Abonner

Stemmerne uller, når nye højder og straks derefter nye lavpunkter, glider og skutter sig mellem hver eneste tone i mellem, som om det at synge én tonehøjde nødvendigvis er at loop-the-loope gennem alle de andre i dens nærhed. Bælter samler en sådan volumen, at de nærmest tager håndgribelig form; at absorbere dem betyder, at der næsten ikke er plads til, at man selv kan få vejret. Så smelter de virtuose soloer væk og efterlader koret i en stille, men perfekt blandet gospelakkord, der dunker med det hinsides.

Og det er bare i åbningsnummeret.

“The Color Purple”, hvis Tony-vindende revival havde premiere onsdag den 2. maj i SHN’s Orpheum Theatre, handler om den menneskelige stemmes kraft, både musikalsk og mere generelt. Musicalen, der er adapteret efter Alice Walkers roman fra 1982, følger Celie (Adrianna Hicks), en sort kvinde i Jim Crow-tidens Georgia, for hvem rædsel er ualmindelig. Incest præger hendes barndom, indtil hendes far (J.D. Webster) sælger hende væk til Mister (Gavin Gregory), som ønsker at gifte sig med hendes søster Nettie (N’Jameh Camara), hvis han ikke kan gifte sig med sin rigtige elskede, den omrejsende entertainer Shug Avery (Carla R. Stewart). Alt imens slår mændene i Celies liv hende og håner hende med hendes grimhed – forhold, som Celie accepterer, som om de var videnskabelige kendsgerninger.

“The Color Purple” passer dårligt ind i #MeToo æraen. Med en bog af Marsha Norman og musik og tekster af Brenda Russell, Allee Willis og Stephen Bray, lader showet både publikum og skurke slippe for let. Vi opfordres til at fordømme vold i hjemmet og racisme og derefter lykønske os selv med at være så oplyste, og så får Celies hovedforbryder, hendes livslange plageånd, lov til at snige sig ind i hendes liv igen, efter at hun er sluppet fri af ham, alt sammen ved at gøre en enkelt god gerning. Musicalen antyder desuden, at hvis Celie bare havde indset, at hun var “for smuk til ord” hele tiden, ville hun måske have været i stand til at overvinde sin skæbne i livet tidligere. Det er en subtil form for offerbeskyldning. Selv om sangen overfladisk set forsøger at opløfte Celie, så er den et papir på de dybe samfundsmæssige strukturer, der holder hende nede.

Hicks’ Celie står i markant kontrast til Whoopi Goldbergs præstation i filmudgaven af historien fra 1985. Hvor Goldberg var stille og rolig, med øjnene altid nedadvendte og altid havde brug for, at en anden løftede hendes hage for hende, er Hicks snedig og finurlig, med et rat-a-tat udtryk og med så mange fysiske manerer, at det virker mærkeligt, at de andre karakterer ikke bemærker dem. Det er næsten lidt for let for denne Celie at gå fra offer til selvstændig iværksætter, og andre plottråde kan under John Doyles ledelse føles lige så vilkårlige. Især flimrer tiltrækningen mellem Celie og Shug til og fra, næsten som om den slet ikke har fundet sted.

Men gennem det hele gøres det menneskelige begær overdådigt absurd, især af Carrie Compere som Sofia og J. Daughtry som Harpo, elskende, der vrider sig i smerte ved tanken om at holde fingrene fra hinanden. Lysten inficerer hele ensemblet. I en af de oprørende scener bliver en række af stempelpar til cylindere i en motor, der sætter farten op og derefter køler af, kæk i ryggen og susende i deres hestekræfter.

Og så er der de herlige stemmer med overmenneskelige bølger af elendigt menneskelig smerte. Det er særligt forfriskende i Orpheum Theatre, hvis forestillinger ofte er for afhængige af for meget razzle-dazzle, at se disse sangere relativt usmykkede. Doyles scenografi består af lidt mere end nødlidende træpaneler og stole, som bliver til alt fra markarbejdernes redskaber til tømrerens arbejdsborde. I denne musical er stemmer alt, hvad man har brug for.

Lily Janiak er teaterkritiker i San Francisco Chronicle. E-mail: [email protected] Twitter: @LilyJaniak

For at se en trailer: https://bit.ly/2rfhQ6A