Carla R. Stewart dans le rôle de Shug Avery, au centre, et la distribution de la tournée nord-américaine dans « The Color Purple » au théâtre Orpheum de SHN.
De gauche à droite : Carla R. Stewart dans le rôle de Shug Avery et Adrianna Hicks dans le rôle de Celie dans « The Color Purple » au théâtre Orpheum du SSPSM.
De gauche:�Adrianna Hicks dans le rôle de Celie et N’Jameh Camara dans le rôle de Nettie dans « The Color Purple » au théâtre Orpheum du SHN.
Les voix ululent, atteignant de nouveaux sommets puis immédiatement de nouveaux bas, glissant et glissant entre toutes les notes intermédiaires, comme si chanter une hauteur était nécessairement de boucler la boucle à travers toutes les autres dans son voisinage. Les ceintures ont un volume tel qu’elles prennent pratiquement une forme tangible ; les absorber signifie qu’il n’y a presque pas d’espace pour que vous puissiez respirer. Puis, les solos virtuoses se fondent, laissant le chœur dans un accord gospel calme mais parfaitement mélangé qui palpite avec l’au-delà.
Et ce n’est que dans le numéro d’ouverture.
« The Color Purple », dont la reprise récompensée par un Tony a débuté mercredi 2 mai à l’Orpheum Theatre du SHN, est tout au sujet du pouvoir de la voix humaine, à la fois musicalement et plus largement. Adapté du roman d’Alice Walker paru en 1982, la comédie musicale suit Celie (Adrianna Hicks), une femme noire dans la Géorgie de l’ère Jim Crow pour qui l’horreur est banale. L’inceste définit son enfance, jusqu’à ce que son père (J.D. Webster) la vende à Mister (Gavin Gregory), qui voulait épouser sa sœur Nettie (N’Jameh Camara) s’il ne pouvait pas épouser sa véritable bien-aimée, la divertissante péripatéticienne Shug Avery (Carla R. Stewart). Pendant tout ce temps, les hommes de la vie de Celie la battent et la raillent pour sa laideur – des conditions que Celie accepte comme s’il s’agissait de faits scientifiques.
« La couleur pourpre » est un ajustement difficile pour l’ère #MeToo. Avec un livre de Marsha Norman et une musique et des paroles de Brenda Russell, Allee Willis et Stephen Bray, le spectacle laisse son public et ses méchants s’en tirer trop facilement. Nous sommes invités à condamner la violence domestique et le racisme, puis à nous féliciter d’être si éclairés, alors que le principal agresseur de Celie, son tourmenteur de toujours, parvient à revenir dans sa vie après qu’elle lui ait échappé, tout cela en faisant une seule bonne action. La comédie musicale laisse également entendre que si Celie avait simplement réalisé qu’elle était « trop belle pour les mots » depuis le début, elle aurait pu surmonter plus tôt son sort dans la vie. C’est une forme subtile de culpabilisation des victimes. Même si, superficiellement, la chanson tente d’élever Celie, elle passe sous silence les profondes structures sociétales qui la maintiennent à terre.
La Celie de Hicks contraste nettement avec la performance de Whoopi Goldberg dans la version cinématographique de 1985 de l’histoire. Alors que Goldberg était calme et tranquille, les yeux toujours baissés, ayant toujours besoin de quelqu’un d’autre pour lui relever le menton, Hicks est sournoise et excentrique, avec une voix de rat et tellement de maniérismes physiques qu’il semble étrange que les autres personnages ne les remarquent pas. Il est presque trop facile pour cette Celie de passer du statut de victime à celui d’entrepreneur indépendant, et d’autres fils de l’intrigue, sous la direction de John Doyle, peuvent sembler tout aussi arbitraires. En particulier, l’attraction entre Celie et Shug vacille comme si elle n’avait jamais existé.
Mais à travers tout cela, le désir humain est rendu somptueusement absurde, notamment par Carrie Compere dans le rôle de Sofia et J. Daughtry dans celui de Harpo, des amants qui se tordent de douleur à l’idée de ne pas se toucher. La luxure infecte l’ensemble. Dans une scène éruptive, une ligne de couples en mouvement devient les cylindres d’un moteur, s’emballant puis se refroidissant, joyeux dans les coups de reins et vrombissant dans leur puissance.
Et puis il y a ces voix glorieuses, avec des souffles surhumains de douleur misérablement humaine. Il est particulièrement rafraîchissant dans l’Orpheum Theatre, dont les spectacles reposent souvent trop sur le razzle-dazzle, de voir ces chanteurs relativement peu ornés. La scénographie de M. Doyle se résume à des panneaux de bois et à des chaises en mauvais état, qui deviennent autant d’outils pour les ouvriers agricoles que d’établis pour les menuisiers. Dans cette comédie musicale, les voix sont tout ce dont vous avez besoin.
Lily Janiak est la critique théâtrale du San Francisco Chronicle. Courriel : [email protected] Twitter : @LilyJaniak
Pour voir une bande-annonce : https://bit.ly/2rfhQ6A