Subscribe

Głosy ululają, osiągając nowe szczyty, a potem natychmiast nowe dno, ślizgając się i ślizgając pomiędzy każdą nutą pomiędzy, tak jakby śpiewanie jednego dźwięku było koniecznie zapętleniem wszystkich innych w jego pobliżu. Pasy mają taką objętość, że praktycznie przybierają namacalną formę; wchłonięcie ich oznacza, że prawie nie ma miejsca na wzięcie oddechu. Następnie wirtuozowskie solówki rozpływają się, pozostawiając chór w cichym, ale doskonale wtopionym akordzie gospel, który pulsuje z zaświatów.

I to tylko w numerze otwierającym.

„The Color Purple”, którego nagrodzona nagrodą Tony rewia została otwarta w środę, 2 maja, w SHN’s Orpheum Theatre, jest wszystkim o sile ludzkiego głosu, zarówno muzycznie, jak i szerzej. Zaadaptowany na podstawie powieści Alice Walker z 1982 roku, musical śledzi losy Celie (Adrianna Hicks), czarnej kobiety w Georgii ery Jima Crowa, dla której horror jest czymś niezwykłym. Kazirodztwo definiuje jej dzieciństwo, aż jej ojciec (J.D. Webster) targuje ją do Mistera (Gavin Gregory), który chciał poślubić jej siostrę Nettie (N’Jameh Camara), jeśli nie mógł poślubić swojej prawdziwej ukochanej, perypatetycznej animatorki Shug Avery (Carla R. Stewart). Przez cały czas, mężczyźni w życiu Celie biją ją i drwią z jej brzydoty – warunki, które Celie akceptuje, jakby to były naukowe fakty.

„The Color Purple” to niełatwe dopasowanie do ery #MeToo. Z książką autorstwa Marshy Norman oraz muzyką i tekstami Brendy Russell, Allee Willis i Stephena Braya, spektakl pozwala zarówno widzom, jak i złoczyńcom zbyt łatwo się wywinąć. Jesteśmy zaproszeni do potępienia przemocy domowej i rasizmu, a następnie gratulujemy sobie bycia tak oświeconymi, a następnie główny oprawca Celie, jej życiowy dręczyciel, dostaje się z powrotem do jej życia po tym, jak ona od niego uciekła, a wszystko to dzięki zrobieniu tylko jednego dobrego uczynku. Musical sugeruje, że gdyby Celie zdała sobie sprawę, że jest „zbyt piękna na słowa”, mogłaby wcześniej przezwyciężyć swój los. Jest to subtelna forma obwiniania ofiar. Nawet jeśli, powierzchownie, piosenka próbuje wywyższyć Celie, to jest to papiery nad głębokimi strukturami społecznymi, które trzymają ją w dole.

Celie Hicksa wyraźnie kontrastuje z występem Whoopi Goldberg w filmowej wersji tej historii z 1985 roku. Tam, gdzie Goldberg była nieruchoma i cicha, z wiecznie spuszczonymi oczami, zawsze potrzebująca kogoś innego, kto podniósłby za nią podbródek, Hicks jest chytra i dziwaczna, szczurza i tak ciężka w odbiorze, że wydaje się dziwne, iż inne postaci nie zwracają na nie uwagi. Celie zbyt łatwo przechodzi od ofiary do niezależnego przedsiębiorcy, a inne wątki fabularne, pod kierunkiem Johna Doyle’a, mogą wydawać się równie arbitralne. W szczególności, przyciąganie między Celie i Shug migocze na przemian, jakby w ogóle nie miało miejsca.

Ale przez to wszystko, ludzkie pożądanie jest wystawnie absurdalne, zwłaszcza przez Carrie Compere jako Sofia i J. Daughtry jako Harpo, kochanków, którzy wiją się z bólu na myśl o trzymaniu rąk z dala od siebie. Żądza zaraża cały zespół. W jednej z rozedrganych scen, linia tłoczących się par staje się cylindrami silnika, rozpędzonymi, a potem stygnącymi, wesołymi w pstryknięciach pleców i szumiącymi w swojej mocy.

A potem są te wspaniałe głosy, z nadludzkimi miechami nędznie ludzkiego bólu. W Orpheum Theatre, którego spektakle często za bardzo polegają na efekciarstwie, widok tych śpiewaków w stosunkowo nieupiększonej postaci jest szczególnie odświeżający. Scenografia Doyle’a składa się z niewiele więcej niż zniszczonych drewnianych paneli i krzeseł, które stają się wszystkim, od narzędzi do pracy w polu po stoły stolarskie. W tym musicalu głosy są wszystkim, czego potrzebujesz.

Lily Janiak jest krytykiem teatralnym The San Francisco Chronicle. Email: [email protected] Twitter: @LilyJaniak

Aby zobaczyć zwiastun: https://bit.ly/2rfhQ6A