「コンセプト・アートでは、アイデアやコンセプトが作品の最も重要な側面であり、すべての計画や決定は事前に行われ、実行はその場しのぎとなる。 アイデアは芸術を作る機械になる。”
ソル・ルウィット：「コンセプチュアル・アートのパラグラフ」、『アートフォーラム』夏号、1967年。
古典的な絵画は、事実上無限の不特定かつ特定不可能な特性を持つ物質的物体であり、それにもかかわらず、作家が目撃した（したがって承認した）ものとされているので、作品の同一性のために構成的であると考えられているのである。 だからこそ、画廊ではコピーや説明文ではなく、オリジナルの絵画を展示するのである。 (Languages of Artにおけるコピーとフェイクについてのネルソン・グッドマン参照)
しかし、芸術が実際、明示的、言説的に明確にされた概念を実現することによって作られる場合、作品の実現を省略し、根本的な概念を「観客」に直接伝える可能性が出てくるのである。 クラシック音楽では、この可能性はすでに数世紀前から存在していた。なぜなら、それは常に、作品の意図された特性を詳細に規定した楽譜の実行に基づいているからである。 実際、楽譜を読む人もいますが、演奏して聴くことの方が常に人気があります。
楽譜は、現代美術における「コンセプト・アート」の伝統の最も顕著なルーツの1つとなっています。 1960年頃、ニューヨークの作曲家数人と「国際フルクサス運動」の海外の仲間たちが、ジョン・ケージの教え（具体的には、演劇を含む音楽の一般化、不確定性への興味、抽象的な時間構造の強調）に触発されて、言葉による作品を書き始めました。 これらの作品（ジョージ・ブレヒト、ラ・モンテ・ヤング、ヘンリー・フリント、トニー・コンラッド、ディック・ヒギンズ、オノ・ヨーコ、エリック・アンダーセン、ベン・ヴォーティエ、その他数名）は、かなり曖昧だったり、音とは関係なかったり、明らかに実行するより読む方が素敵だったり、そもそも実行不可能だったりすることが多い。 それらは文学でない言葉の芸術作品であり，従来の文字通りの言葉を使って，物事のクラス，出来事，あるいは概念を表現しているのである． 楽譜」は自律した芸術作品として扱われ、実行可能な意図を持たずに本や雑誌に掲載することができる。 (それでも、多くのワード・ピースは「演奏」可能である（し、実際に演奏されている）。 フルクサス作品のうち演奏可能なものは、しばしば「コンサート」の文脈で「イベント」として実行され、また一部は視覚芸術作品として実現されてきた。 (例えば、「ポップ・アートの再定義」展（ヘイワード・ギャラリー、ロンドン、1969年）では、ジョージ・ブレヒトの作品が実現されている）
ローレンス・ワイナー、ソル・ルウィット、ロバート・バリーといった後のコンセプチュアルなアーティストたちは、「言葉の作品」を視覚芸術の文脈で提示した。 ワイナーは、言葉による説明を自律的な作品として扱い、その実行可能性について何の意図も持たずにギャラリーの壁に展示することができた。 一方、ソル・ルウィットの作品は、明らかに熟考されるよりも実現されることを意図していた。 フルクサスの作品は、私信や発行部数の少ない雑誌、小規模な「コンサート」を通じて広まっていった。 後の、より視覚的志向の強い「コンセプチュアル・アーティスト」（ワイナー、ルウィット、バリー、コスート、アート & ランゲージ）の作品は、商業画廊や主要美術館に販売され、現代美術史の正典に入りやすくなった。