Unde se îndrepta jazz-ul în anii ’70?
Unde se îndrepta jazz-ul în anii ’70? Muzica s-a extins din punct de vedere textual și tehnologic pe măsură ce s-a îndepărtat de continuitățile ritmice swing, și bebop. O mare parte a muzicii s-a eliberat de formele tradiționale de 12, 16, 32 de măsuri și de cântece A-A-B-A din cele două decenii anterioare. Compozițiile complexe au devenit norma, îmbinând secțiuni scrise cu precizie cu improvizația, înrădăcinate în structuri găsite în muzica clasică și în muzica din întreaga lume. Progresele tehnologice au permis ca instrumentația să se schimbe drastic și au deschis inovații exploatate până în ziua de azi.
Instrumentație
Până la începutul anilor 1970, progresele în tehnologie și amplificare au permis muzicienilor de jazz să își extindă domeniul de aplicare al sunetului și al interpretării. Primul progres discutat va fi basul direct. Cei care sunt familiarizați cu Ron Carter, Eddie Gomez, Stanley Clarke sau Niels Pedersen pe o înregistrare din anii ’70 cunosc acest sunet, care este mult ironizat. Bass direct a permis basiștilor acustici să își conecteze basul direct la placa de mixaj sau la sistemele de amplificare, reducând vibrațiile. Efectul secundar pe care acest lucru îl crea era că, în loc de tonul de lemn al basului, se auzea mult mai mult placa de degete. Prin urmare, solo-urile de bas aveau o sonoritate asemănătoare cu cea a chitarei, ca în cazul lui Gomez, Pedersen și Clarke. Toboșari precum Billy Cobham și Tony Williams au folosit seturi de tobe mai mari, la nivelul toboșarilor rock, iar pianul electric Fender Rhodes, o tehnologie care datează din anii ’40, dar care a fost dezvăluit în varianta sa completă în 1965, a devenit toporul preferat de Herbie Hancock, Chick Corea și Joe Zawinul, printre alții. Sintetizatoarele analogice de la Moog, Arp și Oberheim se aflau la început, iar jucătorii și programatorii s-au grăbit să descopere potențialul sonor al noii tehnologii. Chitarele și basurile electrice au completat sunetul pentru a se potrivi cu cel al grupurilor rock.
Copiii lui Miles Davis
Avansările din anii ’70 au fost toate începute de muzicieni care au cântat în trupele lui Miles Davis. Muzica a găsit căi diferite față de ceea ce s-a auzit pe In A Silent Way și Bitches Brew. Tony Williams a fost primul, cu grupul său Lifetime în 1969, în crearea jazz-rockului, dar prin 1970-72 influența rock în interpretarea lui Williams a crescut masiv. Grupul Mwandishi al lui Herbie Hancock s-a axat pe o abordare mai ambientală, de avangardă, angajându-l pe Hancock la Fender Rhodes și efecte Bennie Maupin la clarinet bas și saxofoane, Eddie Henderson la trompetă și flugelhorn, Julian Priester la tromboane, Buster Williams la bas și Billy Hart la tobe. Grupul a înregistrat Mwandishi (Warner Bros 1971) Crossings (Warner Bros. 1972) și Sextant (Columbia, 1972), toate mari pe texturi multicolore, și vampiri cu măsurători ciudate, (15/8 din „Ostinato For Angela”, și 19/8 din „Hidden Shadows”). Ultimele două albume l-au adăugat pe Dr. Patrick Gleeson la sintetizatorul Moog, ale cărui texturi atmosferice și stranii au adus mult la această muzică. Prin Sextant, Hancock a adăugat clavinetul Hohner D-6 și sintetizatorul Arp și, deși albumul nu a fost la fel de ieșit din comun ca „Crossings”, a fost un final demn al trilogiei. „Rain Dance” a influențat o generație de producători de muzică electronică prin deschiderea sa secvențială. Din păcate, Mwandishi nu a fost sustenabil din punct de vedere economic. Inspirat de James Brown și Sly And The Family Stone, Hancock l-a adus pe Maupin de la trupa anterioară, l-a adus pe Paul Jackson la bas și pe Harvey Mason la tobe și a format Headhunters. Debutul lor autointitulat a generat hituri masive: „Chameleon” și un „Watermelon Man” retușat, cu ritmuri puternic funky, Rhodes lichid și clape puternice. Mai târziu, în deceniul următor, Hancock a adăugat vocoderul în arsenalul său, trecând pe tărâmurile R&B și disco, înstrăinându-i pe puriștii jazz-ului care nu-l mai considerau un muzician de jazz. Hancock a înregistrat proiecte acustice, dar în principal pentru CBS/Sony, divizia japoneză a Columbia, majoritatea celor 8 albume primind debutul în SUA în The Complete Columbia Album Collection 1972-1988 (Columbia/Legacy, 2013).
Chick Corea avea să treacă de la avangarda care a marcat albumele sale de la mijlocul anilor ’60 la ceva diferit cu Return To Forever (ECM, 1971). Fender Rhodes a fost un catalizator pentru un nou sunet al pianistului, un amestec plutitor, vesel, cu înclinații braziliene, cu o distribuție formată din Flora Purim la voce, Joe Farrell la anci, Stanley Clarke la bas și Airto Moreira la tobe. Această formație avea să înregistreze Light As A Feather (Polydor, 1972) cu clasicul „Spain”, înainte de o schimbare semnificativă a formației, Farrell, Purim și Moreira plecând, Bill Connors alăturându-se la chitară împreună cu Lenny White la tobe. Accentul s-a schimbat drastic într-o direcție mai rock pentru Hymn Of The Seventh Galaxy (Polydor, 1973), cu un joc virtuoz și forme de cântec mai apropiate de scrierea clasică, departe de formele de cântec de 16 și 32 de măsuri din deceniul anterior. Versiunea „clasică” a RTF avea să se cimenteze cu Al DiMeola înlocuindu-l pe Connors și lansând Where Have I Known You Before? (Polydor, 1974) și Romantic Warrior (Columbia, 1976), definitoriu pentru trupă, ale cărui construcții compoziționale au dus lucrurile la un alt nivel, asemănător cu rockul progresiv. Într-adevăr, atracția crossover pe care albumul a generat-o a fost masivă. RTF avea să se desființeze după alte două albume cu o formație extinsă, iar Corea avea să înregistreze unele dintre cele mai mari succese ale sale ca artist solo, cum ar fi The Leprechaun (Polydor, 1977). Ediția Dimeola/Clarke/White a trupei RTF se va reuni pentru un turneu mondial major în 2008, producând un dublu album live și un videoclip de concert al apariției lor din 2008 de la Montreux Jazz Festival, care arată profunzimea și majoritatea materialului după mai bine de 30 de ani. Corea ar face un turneu acustic cu trio-ul de bază și ar forma o nouă versiune a piesei Return to Forever cu tovarășul său de la Elektric Band, Frank Gambale la chitară și o altă icoană a jazz-rock-ului, violonistul Jean Luc Ponty.
Mahavishnu și Weather Report
John McLaughlin’s Mahavishnu Orchestra cu violonistul Jerry Goodman, basistul Rick Laird și bateristul Billy Cobham ar face o declarație uriașă cu Birds Of Fire (Columbia, 1973). McLaughin nu numai că a prezentat unisonuri amețitoare care aminteau de muzica clasică indiană, dar a folosit în mod uimitor și metrii ciudați. Aici Cobham a început să experimenteze cu un kit mult mai mare, cu o serie de țambale și o tobă dublă de bas, în vogă pentru prima dată în epoca swing cu Louis Bellson. Compoziții clasice precum „Birds of Fire” îmbinau un timp neobișnuit de 18/8 cu grupări de chitară de 5+5+5+5+3, tobe de 6+6+6+6+6 și vioară în grupări de 3+3+2+2+3+3+3+2+ (Davies, 1985, 48-49) și o îndrăzneală melodică palpitantă, „Dance of the Maya” și deschiderea sa melancolică aproape prefigurând metalul, în timp ce solo-ul de vioară al lui Jerry Goodman a fost flancat de groove-ul shuffle al lui Billy Cobham, aducând lucrurile pe o lungime de undă mai pământească. „Vital Transformations” percolează între 9/8 și câteva pasaje în 4/4. Cu Mahavishnu, un nou mod de gândire a deschis larg ușa în arena jazz-rock, iar cu Return to Forever, Mahavishnu, Herbie Hancock și Weather Report coexistând în același spațiu, s-a oferit o individualitate fără limite.
Weather Report a evoluat, de asemenea, din grupurile lui Miles, cu Joe Zawinul și Wayne Shorter în fruntea grupului, cu Miroslav Vitous la bas, Airto la percuție și regretatul Alphonse Mouzon la tobe. WR a început ca un ansamblu foarte diferit, albumul autointitulat Weather Report (Columbia, 1971) se deschidea cu surprinzătoarea „Milky Way”, studioul fiind folosit ca un instrument complet, texturi aeropurtate sinistre erau create de Zawinul care cânta acorduri în timp ce Shorter sufla la saxofon sopran în pian. Direcția avangardistă a trupei a fost cel mai bine pusă în evidență pe ceea ce ar putea fi, fără îndoială, cea mai bună înregistrare a lor, Live In Tokyo (Columbia, 1972). Lungile medley-uri de pe marginea albumului prezintă texturi post In A Silent Way, basul cu wah wah al lui Miroslav Vitous emulând trompeta cu wah wah a lui Miles Davis, percuție eterică și efecte vocale de la Dom Um Romao. Este cea mai volatilă și mai dezlănțuită interpretare a trupei Weather Report de pe disc – un animal destul de diferit de ceea ce majoritatea oamenilor asociază cu trupa pe albume precum Black Market (Columbia, 1976) și best seller-ul lor, Heavy Weather (Columbia, 1978). În 1973, Zawinul a simțit nevoia unei direcții în cadrul trupei, îndepărtându-se de abstracția primelor trei albume ale trupei, într-o direcție mai axată pe groove, care va conține mai mult decât câteva semințe care vor germina genul world music începând cu Sweet Nighter (Columbia, 1973). Până în 1978, exista un toboșar consistent cu Alex Acuna, Jaco Pastorius îl va înlocui pe Alphonso Johnson, și a înregistrat Heavy Weather. Albumul conține unele dintre cele mai șlefuite eforturi de compoziție ale grupului cu „Birdland”, „A Remark You Made” și „Palladium” de Wayne Shorter. Criticii au disprețuit faptul că trupa a atins statutul de vedetă rock, iar mâna lui Zawinul a devenit mult mai grea din punct de vedere compozițional și în texturile muzicii, ceea ce a dus în cele din urmă la ieșirea lui Jaco Pastorius din cauza influenței din ce în ce mai copleșitoare a lui Zawinul. Compozițiile lui Shorter au devenit din ce în ce mai puține pe albume, iar după albumul This Is This din 1985, grupul s-a destrămat. Muzica lui Weather Report rămâne masiv influentă în jazz și în alte muzici – de exemplu, trupa a avut o influență uriașă asupra grupului electronic francez Deep Forest, condus de producătorul și claviaturistul Eric Mouquet și Michel Sanchez. Aceștia l-au inclus pe Zawinul pe piesa „Deep Weather”, o aluzie vicleană la numele trupei.
Miles Runs The Voodoo Down (Again)
Până la începutul anilor ’70, Miles Davis se afla până la genunchi în influențele lui Jimi Hendrix, James Brown și Sly Stone, muzică pe care o iubea profund datorită faptului că a fost inițiat în ea prin intermediul soției sale Betty Davis. Trompetistul a căutat să împingă din nou limitele și a căutat să capteze sunetul străzilor din America neagră, iar ceea ce a rezultat din această nevoie de a capta urbanitatea a ceea ce auzea a fost On The Corner (Columbia, 1972), un minunat melanj de elemente indiene, electronice și africane. Într-un schimb fascinant, de multe ori vitriolant, percuționistul James Mtume a dezbătut cu Stanley Crouch (cunoscut pentru poziția sa puristă de extremă dreapta în materie de jazz acustic) cu privire la meritele acestei muzici. Folosind conceptele de declin estetic, epuizare tehnică și obsolescență socială prezentate de criticul de muzică clasică Henry Plesants, Mtume a explicat că Davis a căutat noi căi de exprimare, prin utilizarea wah wah, a ritmurilor africane intense și a modulației metrice pentru a crea ceva nou. Modulația metrică folosită în trupele lui Davis din 1973-75 este deosebit de fascinantă din simplul motiv că este complet exersată pentru a face tranziția fără probleme, păstrând totuși iluzia a ceva total improvizat. Acest corpus de lucrări, în special înregistrările live, rămân unele dintre cele mai stimulative lucrări ale trompetistului și unele dintre cele mai puternice piese de jazz ale deceniului.
Alte curente și concluzie
În timp ce jazz-rock și jazz-funk dominau vânzările, au existat și alte mișcări în muzică. ECM, fondată de Manfred Eicher în 1969, a oferit o abordare camerală ambientală, în mare parte acustică a muzicii, casa de discuri fiind cunoscută pentru sonoritățile fără egal, cristaline și o calitate luxuriantă, spațioasă, cu tone de reverberație. Keith Jarrett, Paul Bley și Chick Corea au adus cu toții contribuții semnificative în domeniul pianului solo, Jarrett și Bley, în special, redefinind acest idiom. Cu toboșari la bord, precum Jon Christensen și Jack DeJohnette, s-a stabilit o concepție ritmică între swing și optimi drepte, care a redefinit o nouă generație. Pat Metheny, Gary Burton, Ralph Towner și alții, cu toții au realizat lucrări importante la ECM, iar până în ziua de azi casa de discuri rămâne o forță progresistă. Case de discuri precum Pablo, Concord și Xanadu au adus în tradiție jazz-ul straight ahead, iar cvintetul VSOP al lui Herbie Hancock cu Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Ron Carter și Tony Williams a pus bazele pentru renașterea jazzului acustic la scară largă, condus de Wynton Marsalis în anii ’80. În anii ’70 se producea mereu jazz acustic și direct, doar că nu era atât de popular și nu existau prea multe ocazii de a-l înregistra. Grupuri precum Steps Ahead al vibrafonistului Mike Mainieri, cu ași de studio precum Don Grolnick, Michael Brecker, Eddie Gomez și Steve Gadd, au îmbinat stilul straight ahead cu tendințele actuale, stabilind în parte foaia de parcurs pentru ceea ce avea să devină în cele din urmă smooth jazz, alături de Bob James, Lee Ritenour și înregistrările GRP. Pentru a înțelege impactul jazz-ului din anii ’70, ateliere precum Modern Jazz Ensemble predat de Sebastian Noelle pot ajuta la fortificarea dispozitivelor muzicale de astăzi care au evoluat din acea epocă la New York Jazz Workshop.