Un mezzo antico per comunicare messaggi che riflettono le tendenze sociali, la danza sociale è un partnering secolare tra maschi e femmine o una partecipazione tra gruppi. Il secolare e il sacro si combinano in alcune culture, e alcune religioni vietano la danza. Radicato principalmente in Europa, Africa e America Latina, il ballo sociale in America è tanto vario e mutevole quanto i suoi gruppi culturali, di età e geografici. Gli atteggiamenti verso il corpo e la sessualità in pubblico influenzano gli atteggiamenti verso la danza sociale, che è arrivata ad includere danze più sexy e dal ritmo più veloce.
Storia antica
La Nuova Inghilterra dominata dai puritani nel diciassettesimo secolo aveva leggi contro la danza e puniva i trasgressori. Solo i bambini erano autorizzati a giocare; l’etica protestante sosteneva che tale comportamento era nemico del lavoro e una distrazione dagli scopi spirituali della vita. Ma la maggior parte dei coloni in America ballava. Come mezzo per migliorare la vita sociale di una persona, i maestri itineranti insegnavano la danza con il suo galateo. La danza ricreativa aveva preso piede nelle colonie al tempo della rivoluzione americana. Infatti, George Washington e Thomas Jefferson erano zelanti ballerini. Le danze formali come il minuetto richiedevano abilità, ma le danze di campagna erano per tutti. John Playford raccolse per la prima volta le danze di campagna inglesi in un libro nel 1651, e pubblicò successive edizioni di manuali di danza fino al 1728. Le danze sociali si tenevano nelle fiere di paese, nei jamborees, nei rotolamenti di tronchi, nelle api di sgusciatura e di quilting, nelle raccolte di fienili, nelle case, nei centri comunitari, nelle strutture religiose, nelle piazze delle città, nelle assemblee formali, nei cotillons, nelle sale da ballo, nelle sale dei pompieri, negli hotel, nei nightclub e negli stadi.
Scopo e crescita
La danza spesso segna fasi cruciali del ciclo della vita, specialmente le feste dei “sedici anni” e i matrimoni. Incoraggiando l’allegria e scacciando il dolore, la danza rende anche manifesta la buona salute, fornisce un sano esercizio fisico e aiuta a mantenere le persone giovani. Una fuga dalle realtà mondane del mondo quotidiano, la danza fornisce spesso un sentimento libero e uno stato alterato di coscienza. La danza è un luogo di auto-espressione così come un modo per provare diversi ruoli e fantasie.
Una forma accettabile di contatto corporeo con un’altra persona così come una forma accettabile di scambio di coppia, la danza è un modo per le persone di incontrarsi e corteggiare. Ogni generazione si distingue con i propri movimenti (spesso versioni riciclate di danze precedenti), insieme al decoro sociale, ai codici di abbigliamento e alla musica. Alcuni balli classici come il valzer, la rumba e il tango persistono attraverso le generazioni, e si verificano anche mode retrò.
Il vasto repertorio di danze popolari, balli di diverse nazioni, di linea, di gruppo, di cerchio, di coppia, a tre, a quattro e a cinque fornisce un’interazione faccia a faccia in una società sempre più meccanizzata e computerizzata. I ballerini parlano dell’umanità del contra dancing, dell’etichetta del contatto visivo, dell’opportunità attraverso la rete della danza popolare di trovare balli in diverse città d’America, e dell’unicità del ballo come attività sociale, in cui si toccano le persone la stessa sera in cui le si incontra.
Il ballo sociale è centrale nel modo in cui molte persone celebrano il loro patrimonio e mantengono un senso di comunità. Di origine anonima, tramandate per immagine di occhio, le danze nazionali, etniche e folkloristiche possono alleviare la nostalgia di epoche passate. Il powwow panamericano ha elementi religiosi, sociali e competitivi per celebrare il patrimonio indiano. La danza può essere un’ancora o una zavorra in un mare di incertezza per gli immigrati, così come per i giovani del centro città e gli studenti universitari. Alcune danze tradizionali sono trasformate in nuove danze alla moda – il bhangra, del Punjabi, India, per esempio, è popolare tra i sud asiatici.
Naturalmente, il cosiddetto “melting pot” americano ha sviluppato nuove forme come il Juba, il ring shout, il cakewalk, e il tap dance negli angoli della strada, con le sue radici nella giga irlandese, lo zoccolo, i ritmi africani, l’improvvisazione e la fluidità del corpo. La quadriglia è emersa dallo spirito della danza di campagna e dall’eleganza della sala da ballo.
In coincidenza con l’erosione del potere monarchico europeo, il valzer apparve in Germania e Austria nel 1830 per rivoluzionare il ballo sociale occidentale; per la prima volta, uomini e donne ballavano in stretto e sensuale contatto fisico. Ma poiché richiedeva un controllo rigido e un’abilità agile, il valzer fu sostituito dalla polka, dallo spieling (filatura selvaggia), e dal passo a due, e poi nel ventesimo secolo da danze più naturali e “dure” conosciute come balli di pezza e animali radicati nel vernacolo nero (derivati dalle danze di numerosi gruppi africani). Le posizioni di ballo sono cambiate dalla mano della donna sulla spalla dell’uomo, la mano di lui sulla vita di lei e le altre mani unite, ai partner che si aggrappano l’uno al collo e alle spalle dell’altro e ballano guancia a guancia. Sulla frontiera, il ballo era chiassoso e vigoroso. I violinisti e i chiamanti dicevano ai ballerini cosa fare, e la chiamata divenne parte integrante della quadriglia.
Secolo XX
Dagli anni 1890 agli anni 1930, gli immigrati arrivarono dall’Europa meridionale e orientale. Lavorando in una cultura di fabbrica del silenzio, la loro auto-espressione esplose in “follia danzante”. Lo stile di danza più libero rifletteva la crescente indipendenza delle donne nella società. Tra il 1880 e il 1920, la creazione di sale da ballo commercializzò il tempo libero. Sminuendo il vecchio chaperonage, le sale da ballo attirarono giovani uomini e donne che trovarono un’autonomia senza precedenti e le proprie norme. Le donne passavano autorevolmente sopra certi uomini per i balli, rifiutavano gli inviti ad uscire, e sfidavano le nozioni dei genitori che la compagnia portava inesorabilmente all’impegno e ai tentativi di organizzare matrimoni. Di diverse nazionalità e classi sociali, ma uguali in termini di esperienza di ballo, i ballerini si riunivano in sale da ballo e palazzi. Nel 1910, la grande New York aveva più di 500 sale da ballo, alcune attaccate ai saloon e associate al bere e all’immoralità.
Durante il periodo ragtime (1890-1917), l’America divenne nota come la terra dei mille balli, inclusi il fox trot, il turkey trot, bunny hug, duck waddle, camel walk, kangaroo hop, grizzly bear, monkey glide, chicken scratch, kangaroo dip, bull frog hop, buzz e Texas Tommy. Erano popolari anche i balli con istruzioni, come il ballin’ the jack e il tango tempestoso dell’Argentina. L’avvento nel 1912 del tango pomeridiano attirava le donne senza scorta a ballare con partner maschili impiegati dai proprietari dei caffè.
Il contributo sostanziale dei neri alla danza americana non era sempre conosciuto o riconosciuto. I neri crearono danze sociali che furono poi cooptate, “igienizzate”, rese meno sexy, e stilizzate dai bianchi. A partire dal 1916, una migrazione di massa di neri dal Sud ad Harlem portò a nuove danze che guidarono i ruggenti anni venti americani. Elemento di identità culturale, la danza nera codificava messaggi come la gerarchia, l’inclusione-esclusione e gli scambi attraverso i confini sociali. L’espressione segreta della sfida politica avveniva con la rottura simbolica delle regole stilistiche nella danza. Così la libertà artistica per gli afroamericani durante l’Harlem Renaissance era un diritto civile storicamente significativo.
Alcuni bianchi consideravano immorale il vocabolario della danza nera fatto di oscillazioni dell’anca, rotazioni e spinte pelviche (conosciute come il Congo grind), ondulazioni del busto e scuotimenti delle spalle. Eppure altri bianchi frequentavano i nightclub di Harlem, entusiasti di partecipare a un senso di sessualità illecita. Nel momento in cui i bianchi avevano adottato i balli neri come propri, i neri erano passati a nuove invenzioni o reinvenzioni di ballo.
Lo shimmy, la big apple, il black bottom, e il civettuolo Charleston, con arti lanciati e calci, guadagnarono popolarità durante gli anni ’20. Poi un giorno in una gara di ballo al Savoy, il campione di tutti i tempi George “Shorty” Snowden fece una fuga, lanciando il suo partner in un volo aereo e improvvisando alcuni passi da solo su un conteggio di otto battute; chiamò il passo “Lindy”, da Charles Lindberg, che fece il primo volo aereo transatlantico nel 1927. Questi nuovi balli divennero parte del jitterbug degli anni 1930 e 1940 e dell’era delle big band swing.
Tra il 1920 e il 1940, il taxi dancing (avventori maschi che pagano le ballerine per un ballo) attirava principalmente gli immigrati. Nel 1930, New York City aveva trentasette palazzi dime-a-dance, da 35.000 a 50.000 clienti maschi alla settimana, e da 2.500 a 3.000 ballerine impiegate. I ballerini di taxi nei barrios latini si occupano principalmente di immigrati messicani senza documenti dalla fine degli anni ’70.
Iniziando durante la mania della danza degli anni ’20, le maratone di divertimento simboleggiavano la sopravvivenza durante la Depressione. Gare di resistenza, danze senza sosta per stabilire dei record erano una fuga da palazzi affollati, dal lavoro in fabbrica, dal patriarcato e dalla povertà. I giovani disoccupati soffrivano per il sogno di un premio in denaro. Alma Cummings ballò senza sosta per ventisette ore a New York City, ballando il valzer e il jitterbugging con sei partner.
Gli anni ’30 e ’40 furono la prima età dell’oro delle danze latine come la rumba danzon, cha-cha e mambo di Cuba, il bolero di Porto Rico, il pasadoble del Messico, la samba del Brasile e il merengue di Haiti. I balli di linea afroamericani, come il Madison originario di Baltimora, hanno avuto successo alla fine degli anni ’50. Lo shuffle, alcuni passi di danza sul campo di calcio eseguiti da un giocatore che ha fatto un touchdown, fece la sua comparsa.
L’accessibilità alla TV rese i nuovi balli rapidamente accessibili a livello nazionale. I ballerini potevano guardare programmi come American Bandstand (1956, raggiungendo circa 20 milioni di persone al giorno), Soul Train (1971), e Solid Gold (1979). Nel 1981, la Music Television (MTV), che trasmetteva video musicali ventiquattro ore al giorno, arrivò sulla scena. Poi Internet cominciò a fornire informazioni sul ballo su siti come http://www.salsaeb.com.
Il twist degli anni ’60 (sotto la vita) strappò il ballo di coppia nell’era del rock ‘n’ roll. I movimenti di torsione dell’anca e il ballo senza tocco rimasero nelle pantomime jerk, frug, skate, pony, swim monkey, mashed potato, e hully gully. Gli hippy psichedelici si impegnarono nella libera espressione e nell’autoassorbimento trancelico sulla pista da ballo.
Le discoteche con disc jockey che suonavano dischi in vinile attraverso grandi sistemi audio iniziarono in Europa, un prodotto dell’austerità della seconda guerra mondiale, ed emersero in America all’inizio degli anni ’70 in spazi casual underground. Le comunità omosessuali, afroamericane, ispaniche e operaie dei grandi centri urbani si unirono alla “bella gente”, per esempio allo Studio 54 e allo Xenon di New York. Una miscela ultraterrena di luci stroboscopiche accecanti e immagini proiettate sui muri creava campi da gioco dionisiaci.
Il touch dancing a coppie chiuse tornò negli anni ’70 con la musica salsa e l’hustle, nato a New York City tra gli operai portoricani.
Il “Breaking”, caratterizzato da movimenti di danza acrobatica e ginnica competitivi, a volte rischiosi, artisticamente inventivi, pirotecnici, iniziò negli anni ’70 nel Bronx, New York, tra i giovani maschi afroamericani e latini come alternativa alla violenza delle bande del centro città e come un modo per essere il numero uno senza “far saltare qualcuno”. Gli anni ’80 hanno visto l’esplosione dei ballerini di break dance hip-hop da soli o in gruppo che ruotano sulle spalle, sulle natiche o sulla schiena, si bloccano in forme di pretzel e fanno popping (movimenti corporei segmentati che si increspano nel corpo) sui marciapiedi e nei parchi. Lo stile hip-hop ha attraversato i confini razziali ed etnici e si è diffuso tra i giovani in America.
In questo periodo a New York City, i giovani punk bianchi con stivali da combattimento, jeans strappati e collari e braccialetti per cani tempestati di metallo ballavano slam dance su una musica aggressiva e dura. Si scontravano l’uno con l’altro nel “mosh pit” davanti al palco. Ai concerti rock durante gli anni ’80 e ’90, è iniziato il movimento grunge, con gruppi di maschi che girano e si caricano a vicenda, colpendo e calpestando passanti innocenti. Migliaia di corpi poco vestiti, con piercing e tatuaggi partecipavano al body surfing (cavalcando le spalle della folla, mano nella mano, fino a tuffarsi, cadere o essere spinti sul palco e riciclati di nuovo tra i ballerini dell’arena dagli uscieri).
Il reggae giamaicano, apparso per la prima volta negli anni ’70, infuse la danza hip-hop e influenzò lo stile gogo di Washington, D.C. Il “winding” (rotazione pelvica) del reggae era comune anche nella danza cubana. Nei vent’anni successivi, i ballerini resero popolari il butterfly, il bogoloo e lo skettle.
Un’ondata di balli di coppia country-western, chiamati “shit-kickers”, in Texas, si verificò negli anni ’80. Lo swing di Tucson, il two-step e i balli di linea per coppie apparvero nei bar e negli honky-tonks. I film Dirty Dancing, Saturday Night Fever, e Flashdance influenzarono il ballo sociale.
Durante gli anni ’90, il voguing (un ballo che incorpora pose da modello) era comune tra i gay. Una danza swing (un termine ombrello per Lindy, hand-dancing, Chicago steppin’, Philly bop, North Carolina shag, e Detroit hustle) revival dell’invenzione degli anni 1920-40 divenne popolare nel ventunesimo secolo. C’era anche il funk freestyle, il reggae, l’house, il club e il rap dance. Tenuti in luoghi diversi, i balli rave si svilupparono come parte di una cultura underground. L’attrazione era sperimentare stati alterati di coscienza ballando in massa tutta la notte su un ritmo musicale ripetitivo e palpitante e uno spettacolo di luci ipnotico. La line dance conosciuta come electric slide sostituì il boogie elettrico. I messicani ballavano la banda con la quebradita, una piccola pausa in cui l’uomo si mette a cavalcioni della sua partner e appoggia la schiena parallelamente al terreno.
In questo periodo, il partnering maschio-femmina includeva nuove configurazioni nel freestyle degli adolescenti e dei giovani adulti, incluso il da butt, freaking, booty dancing, “doggy dancing,” “front piggy-backing,” e “dirty dancing.” I partner hanno intrecciato le cosce, toccato e ruotato i bacini, e inclinato i torsi superiori l’uno dall’altro. In un altro modello, le femmine, premendo con la schiena e le natiche, o piegandosi con le mani sul pavimento, premevano e si stendevano contro la parte anteriore del corpo dei loro partner maschili. Alcune femmine alzavano le loro gonne, esponendo la biancheria intima perizoma.
I balli latini (rumba, samba, cha-cha, mambo, pachanga, merengue, bolero, paso doble, cumbia, bachata) fiorirono con l’immigrazione centro e sud americana. I corpi abbracciati in avanti e all’indietro con le gambe intrecciate della lambada brasiliana del 1989 ebbero vita breve e furono poi vietati dal Brasile. Il ballo di linea macarena dalla Spagna colpì alla fine del 1993. Seguì la Ketsup. L’influenza latina si intensificò con il ballo della salsa, un riciclaggio del mambo e del merengue degli anni 50. La salsa calda vista nei club e in televisione è simile al freaking.
Gli spettacoli musicali incoraggiavano gli spettatori a ballare nei corridoi. Tali spettacoli includevano i Gypsy Kings, Salif Keita, “Hairspray,” e “Harlem Song.”
Per tutto il ventesimo secolo, la gente ballava valzer, fox trot, e versioni addomesticate di molti balli meno conservatori in occasioni formali, in piccole sale da cocktail, e in centri per anziani. Le persone tendono a continuare a ballare le danze della loro giovinezza.
In breve, la danza sociale è una forma non verbale di comunicazione su di sé, sul patrimonio e sulle relazioni interpersonali che impegna la mente, il corpo e il sentimento. La persistenza della danza sociale attraverso la storia, e i tentativi religiosi, civili e politici di controllarla, attestano la sua potenza nella vita umana.
Vedi anche: Stili di vita nel tempo libero degli afroamericani, Classi di ballo, Sale da ballo, Stili di vita nel tempo libero dei latinoamericani, Raves/Raving, Square Dancing, Stili di vita nel tempo libero degli adolescenti
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