Mediu străvechi de comunicare a mesajelor care reflectă tendințele sociale, dansul social este parteneriatul secular între bărbați și femei sau participarea între grupuri. Secularul și sacrul se combină în unele culturi, iar câteva religii interzic dansul. Înrădăcinat în principal în Europa, Africa și America Latină, dansul social în America este la fel de variat și de schimbător ca și grupurile sale culturale, de vârstă și geografice. Atitudinile față de corp și sexualitate în public influențează atitudinile față de dansul social, care a ajuns să includă dansuri mai sexy și cu ritm mai rapid.
Istoria timpurie
Noua Anglie, dominată de puritani în secolul al XVII-lea, avea legi împotriva dansului și îi pedepsea pe cei care le încălcau. Doar copiii aveau voie să se joace; etica protestantă susținea că un astfel de comportament era dușmanul muncii și o diversiune de la scopurile spirituale ale vieții. Dar majoritatea coloniștilor din America dansau. Ca mijloc de îmbunătățire a vieții sociale a unei persoane, maeștrii itineranți predau dansul cu eticheta aferentă. Dansul recreativ s-a impus în colonii până în momentul Revoluției Americane. Într-adevăr, George Washington și Thomas Jefferson au fost dansatori zeloși. Dansurile formale, cum ar fi menuetul, necesitau îndemânare, dar dansurile country erau pentru toată lumea. John Playford a adunat pentru prima dată dansurile country englezești într-o carte în 1651 și a publicat ediții ulterioare ale manualelor de dans până în 1728. Dansurile sociale au avut loc la târguri județene, jamboree, rulări de bușteni, albine de decorticat și de matlasat, ridicări de hambare, case, centre comunitare, facilități religioase, piețe ale orașului, adunări formale, cotilioane, săli de dans, săli de pompieri, hoteluri, cluburi de noapte și stadioane.
Scop și creștere
Dansul marchează adesea etape cruciale ale ciclului vieții, în special petrecerile „sweet sixteen” și nunțile. Încurajând veselia și alungând tristețea, dansul face, de asemenea, să se manifeste o stare de sănătate bună, oferă exerciții fizice sănătoase și ajută la păstrarea tinereții. O evadare din realitățile mondene ale lumii cotidiene, dansul oferă adesea o stare de conștiință liberă și alterată. Dansul esteun loc de exprimare de sine, precum și o modalitate de a încerca diferite roluri și fantezii.
O formă acceptabilă de contact corporal cu o altă persoană, precum și o formă acceptabilă de schimbare de cuplu, dansul este o modalitate prin care oamenii se întâlnesc și se curtează. Fiecare generație se diferențiază prin propriile mișcări (adesea versiuni reciclate ale dansurilor anterioare), împreună cu decorul social, codurile vestimentare și muzica. Unele dansuri clasice, cum ar fi valsul, rumba și tango, persistă de-a lungul generațiilor și apar, de asemenea, mode retro.
Repertoriul vast de dansuri populare, dansuri ale diferitelor națiuni, dansuri de linie, de grup, de cerc, de cuplu, de trei, de patru și de cinci, asigură interacțiunea față în față într-o societate din ce în ce mai mecanizată și computerizată. Dansatorii vorbesc despre umanitatea dansului contra, despre eticheta contactului vizual, despre oportunitatea prin intermediul rețelei de dansuri populare de a găsi dansuri în diferite orașe din America și despre unicitatea dansului ca activitate socială, în care atingi oamenii în aceeași seară în care îi întâlnești.
Dansul social este esențial pentru modul în care mulți oameni își celebrează moștenirea și mențin un sentiment de comunitate. De origine anonimă, transmise prin imaginea ochiului, dansurile naționale, etnice și folclorice pot alina nostalgia pentru epoci trecute. Powwow-ul pan-nativ american are elemente religioase, sociale și competitive pentru a celebra moștenirea indiană. Dansul poate fi o ancoră sau un balast într-o mare de incertitudine pentru imigranți, precum și pentru tinerii din cartierele sărace și pentru studenții de la facultate. Unele dansuri tradiționale sunt transformate în noi dansuri la modă – bhangra, din Punjabi, India, de exemplu, este popular printre asiaticii de sud.
Desigur, așa-numitul „melting pot” american a dezvoltat noi forme, cum ar fi Juba, ring shout, cakewalk și dansul de step din colțurile străzii, cu rădăcini în jig irlandez, clog, ritmuri africane, improvizație și fluiditate corporală. Dansul pătrat a apărut din spiritul dansului country și din eleganța balului.
Coincident cu erodarea puterii monarhice europene, valsul a apărut în Germania și Austria în 1830 pentru a revoluționa dansul social occidental; pentru prima dată, bărbații și femeile dansau în contact fizic apropiat și senzual. Dar pentru că necesita un control riguros și o îndemânare agilă, valsul a fost înlocuit de polcă, spieling (rotirea sălbatică) și two-step, iar apoi, în secolul al XX-lea, de dansuri mai naturale și mai „dure”, cunoscute sub numele de rag and animal dances (dansuri de cârpe și de animale), care își au rădăcinile în limbajul vernacular al negrilor (derivate din dansurile a numeroase grupuri africane). Pozițiile de dans s-au schimbat, de la mâna femeii pe umărul bărbatului, a lui pe talia ei și celelalte mâini încleștate, la parteneri care se agață unul de gâtul și umerii celuilalt și dansează obraz lângă obraz. La graniță, dansul era zgomotos și viguros. Violoniștii și chemătorii le spuneau dansatorilor ce să facă, iar chemarea a devenit parte integrantă a dansului pătrat.
Secolul XX
Din anii 1890 până în anii 1930, au venit imigranți din sudul și estul Europei. Lucrând într-o cultură a tăcerii din fabrică, expresia lor de sine a explodat în „nebunia dansului”. Dansul în stil mai liber a reflectat independența crescândă a femeilor în societate. Între 1880 și 1920, înființarea saloanelor de dans a comercializat timpul liber. Subminând chaperonajul din lumea veche, saloanele de dans au atras tineri bărbați și femei care au găsit o autonomie fără precedent și propriile norme. Femeile au refuzat cu autoritate anumiți bărbați pentru dansuri, au refuzat invitațiile de a ieși în oraș și au sfidat ideile părinților conform cărora compania ducea inexorabil la angajament și încercările de a aranja căsătorii. De naționalități și clase sociale diferite, dar egale din punct de vedere al experienței de dans, dansatorii se adunau în sălile de dans și în palate. Până în 1910, marele New York avea peste 500 de saloane de dans, unele atașate la saloane și asociate cu băutura și imoralitatea.
În timpul perioadei ragtime (1890-1917), America a devenit cunoscută ca țara celor o mie de dansuri, inclusiv fox trot, turkey trot, bunny hug, duck waddle, camel walk, kangaroo hop, grizzly bear, monkey glide, chicken scratch, kangaroo dip, bull frog hop, buzz și Texas Tommy. De asemenea, erau populare dansurile cu instrucțiuni, cum ar fi ballin’ the jack și tangoul furtunos al Argentinei. Apariția în 1912 a ceaiurilor de tango de după-amiază a atras femei fără escortă să danseze cu parteneri bărbați angajați de proprietarii de cafenele.
Contribuția substanțială a negrilor la dansul american nu a fost întotdeauna cunoscută sau recunoscută. Negrii au creat dansuri sociale care au fost mai târziu cooptate, „igienizate”, făcute mai puțin sexy și stilizate de către albi. Începând cu 1916, o migrație în masă a negrilor din Sud spre Harlem a dus la noi dansuri care au condus America anilor 1920. Element al identității culturale, dansul negru a codificat mesaje precum ierarhia, incluziunea-excluderea și schimburile dincolo de granițele sociale. Exprimarea ascunsă a provocărilor politice a avut loc prin încălcarea simbolică a regulilor stilistice în dans. Așadar, libertatea artistică pentru afro-americani în timpul Renașterii Harlem a fost un drept civil cu semnificație istorică.
Câțiva albi au considerat imoral vocabularul dansului negru format din legănarea șoldurilor, rotații și împingeri ale bazinului (cunoscut sub numele de Congo grind), ondulații ale trunchiului și mișcări ale umerilor. Cu toate acestea, alți albi frecventau cluburile de noapte din Harlem, încântați să ia parte la un sentiment de sexualitate ilicită. Până când albii adoptaseră dansurile negrilor ca fiind ale lor, negrii trecuseră la inventarea sau reinventarea de noi dansuri.
Shimmy, big apple, black bottom și Charlestonul cochet, cu membrele aruncate și lovite, au câștigat popularitate în anii 1920. Apoi, într-o zi, la un concurs de dans Savoy Ballroom, campionul din toate timpurile, George „Shorty” Snowden, a făcut o evadare, aruncându-și partenerul în zbor aerian și improvizând câțiva pași solo ai săi pe un număr de opt timpi; el a numit pasul „Lindy”, după Charles Lindberg, care a făcut primul zbor transatlantic cu avionul în 1927. Aceste dansuri noi au devenit parte din epoca jitterbug-ului și a big band-ului de swing din anii 1930 și 1940.
Între 1920 și 1940, dansul taxi (patronii de sex masculin plătind dansatoarelor o taxă pentru un dans) a atras în principal imigranți. În 1930, New York City avea treizeci și șapte de palate dime-a-dance, între 35.000 și 50.000 de clienți bărbați pe săptămână și între 2.500 și 3.000 de dansatoare angajate. Dansatoarele de taxi din cartierele latino s-au adresat în principal imigranților mexicani fără acte de la sfârșitul anilor 1970.
Începând cu nebunia dansului din anii 1920, maratoanele de distracție au simbolizat supraviețuirea în timpul Depresiunii. Concursurile de rezistență, dansul neîntrerupt pentru a stabili recorduri reprezentau o evadare din locuințele aglomerate, din corvoada din fabrici, din patriarhat și din sărăcie. Tinerii șomeri sufereau pentru visul unui premiu în bani. Alma Cummings a dansat non-stop timp de douăzeci și șapte de ore în New York City, valsând și jitterbugging cu șase parteneri.
Anii 1930 și 1940 au fost prima epocă de aur a dansurilor latino-americane, cum ar fi rumba danzon, cha-cha și mambo din Cuba, bolero din Puerto Rico, pasadoble din Mexic, samba din Brazilia și merengue din Haiti. Dansurile în linie afro-americane, cum ar fi Madison, originar din Baltimore, au avut succes la sfârșitul anilor 1950. A apărut shuffle, câțiva pași de dans pe terenul de fotbal executați de un jucător care a reușit un eseu.
Accesibilitatea la televizor a făcut ca noile dansuri să fie rapid accesibile la nivel național. Dansatorii puteau urmări programe precum American Bandstand (1956, care ajungea zilnic la aproximativ 20 de milioane de persoane), Soul Train (1971) și Solid Gold (1979). În 1981, Music Television (MTV), care difuza videoclipuri muzicale douăzeci și patru de ore pe zi, a intrat în scenă. Apoi, internetul a început să ofere informații despre dans pe site-uri precum http://www.salsaeb.com.
Twistul anilor 1960 (sub talie) a smuls deoparte dansul în cuplu într-o eră a rock ‘n’ roll-ului. Mișcările de șold răsucite și dansul fără atingere au rămas în pantomimele jerk, frug, skate, pony, swim monkey, mashed potato și hully gully. Hipioții psihedelici s-au angajat în exprimare liberă și autoabsorbție de transă pe ringul de dans.
Discotecile cu disc jockey care cântau discuri de vinil prin intermediul unor sisteme de sunet mari au început în Europa, un produs al austerității celui de-al Doilea Război Mondial, și au apărut în America la începutul anilor 1970 în spații underground ocazionale. Comunitățile homosexuale, afro-americane, hispanice, hispanice și ale clasei muncitoare din marile centre urbane s-au alăturat „oamenilor frumoși”, de exemplu, la Studio 54 și Xenon din New York City. Un amestec nepământean de lumini stroboscopice orbitoare și imagini proiectate pe pereți a creat terenuri de joacă dionisiace.
Dansul tactil al cuplurilor închise a revenit în anii 1970 odată cu muzica salsa și agitația, născută în New York City printre muncitorii portoricani cu guler albastru.
„Breaking”, care prezintă mișcări de dans acrobatice și de gimnastică competitive, uneori riscante, cu inventivitate artistică, pirotehnice și acrobatice, a început în anii 1970 în Bronx, New York, în rândul tinerilor afro-americani și latino-americani de sex masculin, ca o alternativă la violența bandelor din centrul orașului și ca o modalitate de a fi numărul unu fără a „arunca pe cineva în aer”. Anii 1980 au fost martorii erupției dansatorilor de break dance hip-hop solo sau în grup, care se învârteau pe umeri, pe fese sau pe spate, înghețau în forme de covrig și făceau popping (mișcări corporale segmentate care se unduiesc prin corp) pe trotuare și în parcuri. Stilul hip-hop a depășit granițele rasiale și etnice și s-a răspândit în rândul tinerilor din America.
În această perioadă, în New York City, tineri punk albi în cizme de luptă, blugi rupți și coliere și brățări de câine cu elemente metalice, dansau slam pe muzică agresivă și dură. Ei s-au ciocnit unii de alții în „mosh pit” din fața scenei. La concertele rock din anii 1980 și 1990, a început mișcarea grunge, cu grupuri de bărbați care se înconjoară și se atacă reciproc, lovindu-se și călcând în picioare trecători nevinovați. Mii de corpuri îmbrăcate sumar, cu piercinguri și tatuaje au participat la body surfing (călărind umerii mulțimii, mână peste mână, până când plonjează, cad sau sunt propulsate pe scenă și reciclate înapoi în dansatorii din arenă de către plasatori).
Reggae jamaican, apărut pentru prima dată în anii 1970, a infuzat dansul hip-hop și a influențat stilul gogo din Washington, D.C.. „Înfășurarea” (rotația pelviană) din reggae a fost, de asemenea, comună în dansul cubanez. În următorii douăzeci de ani, dansatorii au popularizat fluturele, bogoloo și skettle.
Un val de dansuri de cuplu country-western, numite „shit-kickers”, în Texas, a avut loc în anii 1980. Dansurile Tucson swing, two-step și line dance pentru cupluri au apărut în baruri și honky-tonks. Filmele „Dirty Dancing”, „Saturday Night Fever” și „Flashdance” au influențat dansurile sociale.
În anii 1990, voguing (un dans care încorporează poziții de modeling) a fost comun printre homosexuali. O renaștere a dansului swing (un termen generic pentru Lindy, hand-dancing, Chicago steppin’, Philly bop, North Carolina shag și Detroit hustle) din invenția anilor 1920-1940 a devenit populară până în secolul al XXI-lea. A existat, de asemenea, freestyle funk, reggae, house, club și rap dance. Desfășurate în locuri diferite, dansurile rave s-au dezvoltat ca parte a unei culturi subterane. Atracția consta în experimentarea unor stări modificate de conștiință prin dansul în masă toată noaptea pe un ritm muzical repetitiv și palpitant și un spectacol de lumini hipnotic. Dansul în linie cunoscut sub numele de „electric slide” a înlocuit „electric boogie”. Mexicanii dansau banda cu quebradita, o mică pauză în care bărbatul își încalecă partenera și îi sprijină spatele paralel cu solul.
În această perioadă, parteneriatul bărbat-femeie includea noi configurații în stilul liber al adolescenților și tinerilor adulți, inclusiv da butt, freaking, booty dancing, „doggy dancing”, „front piggy-backing” și „dirty dancing”. Partenerii își îngemănau coapsele, atingeau și roteau pelvisul și înclinau partea superioară a torsului unul față de celălalt. Într-un alt model, femelele apăsând cu spatele și fesele, sau aplecându-se cu mâinile pe podea, au apăsat și s-au sprijinit de partea din față a corpului partenerilor lor masculini. Unele femei își ridicau fustele, expunând lenjeria intimă de tip tanga.
Dansul latin (rumba, samba, cha-cha, mambo, pachanga, merengue, bolero, paso doble, cumbia, bachata) a înflorit odată cu imigrația din America Centrală și de Sud. Corpurile strânse în față și în spate, cu picioarele împletite, ale lambadei braziliene din 1989 au avut o viață scurtă și au fost interzise ulterior de Brazilia. Dansul în linie macarena din Spania a avut succes la sfârșitul anului 1993. A urmat Ketsup. Influența latino-americană s-a intensificat cu dansul salsa, o reciclare a mambo și merengue din anii 1950. Salsa fierbinte văzută în cluburi și la televiziune este similară cu freaking.
Spectacolele muzicale au încurajat spectatorii să danseze pe culoar. Astfel de spectacole au inclus Gypsy Kings, Salif Keita, „Hairspray” și „Harlem Song.”
De-a lungul secolului al XX-lea, oamenii au dansat valsuri, fox trot și versiuni îmblânzite ale multor dansuri mai puțin conservatoare la ocazii formale, în mici saloane de cocktailuri și în centrele de bătrâni. Oamenii au tendința de a continua să danseze dansurile tinereții lor.
În concluzie, dansul social este o formă nonverbală de comunicare despre sine, moștenire și relații interpersonale care angajează mintea, corpul și sentimentele. Persistența dansului social de-a lungul istoriei, precum și încercările religioase, civile și politice de a-l controla, atestă puterea sa în viața umană.
Vezi, de asemenea: African American Leisure Lifestyles, Clase de dans, Săli de dans, Latinos Leisure Lifestyles, Raves/Raving, Square Dancing, Teenage Leisure Lifestyles
BIBLIOGRAFIE
Aldrich, Elizabeth. From the Ballroom to Hell: Grace and Folly in Nineteenth-Century Dance (Grație și nebunie în dansul din secolul al XIX-lea). Evanston, Ill.: Northwestern University Press, 1991.
Blake, Dick. Discotheque Dance. New York: World Publishing, 1965.
Cressey, Paul G. The Taxi-Dance Hall: A Sociological Study of Commercialized Recreation and City Life. Chicago: University of Chicago Press, 1932.
DeGarmo, William B. The Dance of Society. New York: W. A. Pond and Company, 1875.
Erenberg, Lewis A. Steppin’ Out. Chicago: University of Chicago Press, 1981.
Hanna, Judith Lynne. Dansul și stresul Rezistența, reducerea și euforia. New York: AMS Press, 1988.
–. „Moving Messages: Identitate și dorință în dans”. În Popular Music and Communication. Ediția a 2-a. Editat de James Lull. Newbury Park, California: Sage Publications, 1992.
Hazzard-Donald, Katrina. Jookin’: The Rise of Social Dance Formations in African American Culture. Philadelphia: Temple University Press, 1990.
Lustgarten, Karen. Ghidul complet al dansului disco. New York: Warner Books, 1978.
McBee, Randy D. Dance Hall Days: Intimacy and Leisure Among Working-Class Immigrants in the United States (Zilele sălii de dans: intimitate și timp liber printre imigranții din clasa muncitoare din Statele Unite). New York: New York University Press, 2000.
Malnig, Julie, și Barbara Cohen-Stratyner, eds. „The Social and Popular Dance Issue”. Dance Research Journal 33, nr. 2 (2001).
Martin, Carol. Dance Marathons: Performing American Culture of the 1920s and 1930s. Jackson: University Press of Mississippi, 1994.
Nevell, Richard. A Time to Dance: American Country Dancing from Hornpipes to Hot Hash. New York: St. Martin’s Press, 1977.
Peis, Kathy. Amuzamente ieftine. Working Women and Leisure in Turn-of-the-Century New York. Philadelphia: Temple University Press, 1986.
Ragland, Cathy. „Mexican Deejays and the Transnational Space of Youth Dances in New York and New Jersey”. Ethnomusicology 47, nr. 3 (2003): 338-354.
Stearns, Marshall, și Jean Stearns. Jazz Dance: The Story of American Vernacular Dance. New York: Macmillan Publishers, 1968.
Vermey, Ruud. Latin: Thinking, Sensing and Doing on Latin American Dancing. München: Kastell Verlag, 1994.
Judith Lynne Hanna
.