Waar ging de jazz heen in de jaren 70?
Waar ging de jazz heen in de jaren 70? De muziek breidde zich textueel en technologisch uit naarmate ze zich verwijderde van de ritmische continuïteiten van swing en bebop. Veel van de muziek brak met de traditionele 12, 16, 32 maten en A-A-B-A songvormen van de voorgaande twee decennia. Complexe composities werden de norm, waarbij strak geschreven secties werden gecombineerd met improvisatie, geworteld in structuren uit de klassieke muziek en muziek van over de hele wereld. De technologische vooruitgang liet toe dat de instrumentatie drastisch veranderde, en opende innovaties die tot op vandaag gebruikt worden.
Instrumentatie
In het begin van de jaren 1970, stelde de vooruitgang in technologie en versterking jazzmuzikanten in staat om het bereik van hun geluid en spel uit te breiden. De eerste vooruitgang die besproken zal worden is de basdirect. Wie bekend is met Ron Carter, Eddie Gomez, Stanley Clarke of Niels Pedersen op een jaren 70 opname kent dit geluid, dat veel bespot wordt. Met de bass direct konden akoestische bassisten hun bas rechtstreeks in het mengpaneel of het versterkingssysteem pluggen om trillingen te verminderen. Het neveneffect hiervan was dat in plaats van de houttoon van de bas, er veel meer toets te horen zou zijn. Daardoor kregen bassolo’s een gitaarachtige klank, zoals in het geval van Gomez, Pedersen en Clarke. Drummers als Billy Cobham en Tony Williams gebruikten grotere drumkits op het niveau van rockdrummers, en de Fender Rhodes elektrische piano, een technologie die dateerde uit de jaren ’40, maar in 1965 op ware grootte werd geïntroduceerd, werd het favoriete instrument van onder meer Herbie Hancock, Chick Corea en Joe Zawinul. Analoge synthesizers van Moog, Arp, en Oberheim stonden in de kinderschoenen, en spelers en programmeurs haastten zich naar de nieuwe technologie om het sonische potentieel ervan te vinden. Elektrische gitaren en bassen vervolledigden het geluid om dat van rockgroepen te evenaren.
De kinderen van Miles Davis
De vooruitgang in de jaren 70 werd allemaal begonnen door muzikanten die in de bands van Miles Davis speelden. De muziek vond andere wegen dan wat te horen was op In A Silent Way en Bitches Brew. Tony Williams was met zijn groep Lifetime in 1969 de eerste in het ontstaan van jazz-rock, maar tegen 1970-72 groeide de rockinvloed in Williams’ spel massaal. Herbie Hancock’s Mwandishi richtte zich op een meer ambient, avant garde benadering, met Hancock op Fender Rhodes en effecten Bennie Maupin op basklarinet en saxofoons, Eddie Henderson op trompet en flugelhorn, Julian Priester op trombones, Buster Williams op bas en Billy Hart op drums. De groep nam Mwandishi (Warner Bros 1971) Crossings (Warner Bros. 1972) en Sextant (Columbia, 1972) op, alle groots opgezet met veelkleurige texturen, en oneven maatsoorten (de 15/8 van “Ostinato For Angela”, en de 19/8 van “Hidden Shadows”). De laatste twee albums voegden Dr. Patrick Gleeson toe op Moog synthesizer, wiens atmosferische, griezelige texturen veel aan de muziek toevoegden. Bij Sextant voegde Hancock de Hohner D-6 clavinet en Arp synthesizer toe en hoewel het album niet zo uit was als Crossings was het een waardig einde van de trilogie. “Rain Dance’ beïnvloedde een generatie producers van elektronische muziek met zijn sequenced opening. Helaas was Mwandishi economisch niet houdbaar. Geïnspireerd door James Brown en Sly And The Family Stone, haalde Hancock Maupin over van de vorige band, bracht Paul Jackson op bas, en Harvey Mason op drums en vormde de Headhunters. Hun titelloze debuut leverde grote hits op: “Chameleon’, en een aangepaste ‘Watermelon Man’ met funky ritmes, vloeibare Rhodes en vette keyboards. Later in het decennium voegde Hancock de vocoder toe aan zijn arsenaal en stapte over naar R&B en disco, waarmee hij jazzpuristen van zich vervreemdde die hem niet langer als jazzmuzikant beschouwden. Hancock nam wel akoestische projecten op, maar voornamelijk voor CBS/Sony, de Japanse divisie van Columbia, waarvan de meeste van de 8 albums hun Amerikaanse debuut kregen in The Complete Columbia Album Collection 1972-1988 (Columbia/Legacy, 2013).
Chick Corea zou van de avant garde die zijn albums halverwege de jaren 60 kenmerkte, overstappen op iets anders met Return To Forever (ECM, 1971). De Fender Rhodes was een katalysator voor een nieuw geluid voor de pianist, een zwevende, vrolijke mix met Braziliaanse invloeden, met Flora Purim op zang, Joe Farrell op riet, Stanley Clarke op bas en Airto Moreira op drums. Deze line-up zou Light As A Feather (Polydor, 1972) opnemen met de klassieker “Spain” voordat een belangrijke line-up verandering plaatsvond met Farrell, Purim, en Moreira die vertrokken, Bill Connors kwam erbij op gitaar samen met Lenny White op drums. De focus verschoof drastisch in een meer rockachtige richting voor Hymn Of The Seventh Galaxy (Polydor, 1973) virtuoos spel en songvormen meer in lijn met het klassieke schrijven, een verre schreeuw van de 16 en 32 maten songvormen van het vorige decennium. De “klassieke” versie van RTF zou zich consolideren met Al DiMeola als vervanger van Connors, en het uitbrengen van Where Have I Known You Before? (Polydor, 1974) en de band definiërende Romantic Warrior (Columbia, 1976) uit, waarvan de compositorische constructies de dingen naar een ander niveau brachten, verwant aan progressieve rock. De cross-over aantrekkingskracht die het album genereerde was inderdaad enorm. RTF werd ontbonden na nog twee albums met een uitgebreide line-up, en Corea zou enkele van zijn grootste successen als soloartiest opnemen, zoals The Leprechaun (Polydor, 1977). De Dimeola/Clarke/White editie van RTF zouden in 2008 herenigd worden voor een grote wereldtournee, waarbij ze een dubbel live album produceerden en een concertvideo van hun optreden op het Montreux Jazz Festival in 2008 die de diepte en de meerderheid in het materiaal meer dan 30 jaar later laat zien. Corea zou een akoestische tournee doen met het kerntrio en een nieuwe versie van Return to Forever vormen met zijn Elektric Band kameraad Frank Gambale op gitaar en een ander jazzrock icoon, violist Jean Luc Ponty.
Mahavishnu en Weather Report
John McLaughlin’s Mahavishnu Orchestra met violist Jerry Goodman, bassist Rick Laird, en drummer Billy Cobham zou een enorm statement maken met Birds Of Fire (Columbia, 1973). McLaughin liet niet alleen duizelingwekkende unisono’s horen die deden denken aan de Indiase klassieke muziek, maar ook een verbluffend gebruik van oneven maatsoorten. Het was hier dat Cobham begon te experimenteren met een veel grotere kit met een scala aan bekkens en een dubbele basdrum, voor het eerst in zwang in het swingtijdperk met Louis Bellson. Klassieke composities zoals “Birds of Fire” mengden een ongebruikelijke 18/8 maatsoort met gitaargroepen van 5+5+5+3, drums van 6+6+6+6 en viool in groepjes van 3+3+2+3+2+ (Davies, 1985, 48-49) en een spannende melodische durf, “Dance of the Maya” met zijn broeierige opening is bijna een voorbode van metal, terwijl Jerry Goodman’s vioolsolo geflankeerd wordt door Billy Cobham’s shuffle groove, die de dingen op een aardsere golflengte brengt. “Vital Transformations” sijpelt tussen 9/8 en enkele 4/4 passages. Met Mahavishnu werd de deur naar een nieuwe manier van denken in de jazzrock-arena wagenwijd opengezet, en met Return to Forever, Mahavishnu, Herbie Hancock en Weather Report die samen in dezelfde ruimte bestonden, werd een grenzeloze individualiteit geboden.
Weather Report ontwikkelde zich ook uit Miles’ groepen, met Joe Zawinul en Wayne Shorter aan het hoofd van de groep met Miroslav Vitous op bas, Airto op percussie en wijlen Alphonse Mouzon op drums. WR begon als een heel ander ensemble, het zelfgetitelde Weather Report (Columbia, 1971) opende met het opzienbarende “Milky Way”, de studio gebruikt als een volwaardig instrument, griezelige luchtgedragen texturen werden gecreëerd door Zawinul die akkoorden speelde terwijl Shorter sopraansaxofoon blies in de piano. De avant-garde richting van de band kwam het best tot uiting op wat misschien wel hun beste opname Live In Tokyo (Columbia, 1972) zou kunnen zijn. Lange medleys aan de zijkant van het album bevatten post In A Silent Way texturen, Miroslav Vitous’ wah wah’d bas die Miles Davis’ wah wah’d trompet emuleert, etherische percussie en vocale effecten van Dom Um Romao. Het is Weather Report’s meest vluchtige, ongeremde spel op plaat – heel wat anders dan wat de meeste mensen met de band associëren op albums als Black Market (Columbia, 1976) en hun bestseller, Heavy Weather (Columbia, 1978). Tegen 1973 voelde Zawinul de behoefte om de richting van de band te veranderen, weg van de abstractie van de eerste drie albums van de band, naar een meer door groove gedreven richting die meer dan een paar zaden zou bevatten die het wereldmuziekgenre zouden doen ontkiemen, te beginnen met Sweet Nighter (Columbia, 1973). Tegen 1978 was er een consistente drummer met Alex Acuna, Jaco Pastorius zou Alphonso Johnson vervangen, en namen ze Heavy Weather op. Het album bevat enkele van de meest gepolijste compositorische inspanningen van de groep met “Birdland”, “A Remark You Made” en Wayne Shorter’s “Palladium”. Critici verafschuwden het feit dat de band de status van rockster bereikte, en Zawinul hand werd compositorisch veel zwaarder, en in de texturen van de muziek, wat uiteindelijk leidde tot de exit van Jaco Pastorius vanwege Zawinul’s steeds meer overheersende invloed. Shorter’s composities werden steeds minder op de albums en na 1985’s This Is This, ging de groep uit elkaar. De muziek van Weather Report blijft van grote invloed op jazz en andere muziek – de band was bijvoorbeeld van grote invloed op de Franse elektronische groep Deep Forest, geleid door producer en toetsenist Eric Mouquet en Michel Sanchez. Zij speelden met Zawinul op het nummer “Deep Weather”, een knipoog naar de naam van de band.
Miles Runs The Voodoo Down (Again)
In het begin van de jaren 70 stond Miles Davis tot aan zijn knieën in de invloeden van Jimi Hendrix, James Brown en Sly Stone, muziek waar hij erg van hield omdat hij er via zijn vrouw Betty Davis mee in aanraking was gekomen. De trompettist wilde de grenzen nog eens verleggen en probeerde het geluid van de straten in zwart Amerika vast te leggen, en wat resulteerde uit die behoefte om de stedelijkheid van wat hij hoorde vast te leggen was On The Corner (Columbia, 1972), een prachtige melange van Indiase, elektronische en Afrikaanse elementen. In een fascinerende, vaak venijnige uitwisseling, debatteerde percussionist James Mtume met Stanley Crouch (bekend om zijn extreem rechtse akoestische jazzpuristische houding) over de verdiensten van de muziek. Aan de hand van de begrippen esthetisch verval, technische uitputting en sociale veroudering van de klassieke muziekcriticus Henry Plesants, legde Mtume uit dat Davis op zoek was naar nieuwe wegen van expressie, via het gebruik van de wah wah, de intense Afrikaanse ritmes, en metrische modulatie om iets nieuws te creëren. De metrische modulatie die in Davis’ bands van 1973-75 wordt gebruikt, is bijzonder fascinerend om de enkele reden dat ze volledig is ingestudeerd om naadloos over te gaan, en toch de illusie van iets totaal geïmproviseerds in stand te houden. Dit oeuvre, met name de live-opnamen, blijven tot de meest stimulerende van de trompettist behoren en behoren tot de krachtigste jazz van het decennium.
Andere stromingen en conclusie
Terwijl jazz-rock en jazz-funk de verkoop domineerden, waren er andere stromingen in de muziek. ECM, opgericht door Manfred Eicher in 1969, bood een ambient, grotendeels akoestische kamerbenadering van de muziek met het label dat bekend staat om weergaloze, kristalheldere sonica, en weelderige, ruimtelijke kwaliteit met tonnen galm. Keith Jarrett, Paul Bley en Chick Corea leverden allemaal belangrijke bijdragen aan de solo piano arena, waarbij vooral Jarrett en Bley het idioom herdefinieerden. Met drummers als Jon Christensen en Jack DeJohnette werd een ritmische opvatting tussen swing en straight eighths gecreëerd, die een nieuwe generatie opnieuw definieerde. Pat Metheny, Gary Burton, Ralph Towner en anderen hebben allemaal belangrijk werk geleverd op ECM, en tot op de dag van vandaag blijft het label een vooruitstrevende kracht. Labels als Pablo, Concord en Xanadu brachten in de traditie straight ahead jazz voort, en Herbie Hancock’s VSOP Quintet met Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Ron Carter en Tony Williams legde de basis voor de grootschalige akoestische jazzrevival onder leiding van Wynton Marsalis in de jaren 80. Akoestische, straight ahead jazz werd altijd al geproduceerd in de jaren ’70, het was alleen niet zo populair, en er waren niet veel kansen om het op te nemen. Groepen als vibrafonist Mike Mainieri’s Steps Ahead met studio azen als Don Grolnick, Michael Brecker, Eddie Gomez en Steve Gadd vermengden straight ahead met de huidige trends en legden zo gedeeltelijk de routekaart vast voor wat uiteindelijk smooth jazz zou worden, samen met Bob James, Lee Ritenour en GRP records. Om de impact van de jaren ’70 jazz te begrijpen, kunnen workshops zoals Modern Jazz Ensemble onder leiding van Sebastian Noelle helpen om vandaag de dag muzikale apparaten te versterken die uit dat tijdperk zijn voortgekomen bij de New York Jazz Workshop.