På 45-årsdagen er her 10 ting, du måske ikke vidste om Led Zeppelins femte album.
1. “The Song Remains the Same” var oprindeligt et instrumentalt nummer kaldet “The Overture.”
Albummet åbner med en triumferende, Page-ledet procession, der passer til Led Zeppelins status som rockkongehus. Guitaristen strukturerede sangen som en indviklet minisuite, hvor han kontrasterede bombastiske stænk af svæveakkorder (der minder om hans Yardbirds-skæring “Tinker, Tailor, Soldier, Sailor” fra 1967) med delikate akustiske elementer. “The Song Remains the Same” blev præsenteret for bandet under arbejdstitlen “Worcester And Plumpton Races” – en intern reference til hans og Plants respektive ejendomme – og blev første gang opført under Zeppelins turné i Japan i oktober 1972, hvor den blev præsenteret fra scenen skiftevis som “The Campaign”, “The Overture” og nogle gange bare “Zep”. Det endelige navn kom fra Plants sangtekst, hvor han uddrager visdom, som han har fået i løbet af bandets lange tid på landevejen. “Hver gang jeg synger, forestiller jeg mig bare det faktum, at jeg har været rundt og rundt i verden, og at der i bunden af det hele er en fællesnævner for alle,” sagde han til NME i 1973. “Den fællesnævner er det, der gør det godt eller dårligt, uanset om det er en Led Zeppelin eller en Alice Cooper.”
2. George Harrison gav inspiration til “The Rain Song”, efter at han havde klaget over bandets repertoire.
George Harrison støttede Led Zeppelin enormt meget og gav endda en gæsteoptræden ved John Bonhams 25-års fødselsdag i 1973 – hvor han kærligt kastede kage i hovedet på æresmanden. (Bonzo smed ham i poolen for sine problemer.) Efter en af bandets maratonkoncerter på tre timer i Los Angeles hilste en passende imponeret Harrison varmt på Zeppelin backstage ved at udbryde: “Fuck me! Med Beatles var vi på i 25 minutter og kunne komme af på 15 minutter!” Men trods alle hans komplimenter var den såkaldte stille Beatle tilsyneladende skuffet over Zeps mangel på stille numre. “George talte med Bonzo en aften og sagde: “Problemet med jer er, at I aldrig laver ballader”,” fortalte Page til biografen Brad Tolinski. “Jeg sagde: ‘Jeg vil give ham en ballade’, og jeg skrev ‘Rain Song’, som er med på Houses of the Holy. Faktisk vil du bemærke, at jeg endda citerer ‘Something’ i sangens to første akkorder.” Han udfyldte sangen i sit hjemmestudie i Plumpton, som delvist bestod af den Pye Mobile Studio-enhed, der blev brugt til The Who’s Live at Leeds-album i 1970. Han var klar over, at denne nye komposition ikke ligefrem levede op til konsollens hårde rockede stamtavle, og han gav den derfor den sarkastiske arbejdstitel “Slush”.
For Plant, som bidrog med teksten, var “The Rain Song” symbolsk for det “æteriske” resultat, som hans partnerskab med Page gav. “Nogle gange har vi backingbånd med numre, som vi har udarbejdet, og nogen siger: “Nå, men vi har sgu ingen tekster”,” fortalte Plant til Rolling Stone. “‘The Rain Song’ var bare en slags lille forelskelse, som jeg havde. Næste morgen kradsede jeg den ud. Hvis jeg havde lavet den dagen efter, ville den ikke have været god nok.” Han ville beholde en forkærlighed for nummeret gennem årene og nævnte det som en af sine favoritter i et interview i 2005. “Jeg vil sige, at på ‘Rain Song’ lød jeg bedst. Jeg var nået til et punkt, hvor jeg vidste, at for at blive god kunne jeg ikke gentage mig selv. De høje falsetskrig var blevet en slags visitkort.”
3. Eddie Kramer blev inviteret tilbage som teknisk direktør, på trods af et grimt skænderi om indisk mad.
Og selv om Page nominelt er opført som producer på alle bandets albums, var hans samarbejde med den virtuose indspilningstekniker Eddie Kramer på Led Zeppelin II fra 1969 med til at smede en afgørende komponent af bandets tidlige lyd. Men forholdet blev anstrengt efter sessionerne til Led Zeppelin III det følgende år. “Med Zeppelin blev det en kamp, fordi de begyndte at komme ind i studiet med en sådan attitude”, huskede Kramer i 2003. Tingene nåede et bristepunkt på Electric Lady – det kreative laboratorium i New York, som han havde designet sammen med Jimi Hendrix – da Zeppelin smadrede studiet på den muligvis mindst rockede måde, man kan forestille sig. “Bandet bestilte noget indisk mad, og en hel masse af det blev spildt på gulvet,” sagde Kramer. “Jeg bad roadierne om at være søde at rydde det op. Studiet var helt nyt, og jeg var meget stolt af det. Pludselig råber de: “Du skal ikke fortælle vores roadies, hvad de skal gøre! Og de trak sig ud; de gik, og jeg talte ikke til dem i omkring et år!”
Kramer var ikke involveret i Led Zeppelin IV fra 1971, men da arbejdet begyndte på deres femte album, besluttede Page at bringe ham tilbage i folden. Ifølge ingeniøren var den tidligere konfrontation vand under broen: “De ringede tilbage og bad mig om at indspille dem igen, som om intet var sket.”
4. Grundlaget for albummet blev indspillet på Mick Jaggers landsted, Stargroves.
Med deres tredje udgivelse i 1970 forsøgte Led Zeppelin at undslippe de kedelige rammer i traditionelle optagelsesstudier ved at tilbringe en del af deres album-sessioner i et intimt landsted på landet. Det var en idé, der var lånt fra The Band, som havde et fælles hjem nær Bob Dylans tilflugtssted i Woodstock, New York, i den nordlige del af staten. “Jeg vidste ikke præcis, hvordan The Band havde indspillet deres Music from Big Pink-album eller The Basement Tapes, men rygtet gik på, at det var sket i et hus, de havde lejet,” forklarede Page i Guitar World. “Jeg vidste ikke med sikkerhed, om de havde gjort det, men jeg kunne godt lide tanken. Jeg tænkte, at det bestemt var et forsøg værd at tage et sted hen og virkelig leve det, i stedet for at besøge et studie og tage hjem. Jeg ville se, hvad der ville ske, hvis vi kun havde denne ene ting for øje – at lave musik og bare virkelig leve oplevelsen af det.”
Pages foretrukne flugtsted havde været Headley Grange, en landejendom i Hampshire, der havde tjent bandet godt under sessionerne til Led Zeppelin III og IV. Men da det ikke var tilgængeligt i foråret 1972, flyttede Zeppelin-holdet til Stargroves, Mick Jaggers gods i det nærliggende East Woodhay. Sangerens købte huset i 1970 for 55.000 pund fra en lokal aristokrat, og det var blevet brugt af Rolling Stones til at indspille numre til Exile on Main Street og Sticky Fingers, og for nylig blev det lejet af The Who under optagelserne til Who’s Next. Da Zep forlod huset i maj 1972, havde de til hensigt at udnytte de forskellige rum fuldt ud. “Det lød vidunderligt, fordi man kunne få denne fantastiske variable akustik i hvert rum med trommer i vinterhaven, hvor vi satte Bonham,” husker Kramer. “Så kunne man selvfølgelig sætte Jimmys forstærker ind i en pejs og stikke en mikrofon ned i den og alt den slags ting. Det var bare muligheden for at kunne ændre lyden uden at gå nogen steder hen.”
Teknikeren overværede begivenhederne fra sit udsigtspunkt i Rolling Stones’ helt egen mobile indspilningsbil, som var parkeret i indkørslen. Af og til åbnede han bagdørene og gav bandet en udendørs afspilning. “Jeg kan huske Bonzo, Plant, Page og Jones ude på græsplænen og lytte til afspilninger af ‘D’yer Mak’er og ‘Dancing Days’, hvor de alle gik som Groucho Marx i sync, med skridt bagud og skridt fremad i takt til musikken, ligesom børn.” Mange af numrene blev færdiggjort på Electric Lady og i Londons Olympic Studios, men tiden på Stargroves var med til at indfange den frie kreativitet, som man finder på det endelige album. “Da vi først tog derned, havde vi ingen faste idéer,” fortalte Page biografen Ritchie Yorke. “Vi indspillede bare de idéer, som hver enkelt af os havde på det pågældende tidspunkt. Det var simpelthen et spørgsmål om at komme sammen og lade det komme ud.”
5. Titlen på “D’Yer Mak’er” er afledt af en gammel music-hall vittighed.
Få sange i Led Zeppelins kanon er så splittede – selv inden for bandet selv – som denne reggae-agtige ballade. Lige så splittende er udtalen af titlen, som mange uindviede (til stor morskab for Robert Plant) formulerer som “Dear Maker”, idet de mener, at den har kvasi-spirituelle overtoner. I stedet har det legesyge nummer sit navn fra en gammel britisk music-hall vittighed med en stønnende punchline. “My wife’s gone to the West Indies”, begynder udvekslingen. “Har du fået hende til det?” (Med en tyk Cockney-akcent: “Jamaica?”) “Nej, hun tog af egen fri vilje.” Pause for latter.
Sangen blev dannet i et muntert øjeblik i slutningen af den session, der producerede albummets åbner. “Vi havde lige lagt ‘The Song Remains the Same’ ind, som er en rigtig god sang,” fortalte Plant til Zig Zag i 1973. “Det var omkring klokken 5 om morgenen, og jeg havde i lang tid håbet på at lave noget som … Det blev født der og der.” Den oprindelige hensigt havde været at lave en reggae-pastiche blandet med popmelodramatik fra de tidlige tressere, men Bonhams kolossale trommer styrede sangen i en helt anden retning. “John var interesseret i alt undtagen jazz og reggae,” forklarede Jones. “Han hadede ikke jazz, men han hadede at spille reggae – han syntes, det var virkelig kedeligt. Da vi lavede ‘D’yer Mak’er’, ville han ikke spille andet end det samme shuffle-beat hele vejen igennem. Han hadede det, og det gjorde jeg også. Det ville have været helt i orden, hvis han havde arbejdet på den del – hele pointen med reggae er, at trommerne og bassen virkelig skal være meget strenge med hensyn til, hvad de spiller. Og det ville han ikke, så det lød forfærdeligt.”
Trods rytmegruppens åbenlyse uvilje mod sangen resulterede Plants entusiasme i beslutningen om at udgive “D’yer Mak’er” som en amerikansk single i september 1973, sammen med “The Crunge”. Selv om Page senere indrømmede, at det var et “selvudleverende” træk at udgive numre, som han beskrev som “send-ups” og “sjov”, var han slet ikke forberedt på den store antipati mod melodien, som kom til udtryk. Selv en hyldest i liner-noten til Rosie and the Originals, som indspillede den langsomme ballade “Angel Baby” i 1960, formåede ikke at lede fans i den rigtige stilistiske retning. “Jeg havde ikke forventet, at folk ikke ville forstå den”, sagde en forvirret Page til forfatteren Dave Schulps. “Jeg troede, det var ret indlysende. Selve sangen var en krydsning mellem reggae og et 50’er-nummer; ‘Poor Little Fool’, Ben E. Kings ting og den slags ting.”
Men Jones’ syn på nummeret blev ikke bedre med tiden. Han beskrev det taktfuldt som “ikke mit yndlingssnummer” i et interview med Alan di Perna i 1991. “Det får mig til at krybe en smule sammen. Det startede egentlig som en joke … men jeg var ikke tilfreds med den måde, det endte på. Robert kunne virkelig godt lide den, selv i et band har folk forskellige meninger om sangene.”
6. “The Crunge” byder på en kærlig parodi på James Brown.
Zeppelins funky adspredelse på Houses of the Holy rivaliserer med “D’yer Ma’ker” som en top-argument-starter blandt bandets trofaste. De to sange deler en lignende baggrundshistorie: De blev begge født fra et improviseret jam i studiet og skubbet i en ny retning af Bonhams karakteristiske trommemønstre. “Bonzo dikterede en usædvanlig taktart, når vi skrev, eller han fandt på noget i et jam,” fortalte Jones til Musician’s Matt Resnicoff. “Eller igen, han ville starte et riff, der var mærkeligt, usædvanligt eller bare interessant. ‘The Crunge’ var sådan noget.” I dette tilfælde valgte trommeslageren en langt fra standard 9/8-taktsignal. “Den har det ekstra halve beat, hvilket var en genial, genial ting,” sagde Page. Den synkoperede puls bragte tankerne hen på et stivviklet guitar lick, som Page havde leget med siden 1970. “Bonzo startede groovet på ‘The Crunge’, så begyndte Jonesy at spille den nedadgående baslinje, og så kom jeg bare ind på rytmen,” fortalte han Guitar World. “Jeg spillede på en Strat på den – jeg ville have den stramme James Brown-fornemmelse.”
Når det blev tid til at tilføje vokalen, tog Plant endnu et stikord fra Soulens gudfar. Da mange af Browns sessioner blev optaget med få prøver, blev hans instruktioner midt i sangen til bandet noget af et varemærke. Med dette i baghovedet forsøgte Zeppelin-sangeren i første omgang at lave sin egen tydelige britiske version af disse talte ord-breakdowns. “Bonzo og jeg ville gå ind i studiet og tale ‘Black Country’ igennem det hele”, sagde Plant. “Som: ‘Aah bloody hell, how you doin’ you all right mate?'” Ideen blev i sidste ende afvist, ligesom en plan om at inkludere trin til en ikke-eksisterende dans (kaldet “The Crunge”, naturligvis) i liner notes. Det sidste nummer beholdt stadig sin JB-flair, lige fra den løse studio vérité-åbning (Page kan høres tale med ingeniør George Chkiantz) til Plants snak. “Jeg elsker alle de James Brown-ting, som Robert laver om at tage den til broen, for der er selvfølgelig ingen bro i dette nummer,” siger Kramer til Team Rock. “Det er derfor, at det er en sjov slutning: Hvor er den forbandede bro?”
Bandet opførte en særlig version af sangen under en koncert i L.A. Forum i marts 1975, hvor den blev koblet sammen med et cover af Browns “Sex Machine”. I modsætning til “D’yer Mak’er” bevarer Jones en stærk forkærlighed for Houses of the Holy Side One-lukkeren. “‘The Crunge’ er genial – meget tight, virkelig, når man tænker over det. Det er en af mine favoritter.”
7. Coverfotograferingen var et 10-dages slid for to unge søskende.
Det slående coverfoto til Houses of the Holy forestiller en horde unaturligt farvede vilde børn, der bevæger sig op ad en gammel skråning af geometriske sten, og det fremkalder bandets fascination af det overnaturlige og science fiction i lige høj grad. Det surrealistiske billede er inspireret af 2001: A Space Odyssey-forfatteren Arthur C. Clarkes bog Childhood’s End, hvor børn klatrer ud over kanten af verden, og det blev skabt af designteamet Hipgnosis, hvis øjeblikkeligt mindeværdige kunst for bl.a. Pink Floyd, T. Rex og ELO gjorde dem til en favorit blandt rockeliten i begyndelsen af halvfjerdserne.
“En dag ringede telefonen, og det var Jimmy Page,” fortalte Hipgnosis’ medstifter Aubrey “Po” Powell til Rolling Stone i 2017. “Han sagde: ‘Jeg har set et albumcover, som du har lavet til et band, der hedder Wishbone Ash,’ som var Argus. ‘Kunne du tænke dig at lave noget for Led Zeppelin?'” Guitaristen ville ikke gøre det let for dem og nægtede at give et forslag til titel, et hint om deres musik eller bare et glimt af en tekst. “Meget Jimmy – meget esoterisk og mærkeligt. Han sagde: ‘Mød mig om tre uger, og kom med nogle idéer. Du ved, hvilken slags band vi er.”” Desværre fik samarbejdet en ujævn start, da Powells partner, Storm Thorgerson, ved et uheld fornærmede Page med et af hans coverkoncepter. ” kom ind med et billede af en elektrisk grøn tennisbane med en tennisketcher på,” huskede Page i Guitar World. “Jeg sagde: “Hvad fanden har det med noget at gøre? Og han sagde: ‘Racket – forstår du det ikke?’ Jeg svarede: “Prøver du at antyde, at vores musik er en larm? Forsvind! Vi så ham aldrig igen. … Det var en total fornærmelse – racket. Han havde nogle nosser!”
Gluksomt nok var Powell i stand til at glatte tingene ud og præsentere andre ideer. En af dem gik ud på at indgravere bandets “ZoSo”-symboler i Nazca-linjerne i Peru (“Hvilket jeg ikke tror ville være faldet særlig godt i god jord hos de peruvianske myndigheder,” indrømmede Powell senere). I stedet valgte de at optage ved den geologiske formation, der er kendt som Giant’s Causeway i Nordirland. I stedet for at flyve et væld af børn ind, tog Hipgnosis kun to med – et par unge søskende ved navn Samantha og Stefan Gates på henholdsvis syv og fem år. “Vi boede på et lille gæstehus i nærheden af Giant’s Causeway,” husker Stefan, som voksede op og blev en populær tv-personlighed i Storbritannien. “Jeg har hørt folk sige, at de satte parykker på flere børn. Men der var kun mig og min søster, og det er vores rigtige hår. Jeg plejede at elske at være nøgen, da jeg var i den alder, så det gjorde mig ikke noget. Jeg kunne piske tøjet af med det samme og løbe rundt og have det sjovt, så jeg var i mit rette element.” Hans søsters erindringer om den 10-dages udflugt var markant mindre solrige. “Jeg husker optagelserne meget tydeligt, primært fordi det var iskoldt og regnede hele tiden,” fortalte hun til Daily Mail i 2007. “Vi var nøgne i mange af de modeloptagelser, vi lavede, intet blev tænkt på det dengang. Det kunne man nok ikke slippe af sted med i dag.”
Det dårlige vejr skabte flere problemer end bare ubehag. “Det væltede ned med regn i en uge, og jeg kunne ikke tage billedet,” forklarer Powell. “Så jeg sagde: ‘Okay, jeg vil lave en collage i sort/hvid, alt sammen lavet af børn’.” Den oprindelige plan havde været, at deres kroppe skulle være farvet i guld og sølv, men den grå himmel fik dem til at fremstå som udvasket hvide figurer, hvilket gjorde det nødvendigt at farvelægge billedet i hånden. Den omhyggelige retoucheringsproces tog to måneder, hvilket tvang bandet til at skubbe udgivelsesdatoen for albummet fra januar til marts. Med Zeppelins formidable manager Peter Grant i nakken kunne Hipgnosis ikke tillade sig at forsinke det, da airbrush-kunstneren ved et uheld gav børnene en lilla farve. “Da jeg så det første gang, sagde jeg: ‘Åh, min Gud’. Så kiggede vi på det, og jeg sagde: ‘Vent lige lidt, det her har en overjordisk kvalitet’,” siger Powell. “Så vi lod det være, som det var.” Han præsenterede det endelige produkt for Page og Grant i bagagerummet på sin bil efter en Zeppelin-koncert. “Vi står der, og Jimmy er Jimmy, cigaret i munden, ryger voldsomt, langt hår overalt, stadig klædt i sit scenetøj. Omkring 200 mennesker havde samlet sig omkring bilen for at kigge på kunstværket. Det var surrealistisk. Og jeg fik en klapsalve fra alle folk på stationen.”
8. Der blev oprindeligt indspillet et titelnummer, men det blev i sidste ende fjernet fra albummet.
I modsætning til stilen fra deres tidligere album gav Led Zeppelin deres femte fuldlængde et navn, der bestod af mere end romertal og/eller kryptiske symboler. Houses of the Holy tog sin titel fra en sang, som Page havde komponeret, med en tekst, der hylder både “hellige” steder for teenagefællesskab – herunder biografer, drive-ins og endda koncertarenaer – og den menneskelige sjæls udstrækning. “Det handler om, at vi alle sammen på en måde er huse for Helligånden,” afslørede han i et interview i 2014 på Sirius XM. Nummeret var blevet indspillet og mixet under sessioner i Electric Lady Studios i juni 1972, men ironisk nok blev det klippet fra det album, der bar dets navn. Tilsyneladende mente gruppen, at nummeret lignede for meget det mid-tempo struttende “Dancing Days” og beholdt i stedet nummeret til deres næste album, dobbeltpladen Physical Graffiti fra 1975.
9. På den ledsagende turné lejede bandet deres berømte privatfly, Starship.
Led Zeppelins nordamerikanske turné i 1973 slog publikumsrekorder og overgik endda Beatles’ legendariske koncert på Shea Stadium, efter at 56.800 fans havde proppet sig på Tampa Stadium den 5. maj for at se Page, Plant, Jones og Bonham fremføre udvalgte stykker af deres seneste værk. Da bandet nu var rockens ubestridte erobringshelte, havde de brug for en tur, der kunne matche dem. For at undgå besværet med at skifte hotel dagligt besluttede de at placere sig i en håndfuld større byer og chartre et fly til at fragte dem til og fra deres natlige koncerter. Journalisten Chris Charlesworth, der var med på turnéen, husker, at han så roadies møde bandet med “store røde badekåber klar til at tage på, når de kom ned fra scenen”. De tog dem op efter ekstranummeret og kørte dem til lufthavnen, mens publikum stadig var på stadion og jublede efter mere.” Zeppelin har aldrig været de mest entusiastiske flyvere og fandt deres første fly, et Falcon 20 forretningsfly, trangt og ubehageligt. Da en slem turbulens truede med at slå flyet ud af luften efter det næstsidste show på turneens første etape, besluttede de sig for at smide Falcon-flyet ud for altid. Peter Grant gav turnémanager Richard Cole til opgave at finde et nyt fly og krævede, at han ikke sparede på luksus og sikkerhed – i den rækkefølge.
The Starship opfyldte denne opgave tusind gange. Det var en tidligere Boeing 720B fra United Airlines og var blevet købt af teenageidolet Bobby Sherman og hans manager Ward Sylvester tidligere i årtiet, og parret havde brugt mere end 200.000 dollars på at omdanne det 138-sæders passagerfly til, hvad Cole rammende beskrev som “et fucking flyvende gin-palads”. Faciliteterne omfattede en overpolstret sofa, der løb i hele flyets længde, en fuldt udstyret messingbar med et indbygget elektrisk orgel, en topmoderne Sony U-matic videoafspiller med alt fra Marx Brothers’ komedier til den nyeste porno, en separat salon med en falsk baronisk pejs og en privat master suite komplet med bruser og en vandseng dækket af hvid pels. (“Der var en plakat, der sagde, at sengen ikke måtte benyttes under start eller landing,” husker Sylvester.)
Den pligtopfyldende road manager betalte 30.000 dollars for en tre ugers leje af Starship, plus flyveomkostninger på 2.500 dollars i timen. Efter at der var foretaget nogle afgørende tilpasninger – som at få malet “Led Zeppelin” på skroget – blev flyet præsenteret for bandet i Chicagos O’Hare lufthavn den 6. juli. Selv Hugh Hefners privatfly, der var parkeret i nærheden, var ikke meget i sammenligning. “Vi var ikke det eneste band, der havde sit eget fly”, bemærkede Page, “men vi var de eneste, der havde et voksenfly.”
Mens Starship senere var vært for Elton John, Allman Brothers, Rolling Stones, Deep Purple, Alice Cooper og Peter Frampton, satte fortællingerne om Zeppelins udskejelser under flyvningen standarden. De, der var i hangar, måtte nøjes med at ligge på drejelige lænestole i klublokalet, hvor de nogle gange fik en serenade af Jones, der spillede pubfavoritter som “I’ve Got a Lovely Bunch of Coconuts” på orgelet, men medlemmer af den inderste kreds fik adgang til soveværelset i agterkvarteret til “horisontal takeoff”. (Plant påstod engang, at hans yndlingsminde fra flyet var “oralsex under turbulens”.) Mad og sprut blev serveret af to unge stewardesser, Bianca og Suzee, som tog imod deres drikkepenge i form af sammenrullede hundreddollarsedler belagt med hvidt pulver. De fortjente helt sikkert lidt ekstra for at holde nogle af de mere uregerlige bandmedlemmer i skak. “John Bonham forsøgte engang at åbne flydøren over Kansas City, fordi han skulle tisse,” fortalte Suzee til New York Times i 2003. Trommeslageren udviklede også en passion for at køre i cockpittet, hvor grænsen mellem passager og pilot blev udvisket. “Han fløj os hele vejen fra New York til L.A. en gang”, fortalte Grant engang til Charlesworth, “Han har ikke noget kørekort, men …”
10. Rolling Stone var ikke venlig over for albummet ved udgivelsen.
De samtidige kritikere var usikre på, hvad de skulle mene om Houses of the Holy, da det blev udgivet i marts 1973. Albummet blev mødt med middelmådige anmeldelser, hvoraf mange hævdede, at Zeppelin havde bevæget sig for langt væk fra deres tidligere albummer med fuld gas-rock. “Plant og Page er mærkeligt sløve og tomme og eksploderer kun lejlighedsvis på ‘Dancing Days’ og ‘The Rain Song’,” lød det i en artikel i Disc & Echo. “Efter to eller tre gennemlytninger kommer Houses of the Holy til at fremstå som et inkonsekvent værk.” Selv Chris Welch, der repræsenterede det normalt pro-Zep-udsalg Melody Maker, gav tommelfingeren nedad og trompeterede “Zeppelin lose their way.”
Det var dog Rolling Stone, der leverede nogle af de mest brutale slag. Bladets kritikere har aldrig været de mest glødende tilhængere af bandet, men Gordon Fletchers anmeldelse i nummeret af 7. juni 1973 nåede nye niveauer af verbal vildskab. “Houses of the Holy er et af de kedeligste og mest forvirrende albums, jeg har hørt i år”, erklærede han – en fantastisk indrømmelse fra progrockens storhedstid. Derefter gik han videre til at angribe hvert enkelt bandmedlem individuelt for deres opfattede mangler. “Jimmy Page’s guitar spytter takkede ildkugler med John Paul Jones og John Bonham, der ripper med bag ham, men effekten ødelægges af latterlige backup-sange og en anmassende ‘killer’-coda, der er så åbenlys, at den kun kan opfattes som en hån mod straight rock & roll.” Han forbeholder sig særlig foragt for de to “nøgne efterligninger” – “The Crunge” og “D’yer Mak’er” – som han afviser som “nemt de værste ting, som dette band nogensinde har forsøgt sig med”. Selv de numre, der formår at undgå at jage “rockens seneste modefænomen”, tjener kun til at fremhæve Page & Co.’s “songwriting-mangler”. “Deres tidligste succeser kom, da de bogstaveligt talt stjal blues-likes note for note, så det burde vel have været forventeligt, at der var noget drastisk galt med deres eget materiale.” Afslutningsvis opfordrer han bandet til at holde sig til deres “blues-rock”-rødder. “Indtil de gør det, vil Led Zeppelin forblive Limp Blimp.”
Fire årtier senere fik Rolling Stone’s Kory Grow mulighed for at gense albummet i forbindelse med deluxe-genudgivelsen i 2014. Han viste sig at være mere tolerant over for bandets ønske om at udvide deres kreative palet. “Årtiers mætning af klassisk rockradio har gjort nogle af disse sange til kanon,” skriver han, “men når de sættes ind i konteksten mellem Led Zeppelins fjerde plade og det dybe dyk på dobbelt-LP, som Physical Graffiti var, afslører de et band, der var ivrige efter forandring.”