De allra flesta sorgliga låtar har musik som är lika (eller ibland mer) deprimerande än den text som hör till dem. Det finns inte många sorgsna låtar i moll som handlar om muffins, valpar, regnbågar och enhörningar. Men då och då kommer en låt med en fruktansvärt deprimerande text tillsammans med musik som inte passar ihop, vilket skapar en lyrisk dissonans som vi kanske inte upptäcker förrän vid den där enda lyssningen där allting kommer samman. Countrymusiken utmärker sig för denna trope genom att erbjuda catchiga och trevliga låtar som döljer de ofta mörka och störande texterna som finns i dem. Men som vi upptäckte, dyker denna musikaliska inkongruens upp i pop, rock och till och med punk också. Här är en titt på några låtar som låter glada men som i själva verket är otroligt deprimerande.
”Mamma Mia” – ABBA
1976
ABBA lärde Amerika en hel del om sig själv. Från sin ABBA-fästning i Stockholm på 1970-talet studerade gruppen det populärkulturella landskapet i USA och gjorde sedan musik som motsvarade de rådande trenderna för dagen, vilket på den tiden innebar disco. Liksom de flesta band som följde tidens trender och slog igenom stort, fick de rykte om sig att vara själlös bubbelgum-pop eller, åtminstone, fånig mainstream-stripp.
Och på många sätt förkroppsligade ABBA detta etos, men vid en djupare granskning hittar vi en del ganska knäppa saker i deras texter. Ta till exempel ”Mamma Mia”. När du handlar handväskor och hör den välbekanta reklamjingeln i högtalarna i butiken kanske du klappar på tårna trots dig själv. Men om du är uppmärksam kan du också höra detta:
Jag har varit förkrossad
Blå sedan den dag vi skildes åt
Varför, varför lät jag dig någonsin gå?
Inte direkt trevligt ämne, eller hur? Den smittsamt ihållande musiken i kombination med den deprimerande prosan får den att framstå som en Mentos-reklam skriven av Sylvia Plath. Men det blir värre:
Jag tror att du vet att du inte kommer att vara borta för länge
Du vet att jag inte är så stark
En enda blick och jag kan höra en klocka ringa
En enda blick till och jag glömmer allting
Trots den muntra leveransen från Agnetha och Anni-Frid kan de inte låta bli att erkänna att de har ett förhållande med en riktig kuf. Och hur de än försöker kan de inte tvinga sig själva att lämna honom för gott. Och precis som vi visste att fler Anthony Wiener-foton skulle dyka upp, fortsätter killen i låten att vara otrogen och tjejerna upprepar den onda cirkeln genom att ge honom en ny chans.
”I’ll Be Around” – The Spinners
1972
The Spinners kan betraktas som en tidig föregångare till senare grupper som Boyz II Men och New Edition. Kvintetten, som kommer från 1960-talets Detroit, var en av Motowns glansdagar. R&B, liksom Detroit självt, skulle aldrig få uppleva sådana härliga dagar igen. The Spinners överlevde dock Motown och upplevde sin största berömmelse i början av 70-talet, tack vare deras genombrottshit ”I’ll Be Around”. Det välbekanta slinky gitarrriffet och de sensuella trummorna är omedelbart igenkännbara, och sällsynt är den person som inte börjar känna sig lite bättre när denna romantiska ballad kommer på. Särskilt den mycket välkända refrängen:
Whenever you call me, I’ll be there
Whenever you want me, I’ll be there
Whenever you need me, I’ll be there
I’ll be around
En vacker sonett till en lycklig flicka och kanske en föregångare till Friends temasång. Men de minnesvärda hookarna och den rörande refrängen skymmer den mindre välkända texten på versen i denna till synes romantiska melodi:
Det här är vårt vägskäl
Kärlekens sista episod
Det finns ingenstans att ta vägen, åh nej
Du har gjort ditt val, nu är det upp till mig
Att buga elegant
Och du håller i nyckeln
Vad i helvete är det här? Det verkar som om denna sensuella ballad från en älskare till en annan egentligen är en desperat vädjan från en nyligen dumpad man, när han berättar för sitt livs kärlek att han fortfarande kommer att vänta på henne oavsett hur många solar som går upp och ner. Det är fortfarande romantiskt, men med en känsla av dödsdömd meningslöshet, vilket alltid lägger lite av en dämpare på romantik.
Det passar bra att texten skrevs av en kille som heter Phil Hurtt, som visar sig vara ganska optimistisk och trevlig. Han hade inte ont i hjärtat vid den tidpunkten – han är bara en bra låtskrivare. ”Det är vad en del av jobbet kräver att man gör”, sa han i en Songfacts-intervju. ”Jag var en tidig läsare, så jag läste många berättelser från tre års ålder.”
”What’s A Simple Man to Do?” – Steve Earle
2002
Steve Earle är inte främmande för att blanda catchy melodier med förtvivlan. Hans låt ”Johnny Come Lately” börjar som en tåspårig, patriotisk sång om hans farfar som fann kärleken i England under andra världskriget och sedan kom hem till stora fanfarer och jublande folkmassor. I den sista versen följer dock sångarens egen återkomst från Vietnam, men den här gången var det ingen som väntade på honom, ingen som hejade på hans roll i det impopulära kriget. Earle är alltså inte främmande för lyrisk dissonans.
”What’s a Simple Man to Do” tar dock diskrepansen mellan uppåtriktad musik och deprimerande texter ännu längre. Det finns på albumet Jerusalem (en stor stinkande ledtråd om det deprimerande innehållet i hela albumet) och det här catchiga numret innehåller elektriska orglar, harmonier och andra feelgood-instrument. Låten låter som något som Billy Joel skulle ha kommit på, och precis som Joel är trevliga melodier inte alltid ett tecken på trevliga ämnen. Om du lyssnar på texten kommer du att se att låten handlar om att bli arresterad i San Diego för att ha sålt ballonger fulla med heroin. Om du uppmärksammar början av låten vet du direkt att lycka och glädje inte ligger Earle varmt om hjärtat, trots vad musiken antyder:
Dear Graciella, I’m writing this letter, deep in the night and I’m all alone.
It’s almost breaking my heart to tell you, I’m so far away from home.
Sångaren berättar sedan historien om sitt försök att tjäna lite snabba pengar genom att sälja droger åt en man som han träffade i Tijuana. Tyvärr vet vi vad som verkligen hände. I den sista versen ber han Graciella att be sin mamma om ursäkt för honom. Han beklagar det faktum att han troligen kommer att dö i fängelse och aldrig få se sina nära och kära igen. Varje vers kompletteras av ett jäkla catchigt pianolopp. Poäng ytterligare en seger för Earle i hans ofta framgångsrika försök att få dig att knacka på tårna samtidigt som du torkar ögonen.
”Let’s Not S–t Ourselves (To Love and Be Loved)” – Bright Eyes
2002
Bright Eyes frontman Conor Oberst är en expert på plågori. Conor var ett underbarn som spelade in sitt första album när han var 13 år gammal och har sedan dess varit ett affischnamn för depression. Om du inte har hört Bright Eyes, föreställ dig Elliott Smith utan den glada och pigga andan och du är där. På sitt första kommersiella album med Bright Eyes sjöng Oberst en låt som heter ”Padriac my Prince” om sin fiktiva bror som drunknade i badkaret. Med andra ord är detta den typ av saker som Conor fantiserar om för att få honom att glömma sina verkliga problem. Mörkt, eller hur?
Men de flesta av Bright Eyes’ låtar är lämpligt nedstämda och deprimerande musikaliskt sett. Det är ”Let’s Not S–t Ourselves (To Love and Be Loved)” som sticker ut i mängden för sin extremt njutbara rytm, som spelas i bakgrunden av några av de mest deprimerande texter som någonsin har klottrats på papper.
Det enda som är längre än låtens titel är själva låten. Under tio minuter levererar Conor en rad kritik, jeremiader och bekännelser som sammanfattar hans åsikt om den värld vi lever i. Det är runt sex minuter som vi hör Conor berätta om ett möjligen sant självmordsförsök, även om vi känner till hans förkärlek för fiktionaliserat elände kan vi inte vara säkra. I vilket fall som helst berättar han:
Jag vaknade upp i lättnad mina lakan och slangar var alla trasslade
Svagt av whiskey och piller på ett sjukhus i Chicago.
Och min far var där, i en stol vid fönstret, stirrande så långt borta
Håll i minnet att medan detta pågår är bakgrunden fylld av en del rullande bra musik. Conor fortsätter sedan,
Jag försökte prata, viskade bara ”så ledsen, så självisk”
Han stoppade mig och sa ”barn, jag älskar dig oavsett.
Och inget du kan göra skulle någonsin ändra på detta, jag är inte arg, det händer.
Men du kan bara inte göra det igen
I samma låt sjunger Conor om mödrar som tar lån för att skicka sina barn till college tills ”hennes familj är reducerad till namn på en inköpslista”. Han refererar också till en rättsläkare som knäböjer under ett krucifix och vet att det finns värre saker än att vara ensam. Vi kan tänka oss en sak som är värre än att vara ensam:
”Spanish Bombs” – The Clash
1979
Vi kan förlåtas för att vi inte genast insåg att ”Spanish Bombs” är mer än bara en catchy dity. När allt kommer omkring är både Joe Strummer och Mick Jones inte precis kända för sin artikulation. Lägg därtill en stark Essex-accent över hela linjen och du har fler problem än en posh Berkeley Hunt i Brixton, kompis!
Men det är ännu värre än så. Många av texterna i ”Spanish Bombs” är på, inte överraskande, spanska. Och precis som i andra Clash-låtar med spansk text är orden och fraserna slaktade till oigenkännlighet. Men i vilket fall som helst handlar denna glada, vackra ballad från deras mästerverk London Calling från 1980 om det brutala och blodiga spanska inbördeskriget, som utkämpades i slutet av 1930-talet. Kriget stod mellan fascister och revolutionärer, inte precis de bästa vännerna. Låten inleds i alla fall med omnämnanden av ”kulhål i kyrkogårdsmurarna” och ”Fredrico Lorca är död och borta”. Sedan drar refrängen igång med vad Clash anser vara ”spanska”:
Spanish Bombs, yo te quiero infinito.
Yo te quiero, oh my corazon
The Clash översatte ofta till andra språk genom att helt enkelt slå upp varje engelskt ords motsvarighet och sedan helt enkelt transponera meningen med dess engelska struktur. De var punkrockare, inte lingvister! Men den text de ville ha på spanska passar definitivt inte ihop med musikens poppiga engelska pubkänsla.
Jag kommer att älska dig för evigt, åh mitt hjärta
Nu är detta sorgligt eftersom, som vi ser i nästa vers: ”Spanska bomber krossar hotellet, min senoritas ros blev knäckt i sin linda”. Låten handlar om en rebellkämpe som beklagar de spanska bomberna som dödade hans enda sanna kärlek på hotellet. Låten kan ses som bandets Hemingway-ögonblick: En vacker men hjärtskärande kombination av kärlek och krig, empati och blodbad, romantik och motvilja.
”Supalonely” – Benee
2019
Omedelbart har den nyzeeländska sångaren Benee inte mycket gemensamt med 90-talets alt-rockikon Beck. Visst, de delar B-frontade mononymer, men – mer betydelsefullt – de är båda förlorare. Beck slog igenom på listorna 1993 med ”Loser” och förklarade: ”I’m a loser baby, so why don’t you kill me”. Nästan tre decennier senare skjuter Benee ner sig själv på ”Supalonely” och kallar sig själv för en förlorare när hennes klubbboende pojkvän (med gästsångaren Gus Dapperton som röst) lämnar henne i sticket. Skillnaden är att ingen dansar till Becks sitar-svängda stoner-hymn, medan Benees falskt soliga låt gav upphov till en viral dansmani på TikTok år 2020. Medan det luftiga beatet fortsätter sjunger hon:
I know I f–ked up, I’m just a loser
Shouln’t be with ya, guess I’m a quitter
While you’re out there drinkin’, I’m just here thinkin’
’Bout where I should’ve been
I’ve been lonely, mm, ah, yeah
Benee kände verkligen alla känslor efter ett uppbrott, men texten är inte så deprimerande som den verkar. Hon försökte inte komma över killen, säger hon, utan försökte komma över sig själv genom att skriva en självdestruktiv låt om hjärtesorg. Den optimistiska produktionen förråder inte den melankoliska texten utan fungerar som en påminnelse om att inte ta den på så stort allvar.
”Ibland när man är ledsen är man bara som, ugh, kom över det!” säger hon till I.D. ”Jag tror att när jag lyssnar på musik som ’Supalonely’ där den gör narr av känslan av att vara ledsen, så får det mig att känna mig bra på ett väldigt konstigt sätt.”
”LDN” – Lily Allen
2006
Wow, ännu en britt på listan, och en från Essex dessutom! Kanske är det det ständigt dystra och trista vädret i London som gör att melankoli och besvikelse sipprar in även i de mest trevligt klingande numren. ”LDN” är just ett sådant nummer, baserat (som ni kanske har gissat) på London där Allen tillbringade en stor del av sin ungdomstid. Det härliga, berusande reggae-beatet flyter vackert med den förtrollande melodin och till en början verkar det som om Allen har skrivit en kärleksfull ode till sina gamla hemtrakter. Det är inte förrän vi analyserar vad hon säger som vi inser att hon faktiskt är ganska bestämd när det gäller att hävda sin förmåga att hänga lampskärmar:
Allt verkar se ut som det ska
men jag undrar vad som pågår bakom dörrarna.
En kille ser snygg ut och han sitter med en slapper
När jag ser att det är en hallick och hans crackwhore
Tyvärr är det möjligt att hallicken och hans crackwhore kan ha en hälsosam, ömsesidigt fördelaktig relation, men Allen fortsätter med att beskriva någons mormor som blir brutalt misshandlad:
Det var en liten gammal dam som gick nerför gatan
Hon slet sig fram med väskor från Tesco.
Det var folk från staden som åt lunch i parken
Jag tror att det kallas al fresco
När ett barn kom förbi och erbjöd en hand
men innan hon hann ta emot den,
skulle hon få ett slag i huvudet, bryr sig inte om hon är död
för han fick alla hennes smycken och plånbok
Syndigt nog får vi inte veta vad som hände med den gamla damen och får undra varför Lily själv inte försökte tillkalla hjälp. Kanske är detta ytterligare en skum aspekt av London som Allen vill belysa: Lösa trådar. Refrängen är lika catchy som resten av låten och lika mörk, när Allen sjunger: ”When you look with your eyes, everything seems nice. Men om du tittar två gånger kan du se att allt är lögner”. Samma sak kan sägas om själva låten och dess ämne, vilket gör Allen, om inte till en person med filialisk anknytning till sin hemstad, så definitivt till en kvalificerad expert på att gå i meta.
”The Ballad Of Charles Whitman” – Kinky Friedman
1973
Deprimerande är inte ens en början på texten i denna låt. Kinky Friedman har alltid varit känd som lite av en motkulturell figur; idag är han mer populär för sin frispråkiga politiska karriär men det fanns en tid för inte så länge sedan då han var sångaren och hjärnan bakom Texas Jewboys. Det är uppenbart att detta är en man som inte är rädd för att låta folk veta vad han tycker, och detta blev aldrig tydligare än när han släppte ”The Ballad of Charles Whitman”.
Whitman var den berömda revolvermannen som klättrade upp i tornet vid University of Texas i Austin och sköt ner 16 personer den 2 augusti 1966. Det var en otroligt ond och hemsk historia som genast blev en del av den storslagna och kusliga mytologin om delstaten där allt är större, inklusive skottlossningar. Kinky var faktiskt student vid universitetet när skjutningen inträffade och därmed hade han som musiker en speciell position att föreviga den tragiska händelsen och ge sina medmänniskor i staten ett avslut.
Friedmans val av hyllning var dock att skapa en tåhäftig honky tonk melodi som var omöjlig att inte dansa till. Kanske är empati det enda i Texas som inte är större. I vilket fall som helst var texterna sannerligen trogna händelserna:
Han satt där uppe i mer än en timme
Hög upp på Texas Tower
Sköt från tjugosjunde våningen
Håll i minnet att dessa texter kompletteras av ett underbart melodiöst saloonpiano och du får en uppfattning. Men medan ovanstående låtar hade deprimerande texter som var avsedda att vara deprimerande, är den här låten fylld av deprimerande texter som faktiskt är avsedda att vara komiska. Friedman fortsätter:
Alla medan han log så sött
så blåste han deras sinnen fullständigt
De hade aldrig sett en Eagle Scout så grym
Whitman var faktiskt Eagle Scout när han växte upp, och detta leder oss till vad som utan tvekan är en av de mest deprimerande, obehagligaste och skarpsinniga kommentarerna i någon form av musik:
Läkarna slet ner hans stackars hjärna
men inte ett spår av sjukdom kunde hittas.
De flesta kunde inte förstå varför han gjorde det
och de goda ville inte erkänna det: Det finns fortfarande många Eagle Scouts här
Vilket bra sätt att föreviga en tragisk händelse: Gör narr av den och påminn sedan de överlevande om att en sådan här sak kan hända när som helst, vilken dag som helst, med vilken person som helst. Jaha, de säger att komedi är tragedi plus tid.
~Landon McQuilkin och Amanda Flinner
20 juli 2011, senast uppdaterad 24 april 2020 Mer låtskrivande