Where did jazz head in the 1970’s?
Where did jazz head in the 1970’s? Muzyka rozszerzyła się tekstowo i technologicznie, odchodząc od rytmicznych kontinuów swingu i bebopu. Duża część muzyki uwolniła się od tradycyjnych 12, 16, 32 taktowych i A-A-B-A form piosenek z poprzednich dwóch dekad. Złożone kompozycje stały się normą, łącząc ściśle rozpisane sekcje z improwizacją, zakorzenioną w strukturach klasycznych i muzyce z całego świata. Postęp technologiczny pozwolił na drastyczną zmianę instrumentacji i otworzył innowacje wydobywane do dziś.
Instrumentacja
Do początku lat 70-tych, postęp w technologii i amplifikacji pozwolił muzykom jazzowym na rozszerzenie zakresu ich dźwięku i gry. Pierwszym omawianym postępem będzie bas bezpośredni. Ci, którzy znają Rona Cartera, Eddiego Gomeza, Stanleya Clarke’a czy Nielsa Pedersena na nagraniach z lat 70-tych, znają to brzmienie, które jest bardzo wyszydzane. Bas bezpośredni pozwalał akustycznym basistom na podłączenie ich basu bezpośrednio do miksera lub systemu wzmacniającego, redukując wibracje. Efektem ubocznym tego było to, że zamiast drewnianego brzmienia basu, słychać było o wiele więcej palców. Dlatego też solówki basowe nabierały brzmienia podobnego do gitary, jak w przypadku Gomeza, Pedersena i Clarke’a. Perkusiści tacy jak Billy Cobham i Tony Williams używali większych zestawów perkusyjnych na poziomie perkusistów rockowych, a pianino elektryczne Fender Rhodes, technologia pochodząca z lat 40-tych, ale zaprezentowana w swoim pełnowymiarowym wcieleniu w 1965 roku, stała się ulubioną siekierą między innymi Herbiego Hancocka, Chicka Corei i Joe Zawinula. Analogowe syntezatory Mooga, Arpa i Oberheima były w powijakach, a gracze i programiści rzucili się na nową technologię, aby odkryć jej dźwiękowy potencjał. Elektryczne gitary i basy zaokrągliły dźwięk, aby dopasować go do grup rockowych.
Dzieci Milesa Davisa
Postępy w latach 70-tych zostały zapoczątkowane przez muzyków, którzy grali w zespołach Milesa Davisa. Muzyka znalazła inne ścieżki niż to, co można było usłyszeć na In A Silent Way i Bitches Brew. Tony Williams ze swoją grupą Lifetime w 1969 roku był pierwszy w tworzeniu jazz-rocka, ale w latach 1970-72 wpływy rockowe w grze Williamsa bardzo wzrosły. Herbie Hancock’s Mwandishi skupił się na bardziej ambientowym, awangardowym podejściu, zatrudniając Hancocka na Fender Rhodes i efekty Bennie Maupin na klarnecie basowym i saksofonach, Eddie Henderson na trąbce i flugelhornie, Julian Priester na puzonach, Buster Williams na basie i Billy Hart na perkusji. Grupa nagrała albumy Mwandishi (Warner Bros 1971), Crossings (Warner Bros. 1972) i Sextant (Columbia, 1972), wszystkie z dużą ilością wielobarwnych faktur i dziwnych metrowych wampów (15/8 w „Ostinato For Angela” i 19/8 w „Hidden Shadows”). Dwa ostatnie albumy wzbogacone zostały o Dr. Patricka Gleesona na syntezatorze Moog, którego atmosferyczne, niesamowite tekstury wniosły wiele do muzyki. Na „Sextant” Hancock dodał klawinet Hohner D-6 oraz syntezator Arp i choć album nie był tak wybitny jak „Crossings”, to stanowił godne zakończenie trylogii. „Rain Dance” swoim sekwencyjnym otwarciem wpłynął na całe pokolenie producentów muzyki elektronicznej. Niestety, Mwandishi nie był ekonomicznie zrównoważony. Zainspirowany Jamesem Brownem i Sly And The Family Stone, Hancock ściągnął Maupina z poprzedniego zespołu, sprowadził Paula Jacksona na bas i Harveya Masona na perkusję i założył Headhunters. Ich debiutancki album z własnym tytułem przyniósł ogromne przeboje: „Chameleon”, oraz przerobiony „Watermelon Man” z mocno funkowymi rytmami, płynnym Rhodesem i chunky keyboards. W późniejszym okresie dekady Hancock dodał do swojego arsenału vocoder, przekraczając granice R&B i sfery disco, zrażając do siebie jazzowych purystów, którzy nie uważali go już za muzyka jazzowego. Hancock nagrywał projekty akustyczne, ale głównie dla CBS/Sony, japońskiego oddziału Columbii, przy czym większość z tych 8 albumów zadebiutowała w USA w The Complete Columbia Album Collection 1972-1988 (Columbia/Legacy, 2013).
Chick Corea odszedł od awangardy, która cechowała jego albumy z połowy lat 60-tych, na rzecz czegoś innego w Return To Forever (ECM, 1971). Fender Rhodes był katalizatorem nowego brzmienia pianisty, unoszącej się, radosnej mieszanki z brazylijskimi naleciałościami, w której udział wzięli: Flora Purim na wokalu, Joe Farrell na stroikach, Stanley Clarke na basie i Airto Moreira na perkusji. W tym składzie zespół nagrał album Light As A Feather (Polydor, 1972) z klasycznym „Spain”, po czym nastąpiła znacząca zmiana w składzie: Farrell, Purim i Moreira odeszli, a Bill Connors dołączył na gitarze i Lenny White na perkusji. Punkt ciężkości przesunął się drastycznie w bardziej rockowym kierunku na Hymn Of The Seventh Galaxy (Polydor, 1973), wirtuozerskiej grze i formach piosenek bardziej zbliżonych do klasycznego pisania, dalekich od 16 i 32 taktowych form piosenek z poprzedniej dekady. Klasyczna” wersja RTF ugruntowała się wraz z zastąpieniem Connorsa przez Ala DiMeolę i wydaniem albumów Where Have I Known You Before? (Polydor, 1974) i definiujący zespół Romantic Warrior (Columbia, 1976), którego kompozytorskie konstrukcje wzniosły się na inny poziom, zbliżony do rocka progresywnego. Rzeczywiście, popularność tego albumu była ogromna. RTF został rozwiązany po dwóch kolejnych albumach w poszerzonym składzie, a Corea nagrał jedne ze swoich największych sukcesów jako artysta solowy, takie jak The Leprechaun (Polydor, 1977). Grupa RTF w składzie Dimeola/Clarke/White ponownie zebrała się na dużą światową trasę koncertową w 2008 roku, wydając podwójny album live oraz koncertowe wideo z Montreux Jazz Festival 2008, ukazujące głębię i większość materiału po ponad 30 latach. Corea odbyłby akustyczną trasę z podstawowym trio i stworzyłby nową wersję Return to Forever ze swoim towarzyszem z Elektric Band, Frankiem Gambale na gitarze i inną ikoną jazz rocka, skrzypkiem Jeanem Luc Ponty.
Mahavishnu i Weather Report
John McLaughlin’s Mahavishnu Orchestra ze skrzypkiem Jerrym Goodmanem, basistą Rickiem Lairdem i perkusistą Billym Cobhamem złożyłaby wielkie oświadczenie z Birds Of Fire (Columbia, 1973). McLaughin nie tylko zaprezentował zawrotne unisony rodem z indyjskiej muzyki klasycznej, ale także zdumiewające użycie nieparzystego metrum. To właśnie tutaj Cobham zaczął eksperymentować z dużo większym zestawem talerzy i podwójnym bębnem basowym, po raz pierwszy modnym w epoce swingu u Louisa Bellsona. Klasyczne kompozycje takie jak „Birds of Fire” łączyły niezwykłą sygnaturę czasową 18/8 z grupami gitarowymi 5+5+5+3, perkusyjnymi 6+6+6+6 i skrzypcowymi w grupach 3+3+2+3+3+2+ (Davies, 1985, 48-49) i porywającą śmiałością melodyczną, „Dance of the Maya” i jego mroczne otwarcie niemal zapowiadają metal, podczas gdy solo skrzypiec Jerry’ego Goodmana było flankowane przez shuffle groove Billy’ego Cobhama, sprowadzając rzeczy na bardziej ziemską długość fali. „Vital Transformations” perkoluje pomiędzy 9/8 i kilkoma pasażami 4/4. Dzięki Mahavishnu, nowy sposób myślenia otworzył szeroko drzwi na arenie jazz-rockowej, a dzięki Return to Forever, Mahavishnu, Herbiemu Hancockowi i Weather Report współistniejącym w tej samej przestrzeni, oferowana była bezgraniczna indywidualność.
Weather Report również wyewoluował z grup Milesa, z Joe Zawinulem i Waynem Shorterem na czele, z Miroslavem Vitousem na basie, Airto na perkusji i nieżyjącym już Alphonse Mouzonem na perkusji. WR rozpoczął działalność jako zupełnie inny zespół. Samo zatytułowane Weather Report (Columbia, 1971) otwiera zaskakujący utwór „Milky Way”, w którym studio zostało użyte jako pełnowartościowy instrument, a niesamowite, unoszące się w powietrzu tekstury zostały stworzone przez Zawinula grającego akordy, podczas gdy Shorter dmuchał w fortepian saksofonem sopranowym. Awangardowy kierunek rozwoju zespołu został najlepiej zaprezentowany na prawdopodobnie najlepszym nagraniu Live In Tokyo (Columbia, 1972). Długie medley’e na stronie albumu zawierają tekstury post In A Silent Way, bas Miroslava Vitousa naśladujący trąbkę Milesa Davisa, eteryczną perkusję i efekty wokalne Dom Um Romao. Jest to najbardziej zmienne, niepohamowane granie Weather Report na płycie – zupełnie inne zwierzę niż to, które większość ludzi kojarzy z zespołem na takich albumach jak Black Market (Columbia, 1976) i ich bestsellerze Heavy Weather (Columbia, 1978). W 1973 roku Zawinul poczuł potrzebę zmiany kierunku w zespole, odchodząc od abstrakcji pierwszych trzech albumów w stronę bardziej groove’owego kierunku, który zawierał więcej niż kilka nasion kiełkujących w gatunku world music począwszy od Sweet Nighter (Columbia, 1973). Do 1978 roku zespół miał już stałego perkusistę Alexa Akunę, Jaco Pastorius zastąpił Alphonso Johnsona i nagrał Heavy Weather. Album zawiera jedne z najbardziej dopracowanych kompozycji grupy z „Birdland”, „A Remark You Made” i „Palladium” Wayne’a Shortera. Krytycy gardzili faktem, że zespół osiągnął status gwiazdy rocka, a ręka Zawinula stała się o wiele cięższa kompozytorsko i w teksturach muzyki, co w końcu doprowadziło do odejścia Jaco Pastoriusa z powodu coraz bardziej przytłaczającego wpływu Zawinula. Kompozycje Shortera stawały się coraz mniej liczne na albumach, a po wydaniu w 1985 roku albumu This Is This, grupa rozpadła się. Muzyka Weather Report pozostaje ogromnie wpływowa w jazzie i innych gatunkach muzycznych – na przykład zespół miał ogromny wpływ na francuską grupę elektroniczną Deep Forest, prowadzoną przez producenta i klawiszowca Erica Mouqueta i Michela Sancheza. Zawinul wystąpił w utworze „Deep Weather”, który jest ukłonem w stronę nazwy zespołu.
Miles Runs The Voodoo Down (Again)
Do początku lat 70-tych Miles Davis był pogrążony po kolana we wpływach Jimiego Hendrixa, Jamesa Browna i Sly Stone’a, muzyki, którą głęboko kochał dzięki swojej żonie Betty Davis. Trębacz szukał nowych dróg i chciał uchwycić brzmienie ulic czarnej Ameryki, a rezultatem tej potrzeby uchwycenia miejskości tego, co słyszał, było On The Corner (Columbia, 1972), wspaniały melanż elementów indyjskich, elektronicznych i afrykańskich. W fascynującej, często wściekłej wymianie zdań, perkusista James Mtume debatował ze Stanleyem Crouchem (znanym ze swego skrajnie prawicowego stanowiska purysty jazzu akustycznego) na temat zalet tej muzyki. Posługując się koncepcjami estetycznego upadku, technicznego wyczerpania i społecznej przestarzałości, przedstawionymi przez krytyka muzyki klasycznej Henry’ego Plesantsa, Mtume wyjaśnił, że Davis poszukiwał nowych dróg ekspresji, wykorzystując wah wah, intensywne afrykańskie rytmy i modulację metryczną, by stworzyć coś nowego. Modulacja metryczna stosowana w zespołach Davisa z lat 1973-75 jest szczególnie fascynująca z tego tylko powodu, że jest całkowicie przećwiczona, by płynnie przechodzić w kolejne dźwięki, a jednocześnie zachowywać iluzję czegoś całkowicie improwizowanego. To ciało pracy, zwłaszcza nagrania na żywo, pozostają jednymi z najbardziej stymulujących trębacza i jednymi z najpotężniejszych jazzu dekady.
Inne nurty i wnioski
Podczas gdy jazz-rock i jazz-funk zdominowały sprzedaż, istniały inne ruchy w muzyce. ECM, założona przez Manfreda Eichera w 1969 roku, oferowała ambientowe, w dużej mierze akustyczne, kameralne podejście do muzyki z wytwórni znanej z nieskazitelnych, krystalicznych dźwięków i bujnej, przestrzennej jakości z tonami pogłosu. Keith Jarrett, Paul Bley i Chick Corea wnieśli znaczący wkład na arenę pianistyki solowej, przy czym zwłaszcza Jarrett i Bley na nowo zdefiniowali ten idiom. Wraz z perkusistami takimi jak Jon Christensen i Jack DeJohnette, powstała rytmiczna koncepcja pomiędzy swingiem a prostymi ósemkami, która na nowo zdefiniowała nowe pokolenie. Pat Metheny, Gary Burton, Ralph Towner i inni stworzyli znaczące dzieła dla ECM i do dziś wytwórnia ta pozostaje progresywną siłą. Wytwórnie takie jak Pablo, Concord i Xanadu wniosły do tradycji straight ahead jazz, a kwintet VSOP Herbiego Hancocka z Freddiem Hubbardem, Waynem Shorterem, Ronem Carterem i Tonym Williamsem położył podwaliny pod pełnowymiarowe odrodzenie akustycznego jazzu, któremu przewodził Wynton Marsalis w latach 80-tych. W latach 70-tych akustyczny, bezpośredni jazz zawsze był tworzony, ale nie był tak popularny i nie było zbyt wielu okazji, by go nagrywać. Grupy takie jak Steps Ahead wibrafonisty Mike’a Mainieri, w których skład wchodziły takie asy studia jak Don Grolnick, Michael Brecker, Eddie Gomez i Steve Gadd, łączyły straight ahead z aktualnymi trendami, tworząc mapę drogową dla tego, co ostatecznie stanie się smooth jazzem, wraz z płytami Boba Jamesa, Lee Ritenoura i GRP. Aby zrozumieć wpływ jazzu lat 70-tych, warsztaty takie jak Modern Jazz Ensemble prowadzone przez Sebastiana Noelle mogą pomóc w umocnieniu dzisiejszych urządzeń muzycznych, które wyewoluowały z tamtej epoki w New York Jazz Workshop.