Uma forma antiga de comunicar mensagens que reflectem tendências sociais, a dança social é uma parceria secular entre homens e mulheres ou a participação entre grupos. O secular e o sagrado se combinam em algumas culturas, e algumas religiões proíbem a dança. Enraizada principalmente na Europa, África e América Latina, a dança social na América é tão variada e mutável quanto seus grupos culturais, etários e geográficos. Atitudes em relação ao corpo e à sexualidade em público afetam as atitudes em relação à dança social, que passaram a incluir danças mais sexys e de ritmo mais rápido.
História Preliminar
A Nova Inglaterra, dominada pelos puritanos do século XVII, tinha leis contra a dança e punia os violadores. Somente crianças podiam brincar; a ética protestante sustentava que tal comportamento era inimigo do trabalho e um desvio dos propósitos espirituais da vida. Mas a maioria dos colonos na América dançava. Como um meio de melhorar a vida social de uma pessoa, os mestres itinerantes ensinavam a dança com a etiqueta que a acompanhava. A dança recreativa já se instalara nas colônias na época da Revolução Americana. Na verdade, George Washington e Thomas Jefferson eram dançarinos zelosos. Danças formais como o minueto exigiam habilidade, mas as danças country eram para todos. John Playford reuniu pela primeira vez danças country inglesas em um livro em 1651, e publicou edições posteriores de manuais de dança até 1728. As danças sociais ocorriam em feiras, jamborees, rollings de troncos, abelhas descascadoras e acolchoadoras, passatempos, casas, centros comunitários, instalações religiosas, praças municipais, assembléias formais, cotillions, salões de dança, salas de incêndio, hotéis, boates e estádios.
Propósito e Crescimento
Dança frequentemente marca etapas cruciais do ciclo de vida, especialmente festas e casamentos “doces dezesseis”. Encorajando a alegria e banindo a dor, a dança também manifesta boa saúde, proporciona exercício físico saudável e ajuda a manter as pessoas jovens. Uma fuga das realidades mundanas do mundo do trabalho, a dança muitas vezes proporciona um estado de consciência livre e alterado. Dançar é um lugar de auto-expressão, bem como uma forma de experimentar diferentes papéis e fantasias.
Uma forma aceitável de contato corporal com outra pessoa, bem como uma forma aceitável de troca de casal, dançar é uma forma de as pessoas se encontrarem e cortejarem. Cada geração se diferencia com seus próprios movimentos (muitas vezes versões recicladas de danças anteriores), juntamente com decoro social, códigos de vestimenta e música. Algumas danças clássicas como a valsa, rumba e tango persistem através de gerações, e também ocorrem modismos retro.
O vasto repertório de danças folclóricas, danças de diferentes nações, linhas, grupos, círculos, casais, trios, quatros e cincos proporcionam interação cara a cara em uma sociedade cada vez mais mecanizada e computadorizada. Dançarinos falam sobre a humanidade da contra-dança, a etiqueta do contato visual, a oportunidade através da rede de dança folclórica de encontrar danças em diferentes cidades da América, e a singularidade da dança como atividade social, na qual você toca as pessoas na mesma noite em que as conhece.
Dança social é central na forma como muitas pessoas celebram sua herança e mantêm um senso de comunidade. De origem anónima, transmitida por imagem de olho, nacional, étnica e folclórica as danças podem saldar nostalgia de épocas passadas. O powwow pan-nativo americano tem elementos religiosos, sociais e competitivos para celebrar a herança indígena. A dança pode ser uma âncora ou um lastro em um mar de incertezas para os imigrantes, bem como para os jovens do interior da cidade e estudantes universitários. Algumas danças tradicionais são transformadas em novas danças de quadril – o bhangra, de Punjabi, Índia, por exemplo, é popular entre os asiáticos do Sul.
De fato, o chamado “caldeirão cultural” americano desenvolveu novas formas como o Juba, o grito de anel, o bakewalk e a sapateado de rua, com suas raízes no jig irlandês, no tamanco, nos ritmos africanos, na improvisação e na fluidez corporal. A dança quadrada surgiu do espírito country dance e da elegância do salão.
Coincidente com o poder monárquico europeu em erosão, a valsa surgiu na Alemanha e na Áustria em 1830 para revolucionar a dança social ocidental; pela primeira vez, homens e mulheres dançavam em contato físico próximo e sensual. Mas porque exigia um controlo rígido e uma habilidade ágil, a valsa foi substituída pela polca, pelo spieling (girar selvagem) e pelos dois passos, e depois, no século XX, por danças mais naturais “duras” conhecidas como rag e danças animais enraizadas no vernáculo negro (derivadas das danças de numerosos grupos africanos). As posições de dança mudaram desde a mão da mulher no ombro do homem, a dele na cintura, e as suas outras mãos se agarravam, até aos parceiros agarrados ao pescoço e ombros um do outro e dançando de bochecha a bochecha. Na fronteira, a dança era agressiva e enérgica. Violinistas e chamadores diziam aos dançarinos o que fazer, e a chamada tornou-se parte integrante da dança quadrada.
Século XX
Dos anos 1890 a 1930, os imigrantes vinham da Europa do Sul e Leste. Trabalhando numa cultura fabril de silêncio, a sua auto-expressão explodiu na “loucura da dança”. O estilo de dança mais livre refletia a crescente independência das mulheres na sociedade. Entre 1880 e 1920, o estabelecimento de salões de dança comercializou o lazer. Aniquilando o velho mundo da companhia, os salões de dança atraíram jovens homens e mulheres que encontraram autonomia sem precedentes e suas próprias normas. As mulheres passaram por cima de certos homens com autoridade para dançar, recusaram convites para sair e desafiaram as noções dos pais de que a companhia levava inexoravelmente ao compromisso e às tentativas de arranjar casamentos. De diferentes nacionalidades e classes sociais, mas iguais em termos de experiência de dança, as bailarinas reuniam-se em salões de dança e palácios. Em 1910, a grande Nova York tinha mais de 500 salões de dança, alguns ligados a salões e associados a bebida e imoralidade.
Durante o período do ragtime (1890-1917), a América ficou conhecida como a terra das mil danças, incluindo o trote de raposa, trote de peru, abraço de coelho, bambolear, caminhada de camelo, kangaroo hop, urso pardo, patinete de macaco, arranhão de galinha, mergulho de canguru, bull frog hop, buzz e Texas Tommy. Também foram populares as danças com instruções, como o baile do macaco e o tempestuoso tango argentino. O advento dos chás de tango da tarde de 1912 atraiu mulheres sem escolta para dançar com parceiros masculinos empregados pelos proprietários de cafés.
A contribuição substancial dos negros para a dança americana nem sempre foi conhecida ou reconhecida. Os negros criaram danças sociais que mais tarde foram cooptadas, “higienizadas”, tornadas menos sexy, e estilizadas pelos brancos. A partir de 1916, uma migração em massa de negros do Sul para o Harlem levou a novas danças que impulsionaram o rugido dos anos 20 da América. Um elemento de identidade cultural, mensagens codificadas de dança negra, como hierarquia, inclusão-exclusão e trocas além das fronteiras sociais. A expressão encoberta do desafio político ocorreu com a quebra simbólica de regras estilísticas na dança. Assim, a liberdade artística dos afro-americanos durante a Renascença do Harlem foi um direito civil historicamente significativo.
Alguns brancos consideravam o vocabulário da dança negra do balanço da anca, das rotações pélvicas e dos impulsos (conhecidos como o ranger do Congo), das ondulações do tronco e dos ombros cintilantes como sendo imorais. Ainda outros brancos frequentavam as discotecas Harlem, entusiasmados com a sensação de uma sexualidade ilícita. Na época em que os brancos tinham adotado as danças negras como a cidade, os negros tinham passado para uma nova invenção de dança ou reinvenção.
O brilho, a maçã grande, o fundo negro e o charleston flertado, com membros atirados e chutados, ganhou popularidade durante a década de 1920. Então, um dia, em um concurso de dança Savoy Ballroom, o campeão de todos os tempos George “Shorty” Snowden fez um breakaway, atirando seu parceiro para fora em um vôo aéreo e improvisando alguns passos a solo para uma contagem de oito batidas; ele chamou o passo de “Lindy”, depois de Charles Lindberg, que fez o primeiro vôo transatlântico de avião em 1927. Estas novas danças tornaram-se parte da era dos anos 30 e 40 do jitterbug e swing big band.
Entre 1920 e 1940, a dança de táxi (patronos masculinos pagando às dançarinas uma taxa por uma dança) atraiu principalmente imigrantes. Em 1930, a cidade de Nova Iorque tinha trinta e sete palácios de dança dançante, 35.000 a 50.000 clientes masculinos por semana, e 2.500 a 3.000 dançarinas empregadas. Dançarinos de táxi em bairros latinos têm atendido principalmente imigrantes mexicanos indocumentados desde o final da década de 1970.
A partir dos anos 1920, as maratonas de diversão simbolizaram a sobrevivência durante a Depressão. Competições de resistência, dança sem parar para bater recordes foi uma fuga de cortiços lotados, drudgery de fábrica, patriarcado, e pobreza. A juventude desempregada sofreu pelo sonho do dinheiro do prêmio. Alma Cummings dançou sem parar durante vinte e sete horas em Nova York, caminhando e fazendo jitterbugging através de seis parceiros.
Os anos 30 e 40 foram a primeira era de ouro das danças latinas, como a rumba danzon, cha-cha e mambo de Cuba, bolero de Porto Rico, pasadoble do México, samba do Brasil e merengue do Haiti. Danças da linha afro-americana, como a Madison originária de Baltimore, batida no final da década de 1950. O shuffle, alguns passos de dança no campo de futebol executados por um jogador que fez um touchdown, apareceu.
A acessibilidade à TV tornou as novas danças rapidamente acessíveis em todo o país. Os dançarinos puderam assistir programas como American Bandstand (1956, alcançando cerca de 20 milhões de pessoas diariamente), Soul Train (1971), e Solid Gold (1979). Em 1981, a Televisão Musical (MTV), tocando vídeos musicais vinte e quatro horas por dia, chegou ao local. Então a Internet começou a fornecer informações sobre dança em sites como http://www.salsaeb.com.
A torção dos anos 60 (abaixo da cintura) separou o casal dançando em uma era de rock ‘n’ roll. Os movimentos do quadril torcendo e a dança sem toque permaneceram no pantomima jerk, frug, skate, pônei, macaco nadador, puré de batata, e hully gully. Hippies psicodélicos engajados na livre expressão e na auto-absorção trancelítica na pista de dança.
Discotecas com discos tocando discos de vinil através de grandes sistemas de som começaram na Europa, um produto da austeridade da Segunda Guerra Mundial, e surgiram na América no início dos anos 70 em espaços informais subterrâneos. Comunidades homossexuais, afro-americanas, hispânicas e de classe trabalhadora de grandes centros urbanos se juntaram às “pessoas bonitas” no Studio 54 e Xenon, por exemplo, na cidade de Nova York. Uma mistura de luzes estroboscópicas cegantes e imagens projetadas em paredes criou os parques infantis dionisíacos.
Dança de toque de casais fechados retornou nos anos 70 com música de salsa e a agitação, nascida em Nova York entre trabalhadores porto-riquenhos de colarinho azul.
“Breaking”, apresentando movimentos de dança pirotécnicos acrobáticos e ginasticos competitivos, por vezes arriscados, artisticamente inventivos, começou nos anos 70 no Bronx, Nova Iorque, entre jovens afro-americanos e latinos como uma alternativa à violência das gangues da cidade, e uma forma de ser o número um sem “mandar alguém embora”. Os anos 80 testemunharam a erupção de dançarinos de hip-hop a solo ou em grupo, girando sobre os ombros, nádegas ou costas, congelando em formas de pretzel, e estalando (segmentando movimentos corporais que se ondulam através do corpo) nas calçadas e nos parques. O estilo hip-hop cruzou fronteiras raciais e étnicas e se espalhou entre os jovens na América.
A propósito desta vez em Nova York, jovens punk brancos com botas de combate, jeans rasgados e coleiras e braceletes de cachorro com metal batiam dançando com música agressiva e dura. Eles colidiram uns com os outros no “mosh pit” em frente ao palco. Nos concertos de rock durante os anos 80 e 90, começou o movimento grunge, com grupos de machos a circular e a carregar uns aos outros, batendo e pisando em espectadores inocentes. Milhares de corpos escassamente revestidos, trespassados e tintados participaram do body surfing (andando nos ombros da multidão, de mão em mão, até mergulhar, cair ou ser impelidos para o palco e reciclados de volta aos dançarinos da arena pelos contínuos).
Reggae jamaicano, estreado nos anos 70, infundiu a dança hip-hop e influenciou o estilo gogo de Washington, D.C. O “sinuoso” do reggae (rotação pélvica) também era comum na dança cubana. Nos vinte anos seguintes, os dançarinos popularizaram a borboleta, o bogoloo e o skettle.
Um surto nas danças de casais country-western, chamadas “shit-kickers”, no Texas, ocorreu nos anos 80. O swing de Tucson, danças de dois passos e linhas para casais surgiram em bares e buzinas. Os filmes Dirty Dancing, Saturday Night Fever e Flashdance influenciaram a dança social.
Durante os anos 90, o voguing (uma dança que incorporava poses de modelagem) era comum entre os gays. Uma dança de swing (um termo guarda-chuva para Lindy, dança de mão, steppin’ Chicago, bop Philly, shag da Carolina do Norte e hustle de Detroit) reavivamento da invenção dos anos 1920 a 1940 tornou-se popular no século XXI. Havia também funk freestyle, reggae, house, club, e rap dance. Realizada em diferentes lugares, as danças rave se desenvolveram como parte de uma cultura underground. A atração era experimentar estados alterados de consciência através da dança em massa durante toda a noite para uma batida de música repetitiva palpitante e um show de luzes hipnótico. A dança da linha conhecida como slide elétrico substituiu o boogie elétrico. Os mexicanos dançavam a banda com a quebradita, uma pequena pausa em que o homem se agarra ao parceiro e a inclina paralelamente ao chão.
Por esta altura, a parceria macho-fêmea incluía novas configurações no estilo livre adolescente e adulto jovem, incluindo da butt, freaking, booty dancing, “doggy dancing”, “front piggy-backing” e “dirty dancing”. Os parceiros torceram as coxas, tocaram e rodaram as pélvis, e inclinaram os torsos superiores um para o outro. Em outro padrão, as fêmeas pressionam com as costas e nádegas, ou se dobram com as mãos no chão, pressionadas e moídas contra a frente do corpo dos seus parceiros machos. Algumas fêmeas subiram as saias, expondo a roupa íntima fio dental.
Dança latina (rumba, samba, cha-cha, mambo, pachanga, merengue, bolero, paso doble, cumbia, bachata) floresceu com a imigração da América Central e do Sul. Os corpos de abraços para a frente e para trás com pernas entrelaçadas da lambada brasileira de 1989 foram de curta duração e mais tarde proibidos pelo Brasil. A dança da linha macarena da Espanha foi batida no final de 1993. Seguiu-se o Ketsup. A influência latina escalou com a dança da salsa, uma reciclagem do mambo e merengue dos anos 50. A salsa quente vista em clubes e na televisão é semelhante ao freaking.
Musical shows encorajaram os membros do público a dançar nos corredores. Tais performances incluíam os Reis Ciganos, Salif Keita, “Hairspray,” e “Harlem Song,”
Durante o século XX, as pessoas dançavam valsas, fox trot, e versões domesticadas de muitas danças menos conservadoras em ocasiões formais, em pequenas salas de coquetel, e em centros de idosos. As pessoas tendem a continuar a dançar as danças de sua juventude.
Em suma, a dança social é uma forma não-verbal de comunicação sobre si mesmo, herança e relações interpessoais que envolve a mente, o corpo e o sentimento. A persistência da dança social através da história, e as tentativas religiosas, civis e políticas de controlá-la, atestam sua potência na vida humana.
Veja também: African American Leisure Lifestyles, Dance Classes, Dance Halls, Latinos Leisure Lifestyles, Raves/Raving, Square Dancing, Teenage Leisure Lifestyles
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