevem com dor pensando em manter as mãos longe um do outro. A luxúria infecta todo o conjunto. Em uma cena desordenada, uma linha de casais pisoteando torna-se os cilindros de um motor, revivendo-se e depois esfriando, alegres em estalos das costas e whooshing em sua potência.

E depois há aquelas gloriosas vozes, com foles sobre-humanos de dor humana miserável. É particularmente refrescante no Orpheum Theatre, cujos espectáculos muitas vezes dependem demasiado do razzle-dazzle, para ver aqueles cantores relativamente sem adornos. A cenografia de Doyle consiste em pouco mais do que painéis e cadeiras de madeira em perigo, que se transformam em tudo, desde ferramentas de mãos de campo até bancadas de trabalho de carpinteiros. Neste musical, vozes são tudo o que você precisa.

Lily Janiak é crítico de teatro do The San Francisco Chronicle. Email: [email protected] Twitter: @LilyJaniak

Para ver um trailer: https://bit.ly/2rfhQ6A