Hová tartott a jazz az 1970-es években?
Hová tartott a jazz az 1970-es években? A zene szövegileg és technikailag bővült, ahogy eltávolodott a swing, és a bebop ritmikai kontinuitástól. A zene nagy része kiszabadult az előző két évtized hagyományos 12, 16, 32 ütemű és A-A-B-A dalformáiból. Általánossá váltak a komplex kompozíciók, amelyek a klasszikus és a világ minden tájáról származó zenében fellelhető struktúrákban gyökerező, szorosan megírt részeket és az improvizációt vegyítették. A technológiai fejlődés lehetővé tette, hogy a hangszerelés drasztikusan megváltozzon, és a mai napig bányászott újításokat nyitott meg.
Instrumentáció
A hetvenes évek elejére a technológia és az erősítés fejlődése lehetővé tette a jazz-zenészek számára, hogy hangzásuk és játékuk hatókörét kibővítsék. Az első tárgyalt fejlesztés a basszus direkt lesz. Akik ismerik Ron Cartert, Eddie Gomezt, Stanley Clarke-ot vagy Niels Pedersent egy 70-es évekbeli felvételen, azok ismerik ezt a sokat gúnyolt hangzást. A bass direct lehetővé tette az akusztikus basszusgitárosok számára, hogy közvetlenül a keverőpultba vagy az erősítő rendszerbe csatlakoztassák basszusgitárjukat, csökkentve a vibrációt. Az ezzel járó mellékhatás az volt, hogy a basszusgitár fahangja helyett sokkal inkább az ujjdeszka hangja hallatszott. Ezért a basszusszólók gitárszerű hangzást kaptak, mint Gomez, Pedersen és Clarke esetében. Az olyan dobosok, mint Billy Cobham és Tony Williams a rockdobosok szintjén nagyobb dobfelszereléseket használtak, és a Fender Rhodes elektromos zongora, amely a 40-es évekből származó technológia, de 1965-ben mutatkozott be teljes méretű inkarnációjában, többek között Herbie Hancock, Chick Corea és Joe Zawinul kedvenc hangszerévé vált. A Moog, az Arp és az Oberheim analóg szintetizátorai még gyerekcipőben jártak, és a játékosok és programozók rohantak az új technológiára, hogy felfedezzék annak hangzásbeli lehetőségeit. Elektromos gitárok és basszusgitárok egészítették ki a rockegyüttesek hangzását.
Miles Davis gyermekei
A 70-es évek fejlődését mind olyan zenészek kezdték el, akik Miles Davis zenekaraiban játszottak. A zene más utakat talált, mint amit az In A Silent Way és a Bitches Brew című albumokon hallhattunk. Tony Williams volt az első a Lifetime nevű együttesével 1969-ben a jazz-rock megteremtésében, de 1970-72-re a rock hatása Williams játékában masszívan megnövekedett. Herbie Hancock Mwandishi nevű formációja egy ambientesebb, avantgárdabb megközelítésre összpontosított, amelyben Hancock a Fender Rhodeson és az effekteken Bennie Maupin basszusklarinéton és szaxofonon, Eddie Henderson trombitán és szárnykürtön, Julian Priester harsonán, Buster Williams basszusgitáron és Billy Hart dobon játszott. A csoport felvett Mwandishi (Warner Bros 1971) Crossings (Warner Bros. 1972) és Sextant (Columbia, 1972) mind nagy a sokszínű textúrák, és a furcsa metrumú vampok, (a 15/8 a “Ostinato For Angela”, és a 19/8 a “Hidden Shadows”). Az utóbbi két album hozzáadta Dr. Patrick Gleesont a Moog szintetizátoron, akinek atmoszférikus, hátborzongató textúrái sokat hoztak a zenébe. A Sextantnál Hancock hozzáadta a Hohner D-6 klavinettet, és az Arp szintetizátort, és bár az album nem volt olyan out, mint a Crossings, méltó befejezése volt a trilógiának. A “Rain Dance” az elektronikus zenei producerek egy generációjára volt hatással a szekvenált nyitányával. Sajnos a Mwandishi gazdaságilag nem volt fenntartható. James Brown és a Sly And The Family Stone által inspirálva Hancock áthozta Maupint az előző zenekarból, Paul Jacksont basszusgitárosnak és Harvey Masont dobosnak, és megalakította a Headhunters zenekart. Önmagukról elnevezett debütáló albumuk hatalmas slágereket termelt: “Chameleon”, és egy átdolgozott “Watermelon Man” erősen funky ritmusokkal, folyékony Rhodes-szal és vaskos billentyűs hangszerekkel. Az évtized későbbi szakaszában Hancock az R&B és a diszkó birodalmába átlépve a vocoderrel bővítette arzenálját, elidegenítve a jazz puristákat, akik már nem tekintették őt jazz zenésznek. Hancock akusztikus projekteket is felvett, de főleg a CBS/Sony, a Columbia japán részlege számára, és a 8 album többsége a The Complete Columbia Album Collection 1972-1988 (Columbia/Legacy, 2013) című kiadványon debütált az Egyesült Államokban.
Chick Corea a Return To Forever (ECM, 1971) című albumával a 60-as évek közepén megjelent albumaira jellemző avantgárdból valami más felé mozdult el. A Fender Rhodes katalizátora volt egy új hangzásnak a zongorista számára, egy lebegő, vidám, brazil vonásokkal rendelkező keveréknek, amelyben Flora Purim énekesnő, Joe Farrell nádas, Stanley Clarke basszusgitáros és Airto Moreira dobos szerepelt. Ez a felállás rögzítette a Light As A Feather (Polydor, 1972) című lemezt a “Spain” című klasszikussal, mielőtt a felállás jelentősen megváltozott volna: Farrell, Purim és Moreira távozott, Bill Connors pedig csatlakozott a gitáros Lenny White dobos mellett. A Hymn Of The Seventh Galaxy (Polydor, 1973) virtuóz játéka és a dalformák inkább a klasszikus írásmódhoz igazodtak, ami messze állt az előző évtized 16 és 32 ütemű dalformáitól. Az RTF “klasszikus” változata megszilárdulna azzal, hogy Connors helyére Al DiMeola lépne, és kiadná a Where Have I Known You Before? (Polydor, 1974) és a zenekart meghatározó Romantic Warrior (Columbia, 1976), amelynek kompozíciós konstrukciói egy másik, a progresszív rockhoz hasonló szintre emelték a dolgokat. Valóban, az album által kiváltott crossover vonzerő hatalmas volt. Az RTF további 2 album után feloszlott, kibővített felállással, Corea pedig szólóművészként rögzítette legnagyobb sikereit, mint például a The Leprechaun (Polydor, 1977). Az RTF Dimeola/Clarke/White kiadása 2008-ban újra összeállt egy nagyszabású világkörüli turnéra, és egy dupla élő albumot készített, valamint egy koncertvideót a 2008-as Montreux-i Jazzfesztiválon való fellépésükről, amely több mint 30 év elteltével is megmutatja az anyag mélységét és többségét. Corea akusztikus turnéra indulna az alaptrióval, és megalakítaná a Return to Forever új változatát az Elektric Band társával, Frank Gambale gitárossal és egy másik jazz-rock ikonnal, a hegedűs Jean Luc Pontyval.
Mahavishnu és Weather Report
John McLaughlin Mahavishnu Orchestra Jerry Goodman hegedűssel, Rick Laird basszusgitárossal és Billy Cobham dobossal hatalmasat alkotna a Birds Of Fire (Columbia, 1973) című albummal. McLaughin nem csak az indiai klasszikus zenére emlékeztető szédítő uniszónókkal, hanem a furcsa metrumok meghökkentő használatával is. Cobham itt kezdett el kísérletezni egy sokkal nagyobb, cintányérokkal és dupla nagydobbal felszerelt szettel, amely először Louis Bellson swing-korszakában volt divatos. Az olyan klasszikus kompozíciók, mint a “Birds of Fire” egy szokatlan 18/8-os ütemet ötvöztek 5+5+5+5+3-as gitárcsoportosítással, 6+6+6+6+6+6-os dobokkal és 3+3+2+3+3+2+3+3+2+ hegedűvel (Davies, 1985, 48-49) és izgalmas dallami merészséggel, “Dance of the Maya” és annak merengő nyitánya már-már a metált sejteti, míg Jerry Goodman hegedűszólóját Billy Cobham shuffle groove-ja kísérte, földhözragadtabb hullámhosszra terelve a dolgokat. A “Vital Transformations” 9/8 és néhány 4/4-es passzus között pergett. A Mahavishnuval egy újfajta gondolkodásmód robbantotta szélesre az ajtót a jazz-rock színtéren, és a Return to Forever, a Mahavishnu, Herbie Hancock és a Weather Report egyazon térben való együttléte határtalan egyéniséget kínált.
A Weather Report is Miles csoportjaiból fejlődött ki, Joe Zawinul és Wayne Shorter vezetésével, Miroslav Vitous basszusgitárossal, Airto ütőhangszeressel és a néhai Alphonse Mouzon dobossal. A WR egészen más együttesként indult, az önálló Weather Report (Columbia, 1971) című lemezt a meghökkentő “Milky Way” nyitotta, a stúdiót teljes értékű hangszerként használták, hátborzongató légies textúrákat hozott létre Zawinul akkordokkal, miközben Shorter szopránszaxofont fújt a zongorába. A zenekar avantgárd irányvonala leginkább a Live In Tokyo (Columbia, 1972) című, vitathatatlanul legjobb felvételükön mutatkozott meg. Hosszú albumoldali medley-kben poszt In A Silent Way textúrák, Miroslav Vitous Miles Davis wah wah trombitáját utánzó wah wah basszusgitárja, éteri ütőhangszerek és Dom Um Romao vokáleffektjei szerepelnek. Ez a Weather Report legillékonyabb, féktelenebb játéka a lemezen – egészen más, mint amit a legtöbben a Black Market (Columbia, 1976) és a Heavy Weather (Columbia, 1978) című bestseller albumokról társítanak a zenekarhoz. 1973-ra Zawinul úgy érezte, hogy szükség van az irányra a zenekarban, eltávolodva a zenekar első három albumának absztrakciójától, egy groove-osabb irányba, amely nem kevés magot tartalmazott, amely a Sweet Nighter (Columbia, 1973) albummal kezdve a világzenei műfajt csíráztatta. 1978-ra Alex Acuna személyében már volt egy állandó dobos, Jaco Pastorius váltotta volna Alphonso Johnsont, és felvették a Heavy Weather című lemezt. Az album tartalmazza az együttes legcsiszoltabb kompozíciós törekvéseit a “Birdland”, az “A Remark You Made” és Wayne Shorter “Palladium” című dalával. A kritikusok megvetették, hogy a zenekar rocksztár státuszt ért el, és Zawinul keze sokkal nehezebb lett kompozíciós szempontból, és a zene textúráiban, ami végül Jaco Pastorius kilépéséhez vezetett Zawinul egyre nyomasztóbb befolyása miatt. Shorter kompozíciói egyre kevesebbet szerepeltek az albumokon, és az 1985-ös This Is This után a csapat feloszlott. A Weather Report zenéje továbbra is hatalmas hatással van a jazzre és más zenékre – a zenekar például nagy hatással volt a francia Deep Forest nevű elektronikus együttesre, amelyet a producer és billentyűs Eric Mouquet és Michel Sanchez vezet. Zawinul közreműködött a “Deep Weather” című számban, ami egy ravasz bólintás a zenekar nevére.
Miles Runs The Voodoo Down (Again)
A 70-es évek elejére Miles Davis térdig gázolt Jimi Hendrix, James Brown és Sly Stone hatásaiban, olyan zenékben, amelyeket mélyen szeretett, köszönhetően annak, hogy felesége, Betty Davis rávezette erre. A trombitás ismét a határokat akarta feszegetni, és a fekete amerikai utcák hangzását igyekezett megragadni, és a hallottak városiasságának megragadására irányuló igényéből született meg az On The Corner (Columbia, 1972), az indiai, elektronikus és afrikai elemek csodálatos keveréke. Egy lenyűgöző, gyakran vitriolos vita során James Mtume ütőhangszeres vitatkozott Stanley Crouch-csal (aki szélsőségesen jobboldali akusztikus jazz-purista álláspontjáról ismert) a zene érdemeiről. A Henry Plesants klasszikus zenei kritikus által felállított esztétikai hanyatlás, technikai kimerülés és társadalmi elavulás fogalmait felhasználva Mtume kifejtette, hogy Davis a wah wah, az intenzív afrikai ritmusok és a metrikus moduláció segítségével új kifejezésmódokat keresett, hogy valami újat hozzon létre. A Davis 1973-75-ös zenekaraiban használt metrikus moduláció már csak azért is különösen lenyűgöző, mert teljesen begyakorolt, hogy zökkenőmentes legyen az átmenet, mégis fenntartsa a teljesen improvizált valami illúzióját. Ez a munkásság, különösen az élő felvételek, továbbra is a trombitás legizgalmasabb és az évtized legerőteljesebb jazzművei közé tartoznak.
Más áramlatok és következtetés
Míg a jazz-rock és a jazz-funk uralta az eladásokat, voltak más irányzatok is a zenében. A Manfred Eicher által 1969-ben alapított ECM egy ambient, nagyrészt akusztikus kamarazenét kínált a páratlan, kristálytiszta hangzásról és a buja, tágas minőségről ismert, rengeteg visszhanggal. Keith Jarrett, Paul Bley és Chick Corea mindannyian jelentősen hozzájárultak a szólózongora színtérhez, különösen Jarrett és Bley definiálta újra ezt az idiómát. Olyan dobosokkal a fedélzeten, mint Jon Christensen és Jack DeJohnette, olyan ritmikai koncepciót alakítottak ki a swing és az egyenes nyolcadok között, amely újradefiniált egy új generációt. Pat Metheny, Gary Burton, Ralph Towner és mások mind jelentős munkát végeztek az ECM-nél, és a kiadó a mai napig progresszív erő. Az olyan kiadók, mint a Pablo, a Concord és a Xanadu a straight ahead jazz hagyományait hozták elő, Herbie Hancock VSOP Quintetje Freddie Hubbarddal, Wayne Shorterrel, Ron Carterrel és Tony Williamsszel pedig megalapozta a 80-as években a Wynton Marsalis által vezetett teljes körű akusztikus jazz megújulását. A 70-es években mindig is készült akusztikus, straight ahead jazz, csak nem volt annyira népszerű, és nem volt sok lehetőség a felvételek készítésére. Az olyan csoportok, mint a Mike Mainieri vibrafonos Steps Ahead, amelyben olyan stúdió-ászok játszottak, mint Don Grolnick, Michael Brecker, Eddie Gomez és Steve Gadd, a straight ahead-t vegyítették az aktuális trendekkel, részben lefektetve annak az útitervét, amiből végül a smooth jazz lett, Bob James, Lee Ritenour és a GRP records mellett. A 70-es évek jazz hatásának megértéséhez az olyan workshopok, mint a Sebastian Noelle által tanított Modern Jazz Ensemble segíthetnek megerősíteni a mai zenei eszközöket, amelyek abból a korszakból fejlődtek ki a New York Jazz Workshopban.