Viisas kirjuri Elton John sanoi kerran, että ”surulliset laulut kertovat niin paljon”. Ja useimmiten me tiedämme tarkalleen, mitä ne sanovat: The Curen, The Smithsin, Edith Piafin, Hank Williamsin ja kaikkien muiden surun velhojen masentavista kappaleista ei voi erehtyä.
Suurimmassa osassa surullisia kappaleita musiikki on yhtä (tai joskus enemmän) masentavaa kuin niihin liittyvät sanoitukset. Ei ole paljon surumielisiä, mollivoittoisia lauluja kuppikakuista, koiranpennuista, sateenkaarista ja yksisarvisista. Mutta aina silloin tällöin hirvittävän masentavia sanoituksia sisältävään kappaleeseen liittyy musiikkia, joka ei sovi siihen, ja se luo lyyrisen dissonanssin, jota emme ehkä huomaa ennen kuin vasta yhdellä kuuntelukerralla, jolloin kaikki loksahtaa kohdalleen. Kantrimusiikki onnistuu tässä erinomaisesti, sillä se tarjoaa tarttuvia ja miellyttäviä kappaleita, jotka peittävät alleen usein synkät ja häiritsevät sanoitukset. Mutta kuten huomasimme, tämä musiikillinen ristiriita näkyy myös popissa, rockissa ja jopa punkissa. Tässä on muutamia kappaleita, jotka kuulostavat iloisilta mutta ovat itse asiassa uskomattoman masentavia.
”Mamma Mia” – ABBA
1976

ABBA opetti Amerikalle paljon itsestään. Yhtye toimi 1970-luvulla Tukholmassa sijaitsevasta ABBA-linnakkeestaan käsin ja tutki Yhdysvaltojen popkulttuurimaisemaa, minkä jälkeen se teki musiikkia, joka palveli sen ajan vallitsevia trendejä, mikä tuolloin tarkoitti diskoa. Kuten useimmilla aikakauden trendejä seuranneilla ja menestyneillä yhtyeillä, myös ABBA:lla oli maine sieluttomana bubblegum-poppina tai vähintäänkin tympeänä valtavirran hölynpölynä.
Ja monella tapaa ABBA:lla oli tämä eetos, mutta syvällisemmällä tutkiskelulla löydämme heidän sanoituksistaan melkoisen sekopäisiä juttuja. Esimerkiksi ”Mamma Mia”. Kun olet ostamassa käsilaukkuja ja kuulet kaupan musiikkikaiuttimista tutun mainosjinglen, saatat naputella varpaillasi itsestäsi huolimatta. Mutta jos olet tarkkaavainen, kuulet myös tämän:
I’ve been brokenhearted
Blue since the day we parted
Why, why did I ever let you go?
Ei ihan miellyttävä aihe, vai mitä? Tarttuvan tarttuva musiikki yhdistettynä masentavaan proosaan saa sen tuntumaan Sylvia Plathin kirjoittamalta Mentos-mainokselta. Mutta se menee vielä pahemmaksi:
Minä luulen, että tiedät, ettet ole poissa liian kauan
Tietäisit, etten ole niin vahva
Yksi katsahdus ja kuulen kellon soivan
Yksi katsahdus vielä ja unohdan kaiken
Agnethan ja Anni-Fridin iloisesta lausunnasta huolimatta he eivät voi olla myöntämättä, että heillä on suhde todelliseen hölmöön. Ja vaikka he kuinka yrittävät, he eivät vain saa itseään pakotettua jättämään häntä lopullisesti. Ja juuri kun tiesimme, että lisää Anthony Wiener -kuvia tulisi pintaan, kappaleen mies jatkaa pettämistä, ja tytöt toistavat noidankehää antamalla hänelle uuden mahdollisuuden.

”I’ll Be Around” – The Spinners
1972

The Spinnersiä voidaan pitää varhaistason esiasteena myöhemmille yhtyeille, kuten Boyz II Men ja New Edition. 1960-luvun Detroitista kotoisin oleva kvintetti kuului Motownin loiston päivien rakkaimpiin. R&B, kuten Detroit itsekin, ei enää koskaan näkisi yhtä loistavia päiviä. The Spinners kuitenkin ylitti Motownin ja koki suurimman maineensa 70-luvun alussa, kiitos heidän läpimurtohittinsä ”I’ll Be Around”. Tuttu nihkeä kitarariffi ja aistikkaat rummut ovat heti tunnistettavissa, ja harvassa on ihminen, joka ei alkaisi tuntea oloaan hieman paremmaksi, kun tämä romanttinen balladi alkaa soida. Etenkin hyvin tunnettu kertosäe:
Kun ikinä kutsut minua, olen siellä
Kun ikinä haluat minua, olen siellä
Kun ikinä tarvitset minua, olen siellä
Olen siellä
I’ll be around
Kaunis sonetti onnekkaalle tytölle ja kenties esiaste Ystävien tunnussävelmälle. Mutta mieleenpainuvat koukut ja koskettava kertosäe peittävät alleen tämän näennäisen romanttisen sävelmän vähemmän tunnetun säkeistön sanat:
Tämä on meidän tienhaaramme
Rakkauden viimeinen jakso
Ei ole enää paikkaa minne mennä, voi ei
Teit valintasi, nyt on minusta kiinni
Käyrähtää pois arvokkaasti
Vaikkakin sinulla on avain kädessäsi
Mitähän tuoretta helvettiä tää on? Vaikuttaa siltä, että tämä aistillinen balladi yhdeltä rakastajalta toiselle on itse asiassa hiljattain hylätyn miehen epätoivoinen vetoomus, kun hän kertoo elämänsä rakkaudelle odottavansa tätä edelleen, vaikka kuinka monta aurinkoa nousisi ja laskisi. Tämä on edelleen romanttista, mutta siinä on tuomitun turhuuden ilmapiiri, joka aina hieman heikentää romantiikkaa.
Sopivaa, että sanat on kirjoittanut Phil Hurtt -niminen kaveri, joka osoittautuu varsin pirteäksi ja ystävälliseksi. Hänen sydämensä ei ollut tuolloin kipeä – hän on vain hyvä lauluntekijä. ”Sitä osa työstä vaatii”, hän sanoi Songfactsin haastattelussa. ”Olin varhaislukija, joten luin paljon tarinoita 3-vuotiaasta lähtien.”

”What’s A Simple Man to Do?” – Steve Earle
2002

Steve Earle ei ole vieras sekoittamaan tarttuvia kappaleita epätoivoon. Hänen kappaleensa ”Johnny Come Lately” alkaa varpaille hyppivänä, isänmaallisena lauluna hänen isoisästään, joka löysi rakkauden Englannissa toisen maailmansodan aikana ja palasi sitten kotiin suurten fanfaarien ja hurraavan väkijoukon saattelemana. Viimeinen säkeistö kuitenkin kertoo laulajan omasta paluusta Vietnamista, mutta tällä kertaa kukaan ei odottanut häntä, kukaan ei hurrannut hänen osuudestaan epäsuositussa sodassa. Lyyrinen dissonanssi ei siis ole Earlelle vierasta.

”What’s a Simple Man to Do” vie kuitenkin ristiriidan pirteän musiikin ja masentavien sanoitusten välillä vielä pidemmälle. Jerusalem-albumilta löytyvässä (iso haiseva vihje koko albumin masentavasta sisällöstä) tarttuvassa kappaleessa kuullaan sähköurkuja, huuliharppuja ja muita hyvän olon soittimia. Kappale kuulostaa joltain, jonka Billy Joel olisi keksinyt, ja kuten Joel, miellyttävät sävelet eivät aina ole osoitus miellyttävästä aiheesta. Jos kuuntelet sanat, huomaat, että kappale kertoo siitä, että sinut pidätettiin San Diegossa heroiinia täynnä olevien ilmapallojen myynnistä. Kiinnitä huomiota kappaleen alkuun, niin tiedät heti, että onnellisuus ja ilo eivät ole Earlen mielessä, vaikka musiikki antaa ymmärtää:
Rakas Graciella, kirjoitan tätä kirjettä, syvällä yössä ja olen aivan yksin.
Sydämeni melkein särkyy, kun kerron sinulle, että olen niin kaukana kotoa.
Laulaja kertoo sen jälkeen tarinaa yrityksestään tienata vähän nopeaa käteistä myymällä huumeita eräälle miehelle, jonka hän tapasi Tijuanassa. Valitettavasti tiedämme, mitä todella tapahtui. Viimeisessä säkeistössä hän pyytää Graciellaa pyytämään äidiltään anteeksi hänen puolestaan. Hän valittaa, että hän todennäköisesti kuolee vankilassa eikä näe enää koskaan läheisiään. Jokaista säkeistöä täydentää yksi helvetin tarttuva pianojakso. Pisteet Earlelle jälleen yksi voitto hänen usein onnistuneissa yrityksissään saada sinut taputtamaan varpaita pyyhkiessäsi silmiäsi.

”Let’s Not S–t Ourselves (To Love and Be Loved)” – Bright Eyes
2002

Bright Eyesin keulahahmo Conor Oberst on piinan asiantuntija. Ihmelapsi, joka levytti ensimmäisen albuminsa 13-vuotiaana, Conor on siitä lähtien ollut masennuksen keulakuva. Jos et ole kuullut Bright Eyesia, kuvittele Elliott Smith ilman iloista ja pirteää henkeä ja olet perillä. Bright Eyesin ensimmäisellä kaupallisella albumillaan Oberst lauloi kappaleen nimeltä ”Padriac my Prince” kuvitteellisesta veljestään, joka hukkui kylpyammeeseen. Toisin sanoen tästä Conor fantasioi saadakseen ajatukset pois todellisista ongelmistaan. Synkkää, eikö?
Mutta suurin osa Bright Eyesin kappaleista on musiikillisesti sopivan alakuloisia ja masentavia. ”Let’s Not S–t Ourselves (To Love and Be Loved)” erottuu joukosta äärimmäisen nautinnollisella rytmillään, joka soi kaikkien aikojen masentavimpien paperille raapustettujen sanoitusten taustalla.
Ainut asia, joka on pidempi kuin kappaleen nimi, on itse kappale. Kymmenen minuutin aikana Conor esittää sarjan kritiikkiä, jeremiadeja ja tunnustuksia, jotka tiivistävät hänen mielipiteensä maailmasta, jossa elämme. Noin kuuden minuutin kohdalla kuulemme Conorin kertovan mahdollisesti tosiaikaisesta itsemurhayrityksestä, vaikka hänen mieltymyksensä kuvitteelliseen kurjuuteen tuntien emme voi olla varmoja. Joka tapauksessa hän kertoo:

Heräsin helpottuneena lakanani ja letkuni olivat ihan sekaisin
Viskistä ja pillereistä heikentyneenä chicagolaisessa sairaalassa.
Ja isäni oli siellä, tuolissa ikkunan vieressä, tuijottaen niin kauas
Muistakaa, että samalla kun tämä tapahtuu, taustalla soi riemastuttavan hyvä musiikki. Conor jatkaa sitten,
Yritin puhua, kuiskasin vain ’niin pahoillani, niin itsekäs’
Hän pysäytti minut ja sanoi ’lapsi, rakastan sinua siitä huolimatta.
Eikä mikään, mitä voit tehdä, voisi koskaan muuttaa tätä, en ole vihainen, sitä tapahtuu.
Mutta et vain voi tehdä sitä uudestaan
Samaisessa kappaleessa Conor laulaa äideistä, jotka ottavat lainaa lähettääkseen lapsensa korkeakouluihin, kunnes ”hänen perheensä on pelkistetty nimiksi ostoslistalla”. Lisäksi hän viittaa kuolinsyyntutkijaan, joka polvistuu krusifiksin alla tietäen, että on pahempiakin asioita kuin olla yksin. Voimme keksiä yhden asian, joka on pahempi kuin yksinolo: Olla Oberstin psykiatri!

”Spanish Bombs” – The Clash
1979

Meille voidaan antaa anteeksi, jos emme heti tajua, että ”Spanish Bombs” on muutakin kuin pelkkä iskelmä. Eiväthän sekä Joe Strummer että Mick Jones ole varsinaisesti tunnettuja artikulaatiostaan. Kun tähän lisätään vielä vahva essexiläinen aksentti kautta linjan, on ongelmia enemmän kuin hienossa Berkeley Huntissa Brixtonissa, kaveri!
Mutta se on vielä pahempaa. Monet ”Spanish Bombs” -kappaleen sanoituksista ovat, ei yllättäen, espanjaksi. Ja kuten muissakin Clashin kappaleissa, joissa on espanjankielisiä sanoituksia, sanat ja fraasit on teurastettu tunnistamattomiksi. Mutta joka tapauksessa tämä kepeä ja kaunis balladi vuoden 1980 mestariteoksesta London Calling kertoo julmasta ja verisestä Espanjan sisällissodasta, joka käytiin 1930-luvun lopulla. Sota käytiin fasistien ja vallankumouksellisten välillä, jotka eivät olleet aivan parhaita ystäviä. Joka tapauksessa kappale alkaa maininnoilla ”luodinreikiä hautausmaan seinissä” ja ”Fredrico Lorca on kuollut ja poissa”. Sitten kertosäe potkaisee käyntiin sen, mitä Clash pitää ”espanjalaisena”:
Spanish Bombs, yo te quiero infinito.
Yo te quiero, oh my corazon
Clash käänsi usein muille kielille yksinkertaisesti etsimällä kunkin englanninkielisen sanan vastineen ja sitten yksinkertaisesti siirtämällä lauseen sen englanninkielisellä rakenteella. He olivat punkrokkareita, eivät kielitieteen pääaineopiskelijoita! Mutta sanoitukset, joita he tavoittelivat espanjaksi, eivät todellakaan sovi hyvin yhteen musiikin popahtavan englantilaisen pubitunnelman kanssa.
I will love you forever, oh my heart

Nyt tämä on surullista, koska, kuten näemme seuraavassa säkeistössä: ”Espanjalaiset pommit pirstovat hotellin, senorittani ruusu tukahdutettiin nupussaan”. Laulu kertoo kapinallistaistelijasta, joka valittaa espanjalaisia pommeja, jotka tappoivat hänen ainoan ja oikean rakkautensa hotellissa. Kappaletta voisi pitää bändin Hemingway-hetkenä: Kaunis mutta sydäntä särkevä yhdistelmä rakkautta ja sotaa; empatiaa ja verilöylyä; romantiikkaa ja vastenmielisyyttä.

”Supalonely” – Benee
2019

Ensimmäisellä silmäyksellä Uudessa-Seelannissa syntyneellä laulajalla Beneellä ei ole paljoakaan yhteistä 90-luvun alt-rock-ikoni Beckin kanssa. Toki heillä on yhteiset B-alkuiset mononyymit, mutta – mikä merkittävämpää – he molemmat ovat luusereita. Beck nousi listoille vuonna 1993 kappaleella ”Loser”, jossa hän julisti: ”I’m a loser baby, so why don’t you kill me”. Lähes kolme vuosikymmentä myöhemmin Benee ampuu itsensä alas kappaleessa ”Supalonely”, jossa hän kutsuu itseään luuseriksi, kun hänen klubilla asuva poikaystävänsä (jonka äänenä on vieraileva laulaja Gus Dapperton) jättää hänet. Erona on se, että kukaan ei tanssi Beckin sittarilla pyöritellyn stoner-hymnin tahtiin, kun taas Beneen petollisen aurinkoinen kappale synnytti vuonna 2020 TikTokissa virallisen tanssivillityksen. Kun tuulinen rytmi jatkuu, hän laulaa:
I know I f–ked up, I’m just a loser
Shouldn’t be with ya, guess I’m a quitter
While you’re out there drinkin’, I’m just here thinkin’
’Bout where I should’ve been
I’ve been lonely, mm, ah, yeah
Benee todella tunsi kaikki tunteet eron jälkeen, mutta sanoitukset eivät ole niin masentavia kuin miltä ne näyttävät. Hän ei yrittänyt päästä yli miehestä, hän sanoo, vaan yritti päästä yli itsestään kirjoittamalla itseironisen laulun sydänsuruista. Pirteä tuotanto ei petä melankolisia sanoituksia, vaan toimii muistutuksena siitä, ettei niitä kannata ottaa niin vakavasti.
”Joskus kun olet surullinen, olet vain niin kuin, ugh, get over it!”, hän kertoi I.D:lle. ”Luulen, että kun kuuntelen sellaista musiikkia kuin ’Supalonely’, jossa tehdään pilaa surullisuuden tunteesta, se saa minut tavallaan tuntemaan oloni hyvältä hyvin oudolla tavalla.”

”LDN” – Lily Allen
2006

Vau, taas yksi brittiläinen listalla, ja vieläpä essexiläinen! Ehkä se johtuu Lontoon jatkuvasti synkästä ja ankeasta säästä, joka saa melankolian ja pettymyksen tihkumaan miellyttävimmiltäkin kuulostaviinkin numeroihin. ”LDN” on juuri tällainen numero, joka perustuu (kuten arvata saattaa) Lontooseen, jossa Allen vietti suuren osan nuoruudestaan. Ihana, huumaava reggae-biitti virtaa kauniisti lumoavan melodian kanssa, ja aluksi näyttää siltä, että neiti Allen on kirjoittanut rakastavan oodin vanhoille asuinsijoilleen. Vasta kun analysoimme, mitä hän sanoo, huomaamme, että hän itse asiassa vakuuttaa varsin jyrkästi lampunvarjostinripustuskykyään:

Kaikki näyttää siltä, miltä pitääkin
mutta ihmettelen, mitä ovien takana tapahtuu.
Mies näyttää tyylikkäältä ja istuu lutkan kanssa
Kuitenkin näen, että kyseessä on sutenööri ja hänen huoransa
Vaikka on mahdollista, että sutenöörillä ja hänen huorallaan saattaa olla terve, molempia osapuolia hyödyttävä suhde, Allen jatkaa kuvaamalla jonkun isoäidin raa’asti pahoinpidellyksi tulemista:
Se oli eräs pikkuinen vanha rouva, joka käveli tietä pitkin,
Hän kamppaili Tescosta tulleiden laukkujen kanssa.
Se oli ihmisiä kaupungista syömässä lounasta puistossa
Se on kai nimeltään al fresco
Kun eräs poika tuli tarjoamaan apuaan
Mutta ennen kuin hän ehti ottaa sen vastaan,
hakkaa häntä päähän, ei välitä, vaikka nainen olisi kuollut
, koska hänellä on kaikki hänen korunsa ja lompakkonsa
Surullista kyllä, meille ei kerrota, mitä vanhalle rouvalle tapahtui, ja jäämme ihmettelemään, miksei Lily itse yrittänyt kutsua apua. Ehkä tämä on toinen Lontoon hämäräperäinen puoli, jota Allen haluaa korostaa: Löysät langat. Kertosäe on yhtä tarttuva kuin muukin kappale ja yhtä synkkä, kun Allen laulaa: ”When you look with your eyes, everything seems nice. Mutta jos katsot kahdesti, huomaat, että kaikki on valhetta.” Samaa voi sanoa itse kappaleesta ja sen aihepiiristä, mikä tekee Allenista, jos ei olekaan kotikaupunkiinsa filiaalisesti kiintynyt, niin varmasti pätevän asiantuntijan metaan menemisessä.

”The Ballad Of Charles Whitman” – Kinky Friedman
1973

Depressiivinen ei edes alkuunkaan kata tämän kappaleen sanoja. Kinky Friedman on aina tunnettu hieman vastakulttuurin hahmona; nykyään hän on suositumpi suorapuheisesta poliittisesta urastaan, mutta ei ole kovinkaan pitkä aika siitä, kun hän oli Texas Jewboys -yhtyeen laulaja ja aivopähkinä. Tämä mies ei selvästikään pelkää kertoa ihmisille, mitä hän ajattelee, eikä tämä ole koskaan käynyt selvemmin ilmi kuin silloin, kun hän julkaisi ”The Ballad of Charles Whitmanin”.
Whitman oli kuuluisa asemies, joka kiipesi Austinissa sijaitsevan Texasin yliopiston torniin ja ampui 16 ihmistä 2. elokuuta 1966. Se oli uskomattoman paha ja kauhistuttava tarina, josta tuli heti osa suurenmoista ja aavemaista myyttiä osavaltiosta, jossa kaikki on suurempaa, myös ampumavälikohtaukset. Kinky oli itse asiassa opiskelija yliopistossa, kun ammuskelu tapahtui, ja näin ollen hän oli muusikkona erityisasemassa ikuistamassa traagista tapahtumaa ja tuomassa päätöstä osavaltiotovereilleen.
Friedmanin valinta kunnianosoitukseksi oli kuitenkin valmistaa varpaita hipova honky tonk -kappale, jonka tahtiin oli mahdotonta olla tanssimatta. Ehkä empatia on ainoa asia Teksasissa, joka ei ole suurempi. Joka tapauksessa sanoitukset pysyivät varmasti tapahtumien tasalla:
He was sittin’ up there for more than an hour
Way up there on the Texas Tower
Shooting from the twenty-seventh floor
Pitäkää nyt mielessä, että näitä sanoituksia täydentää ihanan melodinen saluunapiano, niin ymmärrätte idean. Mutta kun edellä mainituissa kappaleissa oli masentavia sanoituksia, joiden oli tarkoitus olla masentavia, tämä kappale on täynnä masentavia sanoituksia, joiden on itse asiassa tarkoitus olla koomisia. Friedman jatkaa:
All the while he smiled so sweetly
then he blowed their minds completely
They’d never have seen an Eagle Scout so cruel
Whitman oli itse asiassa Eagle Scout, kun hän kasvoi, ja tämä johtaa meidät siihen, mikä on helposti yksi masentavimmista, epämiellyttävimmistä ja terävimmistä kommenteista missä tahansa musiikin muodossa:
Lääkärit repivät hänen aivoparkaansa hajalle
mutta sairauden häivääkään ei löytynyt.
Vähemmistö ei voinut käsittää, miksi hän teki sen
ja hyvä ei myöntänyt sitä: Partiopoikia on vielä paljon
Hieno tapa ikuistaa traaginen tapahtuma: Tehdään siitä pilaa ja muistutetaan sitten verilöylystä selvinneitä siitä, että tällaista voi tapahtua milloin tahansa, minä päivänä tahansa, kenelle tahansa ihmiselle. No niin, sanotaan, että komedia on tragedia plus aika.
~Landon McQuilkin ja Amanda Flinner
20. heinäkuuta 2011, päivitetty viimeksi 24. huhtikuuta 2020 Lisää laulunkirjoitusta

Articles

Vastaa

Sähköpostiosoitettasi ei julkaista.