Onde é que o jazz se dirigiu nos anos 70?
Onde é que o jazz se dirigiu nos anos 70? A música expandiu-se texturalmente e tecnologicamente à medida que se afastava do swing, e bebop continuum rítmico. Grande parte da música se libertou das formas tradicionais de 12, 16, 32 bar e A-A-B-A das duas décadas anteriores. Composições complexas tornaram-se a norma, casando seções bem escritas com improvisação, enraizadas em estruturas encontradas no clássico e na música de todo o mundo. Os avanços tecnológicos permitiram que a instrumentação mudasse drasticamente, e abriram inovações até hoje.
Instrumentation
No início dos anos 70, os avanços tecnológicos e a amplificação permitiram aos músicos de jazz expandir o âmbito do seu som e da sua execução. O primeiro avanço discutido será o baixo directo. Aqueles que conhecem Ron Carter, Eddie Gomez, Stanley Clarke ou Niels Pedersen numa gravação dos anos 70 conhecem este som, que é muito ridicularizado. O baixo directo permitiu aos baixistas acústicos ligar os seus graves directamente à placa de mistura ou aos sistemas de amplificação, reduzindo a vibração. O efeito secundário que isso criou foi que, ao invés do tom de madeira do baixo, haveria muito mais placa de dedo ouvida. Portanto, os solos de baixo assumiriam uma guitarra como sonoridade, como nos casos de Gomez, Pedersen e Clarke. Bateristas como Billy Cobham e Tony Williams utilizavam kits de bateria maiores no nível dos bateristas de rock, e o piano elétrico Fender Rhodes, uma tecnologia dos anos 40, mas revelada em sua encarnação em tamanho real em 1965, tornou-se o machado preferido de Herbie Hancock, Chick Corea e Joe Zawinul, entre outros. Os sintetizadores analógicos de Moog, Arp e Oberheim estavam na sua infância, e os jogadores e programadores correram para a nova tecnologia para encontrar o seu potencial sónico. Guitarras elétricas e baixos arredondaram o som para corresponder ao dos grupos de rock.
The Children of Miles Davis
Os avanços nos anos 70 foram todos iniciados por músicos que tocaram nas bandas de Miles Davis. A música encontrou caminhos diferentes para o que se ouvia em In A Silent Way e Bitches Brew. Tony Williams foi o primeiro com seu grupo Lifetime em 1969 na criação do jazz-rock, mas por volta de 1970-72 a influência do rock no tocar de Williams cresceu massivamente. Mwandishi, de Herbie Hancock, concentrou-se numa abordagem mais ambiente e vanguardista, empregando Hancock em Fender Rhodes e tocando Bennie Maupin em clarinete baixo e saxofone, Eddie Henderson em trompete e flugelhorn, Julian Priester em trombones, Buster Williams em baixo e Billy Hart em bateria. O grupo gravou Mwandishi (Warner Bros 1971) Crossings (Warner Bros. 1972) e Sextant (Columbia, 1972) todos grandes em texturas multihudo, e vampiros medidores estranhos, (os 15/8 de “Ostinato For Angela”, e os 19/8 de “Hidden Shadows”). Os dois últimos álbuns acrescentaram o Dr. Patrick Gleeson no sintetizador Moog, cujas texturas atmosféricas e sinuosas trouxeram muito à música. Por Sextant Hancock adicionou o clavinet Hohner D-6, e o sintetizador Arp e, embora o álbum não fosse tão fora como Crossings, foi um final digno para a trilogia. “Rain Dance” influenciou uma geração de produtores de música electrónica com a sua abertura sequenciada. Infelizmente, Mwandishi não era economicamente sustentável. Inspirado por James Brown e Sly And The Family Stone, Hancock trouxe Maupin da banda anterior, trouxe Paul Jackson no baixo, e Harvey Mason na bateria e formou os Headhunters. O seu próprio título de estreia deu origem a grandes êxitos: “Camaleão”, e um “Homem Melancia” remontado com ritmos muito funky, Rhodes líquido e teclados volumosos. Mais tarde na década Hancock adicionou o vocoder em seu arsenal em cruzado para R&B e reinos disco, alienando puristas do jazz que já não o consideravam um músico de jazz. Hancock gravou projetos acústicos, mas principalmente para a CBS/Sony, divisão japonesa da Columbia, com a maioria dos 8 álbuns recebendo sua estréia nos EUA em The Complete Columbia Album Collection 1972-1988 (Columbia/Legacy, 2013).
Chick Corea passaria da vanguarda que marcou seus álbuns de meados dos anos 60 para algo diferente com Return To Forever (ECM, 1971). O Fender Rhodes foi um catalisador para um novo som para o pianista, uma mistura flutuante e alegre com as inclinações brasileiras, com o elenco de Flora Purim nos vocais, Joe Farrell nas palhetas, Stanley Clarke no baixo e Airto Moreira na bateria. Esta formação gravaria Light As A Feather (Polydor, 1972) com o clássico “Espanha” antes de uma mudança significativa de formação com Farrell, Purim e Moreira saindo, Bill Connors entrando na guitarra junto com Lenny White na bateria. O foco mudou drasticamente em uma direção mais rock para Hymn Of The Seventh Galaxy (Polydor, 1973), tocando virtuosismo e formando canções mais alinhadas com a escrita clássica, muito longe das formas de canções de 16 e 32 bar da década anterior. A versão “clássica” de RTF se cimentaria com Al DiMeola substituindo Connors, e lançando Where Have I Known You Before? (Polydor, 1974) e banda que define Romantic Warrior (Columbia, 1976) cujas construções composicionais levaram as coisas a outro nível, semelhante ao rock progressivo. Na verdade, o apelo de crossover que o álbum gerou foi enorme. RTF seria dissolvido após mais 2 álbuns com uma formação ampliada, e Corea gravaria alguns de seus maiores sucessos como artista solo, como The Leprechaun (Polydor, 1977). A edição Dimeola/Clarke/White da RTF se reuniria para uma grande turnê mundial em 2008, produzindo um álbum duplo ao vivo e um vídeo de concerto da sua aparição no Montreux Jazz Festival 2008, mostrando a profundidade e a maioria do material mais de 30 anos depois. Corea faria uma turnê acústica com o trio principal e formaria uma nova versão de Return to Forever com seu companheiro da Elektric Band Frank Gambale na guitarra e outro ícone do jazz rock, o violinista Jean Luc Ponty.
Mahavishnu and Weather Report
John McLaughlin’s Mahavishnu Orchestra com o violinista Jerry Goodman, o baixista Rick Laird e o baterista Billy Cobham fariam uma enorme declaração com Birds Of Fire (Columbia, 1973). McLaughin não só apresentava uníssonas vertiginosas que remetiam à música clássica indiana, mas também o uso espantoso de um medidor estranho. Foi aqui que Cobham começou a experimentar um kit muito maior com um conjunto de pratos e um tambor de contrabaixo, primeiro em voga na era do swing com Louis Bellson. Composições clássicas como “Birds of Fire” misturaram um time signature inusitado de 18/8 com agrupamentos de guitarra de 5+5+5+3, bateria de 6+6+6+6 e violino em agrupamentos de 3+3+2+3+3+2+ (Davies, 1985, 48-49) e ousadia melódica emocionante, “Dança dos Maias” e está a abrir-se quase prefigurando o metal, enquanto o solo de violino de Jerry Goodman foi ladeado pela ranhura de Billy Cobham, trazendo as coisas a um comprimento de onda mais terrestre. “Vital Transformations” percola entre 9/8 e cerca de 4/4 passagens. Com Mahavishnu, uma nova forma de pensar abriu a porta na arena do jazz rock, e com Return to Forever, Mahavishnu, Herbie Hancock, e Weather Report coexistindo no mesmo espaço, uma individualidade sem limites foi oferecida.
Weather Report também evoluiu fora dos grupos de Miles, com Joe Zawinul e Wayne Shorter liderando o grupo com Miroslav Vitous no baixo, Airto na percussão e o falecido Alphonse Mouzon na bateria. WR começou como um conjunto muito diferente, o auto intitulado Weather Report (Columbia, 1971) abriu com a surpreendente “Via Láctea”, o estúdio usado como um instrumento totalmente soprado, as estranhas texturas aerotransportadas foram criadas por Zawinul tocando acordes enquanto Shorter soprava saxofone soprano no piano. A direção avant garde da banda foi melhor mostrada no que poderia ser a sua melhor gravação Live In Tokyo (Columbia, 1972). As longas medalhas laterais do álbum incluem post In A Silent Way textures, Miroslav Vitous’ wah wah’d bass emulating Miles Davis’ wah’d trumpet, percussão etérea e efeitos vocais de Dom Um Romao. É o mais volátil, sem restrições, do Weather Report tocando em disco – um animal bem diferente do que a maioria das pessoas associa à banda em álbuns como Black Market (Columbia, 1976) e seu best-seller, Heavy Weather (Columbia, 1978). Em 1973, Zawinul sentiu a necessidade da direção da banda, afastando-se da abstração dos três primeiros álbuns da banda, para uma direção mais movida pelo groove que conteria mais do que algumas sementes brotando o gênero de música mundial, começando com Sweet Nighter (Columbia, 1973). Em 1978, havia um baterista consistente com Alex Acuna, Jaco Pastorius iria substituir Alphonso Johnson, e gravou Heavy Weather. O álbum contém alguns dos esforços composicionais mais polidos do grupo com “Birdland”, “A Remark You Made” e “Palladium” de Wayne Shorter. Os críticos desprezaram o facto da banda ter atingido o estatuto de estrela de rock, e a mão de Zawinul tornou-se muito mais pesada em termos de composição, e nas texturas da música, o que acabou por levar à saída de Jaco Pastorius devido à influência cada vez mais prepotente de Zawinul. As composições mais curtas se tornaram cada vez menos nos álbuns e, após 1985, This Is This, o grupo se dissolveu. A música do Weather Report continua a ter grande influência no jazz e em outras músicas – por exemplo, a banda foi uma grande influência no grupo eletrônico francês Deep Forest, liderado pelo produtor e tecladista Eric Mouquet e Michel Sanchez. Eles apresentaram Zawinul no corte “Deep Weather”, um aceno manhoso ao nome da banda.
Miles Runs The Voodoo Down (Again)
No início dos anos 70 Miles Davis estava de joelhos nas influências de Jimi Hendrix, James Brown e Sly Stone, música que ele amava profundamente graças a ser voltada para ela através de sua esposa Betty Davis. O trompetista parecia empurrar o envelope mais uma vez, e procurou capturar o som das ruas da América Negra, e o que resultou dessa necessidade de capturar a urbanidade do que ele ouviu foi On The Corner (Columbia, 1972), uma maravilhosa mistura de elementos indianos, eletrônicos e africanos. Em uma fascinante, muitas vezes vitoriosa troca, o percussionista James Mtume debateu Stanley Crouch (conhecido por sua postura purista do jazz acústico de extrema direita) sobre os méritos da música. Usando os conceitos de declínio estético, exaustão técnica e obsolescência social, apresentados pelo crítico de música clássica Henry Plesants, Mtume explicou que Davis procurou novas vias de expressão, através do uso do wah wah, dos intensos ritmos africanos e da modulação métrica para criar algo novo. A modulação métrica usada nas bandas de Davis de 1973-75 é particularmente fascinante pela única razão de ser completamente ensaiada para uma transição sem problemas, mas mantendo a ilusão de algo totalmente improvisado. Este corpo de trabalho, particularmente as gravações ao vivo, continuam a ser alguns dos mais estimulantes do trompetista e alguns dos mais poderosos jazz da década.
Outras correntes e conclusão
Embora o jazz-rock e o jazz-funk dominassem as vendas, havia outros movimentos na música. A ECM, fundada por Manfred Eicher em 1969, ofereceu uma abordagem ambiente, em grande parte acústica de câmara à música com o selo conhecido pela sónica cristalina, inigualável, e exuberante, espaçosa qualidade com toneladas de reverberação. Keith Jarrett, Paul Bley e Chick Corea fizeram contribuições significativas para a arena do piano solo, com Jarrett e Bley em particular redefinindo o idioma. Com bateristas a bordo como Jon Christensen e Jack DeJohnette, foi estabelecida uma concepção rítmica entre o swing e os oitavos rectos, que redefiniu uma nova geração. Pat Metheny, Gary Burton, Ralph Towner e outros fizeram um trabalho significativo no ECM, e até hoje a etiqueta continua a ser uma força progressiva. Rótulos como Pablo, Concord e Xanadu, que deram origem à tradição do jazz em linha recta, e o Quinteto VSOP de Herbie Hancock com Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Ron Carter e Tony Williams lançaram as bases para o reavivamento do jazz acústico em escala real liderado por Wynton Marsalis na década de 80. O jazz acústico, sempre em frente, estava sendo produzido nos anos 70, não era tão popular, e não havia muitas chances de gravá-lo. Grupos como o vibrafonista Mike Mainieri’s Steps Ahead, com ases de estúdio como Don Grolnick, Michael Brecker, Eddie Gomez e Steve Gadd misturaram-se com as tendências actuais, estabelecendo o roteiro em parte para o que viria a ser um jazz suave, juntamente com Bob James, Lee Ritenour e discos GRP. Para compreender o impacto do jazz dos anos 70, workshops como o Modern Jazz Ensemble ensinado por Sebastian Noelle podem ajudar a fortificar os dispositivos musicais de hoje que evoluíram a partir dessa época no New York Jazz Workshop.