Jazz może nie ma oficjalnego rocznika, ale ma ogromną i dobrze udokumentowaną dyskografię. Rok po roku” jest naszą próbą przybliżenia Wam najbardziej godnych uwagi albumów z każdego roku, wraz z próbkami dźwiękowymi i fascynującymi historiami. Mamy nadzieję, że dołączycie do nas podczas podróży przez nieskończenie fascynującą historię muzyki, zatrzymując się co 12 miesięcy na osi czasu jazzu.
Miles Davis, Kind of Blue (Columbia)
Do 1959 roku Miles Davis stał się jednym z największych nazwisk w jazzie i tak jak inni muzycy szukali u niego wskazówek, tak on szukał innych artystów, którzy mogliby wpłynąć na kierunek jego muzyki. Tak więc, kiedy pianista Bill Evans wprowadził go w modalność, pokazując mu dzieła klasycznych kompozytorów Béli Bartóka i Maurice’a Ravela, odkrył możliwość swobodnej improwizacji poprzez pominięcie akordów. Kind of Blue stał się jego pierwszym pełnowymiarowym modalnym albumem jazzowym, dystansując go od hard bopu i kształtując dominujący styl jazzu przez większość następnej dekady. Regularnie uważany za kwintesencję jazzu, od „So What” do „Flamenco Sketches”, wabi ludzi do innego świata, swobodnej atmosfery z niezrównaną elegancją i wyrafinowaniem. Fakt, że została nagrana na bieżąco, czyni ją jeszcze bardziej imponującą; dokument piękna spontaniczności i chemii dzielonej przez Davisa, Evansa, saksofonistów Johna Coltrane’a i Cannonballa Adderleya, basistę Paula Chambersa i perkusistę Jimmy’ego Cobba, z Wyntonem Kellym zastępującym Evansa w „Freddie Freeloader”.”
Charles Mingus, Mingus Ah Um (Columbia)
W znakomitym dla jazzu roku, naznaczonym wysublimowanym minimalizmem „Kind of Blue” Milesa Davisa i awangardowymi eksperymentami „The Shape of Jazz to Come” Ornette’a Colemana, Charles Mingus potwierdził swoją artystyczną niezależność mistrzowskim, eklektycznym dziełem. Podpisany z wytwórnią Columbia przez swojego przyjaciela, producenta Teo Macero (którego nowatorskie techniki splicingu wnoszą wiele do brzmienia tego albumu), Mingus zdystansował się od trzeciorzędnego modernizmu, by dać upust swojej kreatywności na płycie Mingus Ah Um, wykonywanej przez ośmioosobową inkarnację jego zespołu Jazz Workshop. To, co uderza na tym albumie, to nie tylko różnorodność materiału – od przepełnionego gospel „Better Git It in Your Soul”, przez satyryczny antysegregacyjny hymn „Fables of Faubus”, aż po serdeczną balladę dla Lestera Younga „Goodbye Pork Pie Hat”. Jest to również to, jak pomimo tej różnorodności, każdy z utworów jest tak dobrze zdefiniowany przez natychmiast rozpoznawalną wrażliwość i podejście basisty/kompozytora – dlatego Mingus Ah Um został nazwany albumem, który najlepiej podsumowuje wszystko, co Mingus mógł zrobić.
Art Blakey and the Jazz Messengers, Moanin’ (Blue Note)
Art Blakey czuł, że jazz nie otrzymywał uwagi, na którą słusznie zasługiwał i że jego misją było szerzenie jego przesłania do jak największej liczby ludzi. Komercyjny sukces Moanin’ pomógł mu w tym, cementując reputację jego grupy Jazz Messengers, zyskując przy okazji reputację archetypicznego albumu hard bopowego – co wydawało się słuszne, biorąc pod uwagę, że to on przyczynił się do ukształtowania tego terminu trzy lata wcześniej. Dużą rolę w sukcesie zespołu odegrał saksofonista Benny Golson, który w tym czasie stał się de facto jego dyrektorem muzycznym. Jego wpływ był tak duży, że Alan Goldsher napisał: „Art Blakey nie mógłby uratować jazzu, gdyby Benny Golson nie uratował Jazz Messengers.” To właśnie Golson zebrał jeden z najbardziej kultowych składów, z trębaczem Lee Morganem, pianistą Bobby Timmonsem i basistą Jymie Merrittem, z których wszyscy, podobnie jak on sam, byli rodowitymi filadelfijczykami. Był również kuratorem listy utworów na płycie, wnosząc trzy własne piosenki, w tym porywający „Blues March”, i zachęcając 22-letniego Timmonsa do napisania utworu tytułowego, który nie tylko stał się wzorcową melodią soul jazzu, ale również największym przebojem w karierze Blakeya.
Dave Brubeck Quartet, Time Out (Columbia)
W czasach, gdy jazz był szeroko skonstruowany wokół standardowych rytmów 4/4 i 3/4, Time Out Dave Brubeck Quartet pojawił się jako powiew „chłodnego” świeżego powietrza. Dave Brubeck był jednym z najpopularniejszych pianistów lat 50-tych, którego dwupiętrowa gra na akordach blokowych i kompozycje pozostawały pod wpływem zarówno jazzu, jak i wielu innych gatunków muzyki. Miał również zamiłowanie do dziwnych metrum, a jego eksperymenty z rytmami osiągnęły szczyt na tej płycie. Począwszy od „Blue Rondo á la Turk”, mózgowej mieszanki jazzu z tureckimi rytmami ludowymi, która wciąż potrafi się rozkołysać, każdy utwór sprawia wrażenie melodyjnego przedsięwzięcia i mini arcydzieła. W samym środku tej imponującej tracklisty znajduje się „Take Five”, zachwycający, ale mało prawdopodobny najlepiej sprzedający się jazzowy singiel wszech czasów, którego kompozytor, saksofonista Paul Desmond, słynnie przyznał, że miało to być po prostu solo perkusyjne dla Joe Morello. Columbia zwlekała z wydaniem „Time Out”, a krytycy go skrytykowali. Publiczność, z drugiej strony, pokochała go, a długowieczność tego albumu dowodzi, że „eksperci” nie zawsze mają rację…
Ornette Coleman, The Shape of Jazz to Come (Atlantic)
Saksofonista-kompozytor Ornette Coleman czuł, że jazz może i powinien wyrażać szerszy zakres emocji niż do tej pory. Jednak brak sukcesu i wsparcia, jakie otrzymywał, prawie doprowadził go do odejścia, zanim producent Atlantic Nesuhi Ertegun zaoferował mu kontrakt, który pozwolił mu nagrać The Shape of Jazz to Come. Jako postać polaryzująca, grająca muzykę, która dla wielu była nieprzyjemna, Coleman stał się pionierem free jazzu, politycznie naładowanego rodzaju jazzu, który kontrastował z jego mainstreamowym odpowiednikiem i rzucał wyzwanie zarówno muzykom, jak i słuchaczom, by myśleli nieszablonowo, łamiąc konwencje. The Shape of Jazz to Come został nagrany z grupą podobnie myślących muzyków; trębacz Don Cherry, basista Charlie Haden i perkusista Billy Higgins mieli wrażliwość, która również skłaniała się ku awangardzie. Jednak pomimo rozbijania struktury harmonicznej i swobodnej gwałtowności solówek, The Shape of Jazz to Come zalicza się do bardziej melodyjnych nagrań Colemana i zawiera wpływ bebopu, który jest szczególnie widoczny w takich utworach, jak wstrząsający „Lonely Woman” (jedna z niewielu jego kompozycji, która uzyskała status standardu jazzowego) i bardziej podniosły „Chronology.”
Honorable Mentions: João Gilberto, Chega de Saudade (Odeon); Sun Ra, Jazz in Silhouette (Saturn); Ella Fitzgerald, Ella Fitzgerald Sings the George and Ira Gershwin Song Book (Verve); Bill Evans Trio, Everybody Digs Bill Evans (Riverside); Dizzy Gillespie, Sonny Stitt and Sonny Rollins, Sonny Side Up (Verve).
Lubisz ten artykuł? Otrzymaj więcej, gdy zasubskrybujesz.
.