A Trip Down Memory Lane
Les systèmes de jeu de l’ère 8 et 16 bits n’étaient pas exactement les centrales graphiques dans lesquelles les consoles modernes, les PC et même les téléphones ont évolué. Mais il y a beaucoup d’autres aspects, notamment de bonnes commandes, un scénario solide et des personnages mémorables, qui entrent en ligne de compte dans la création d’un jeu bien équilibré.
Les jeux de qualité ont aussi presque unanimement un son et une musique de qualité.
Les jeux de qualité ont aussi presque unanimement un son et une musique de qualité. Paralysés par les limitations matérielles, les compositeurs d’antan ont souvent dû faire preuve de créativité pour vaincre les lacunes associées aux plateformes de l’époque. Voici 10 exemples de choix où les compositeurs ont fait cela…
The Legend of Zelda – 1986 – NES
Un fragment de la Triforce de la Sagesse
The Legend of Zelda n’a pas été le premier jeu auquel j’ai joué sur NES. Cet honneur, selon toute vraisemblance, revenait à Super Mario Bros. Mais c’était le premier titre auquel je me souviens d’avoir joué avec une bande sonore passionnante.
Dès que vous appuyez sur le bouton d’alimentation et que l’écran titre se charge, vous êtes accueilli par une cascade hypnotique et une mélodie enchanteresse qui change rapidement pour signaler qu’une aventure sérieuse vous attend.
Le thème du titre Legend of Zelda
Rester sur place et lire le prologue ou couper court, sélectionner votre personnage et sauter directement dans un vaste monde réglé sur la musique du légendaire compositeur japonais Koji Kondo.
Dans une interview de 2007 avec Wired, Kondo a déclaré qu’avec Zelda, il essayait d’améliorer l’atmosphère des environnements et des lieux. « Le son de Mario est un peu comme de la musique populaire, et Zelda est comme… un genre de musique que vous n’avez jamais entendu auparavant », a-t-il ajouté.
Le thème de donjon de Legend of Zelda
Les thèmes de donjon sont sans doute plus impressionnants que les airs d’intro et d’overworld. Les huit premiers labyrinthes souterrains partagent tous une bande sonore commune, mais pour le niveau 9, souvent appelé Montagne de la Mort, nous avons droit à une piste encore plus angoissante alors que nous traquons et préparons le combat final contre Ganon.
La seule chose qui pourrait être plus impressionnante à propos du jeu lui-même ou de la musique est la boîte de vente au détail dans laquelle il a été livré, qui comportait une découpe pour révéler la cartouche de jeu de couleur or à l’intérieur.
Image : videogamebosession.com
Je ne peux qu’imaginer combien de copies ont été vendues sur la base de cette seule esthétique. Nous savons cependant que The Legend of Zelda a été le cinquième jeu NES le plus vendu de tous les temps, avec plus de 6,5 millions d’exemplaires vendus au cours de sa durée de vie.
Teenage Mutant Ninja Turtles – 1989 – NES
Teenage Mutant Ninja Turtles sur la NES
Cherchant à capitaliser sur la popularité croissante des « héros en demi-coquille », les créateurs des Tortues Kevin Eastman et Peter Laird se sont associés à Konami en 1989 pour lancer l’un des premiers jeux vidéo basés sur la franchise.
Le résultat final était un jeu d’action à un joueur qui était très différent du jeu d’arcade beat ’em up TMNT sorti la même année. Alors que beaucoup se souviendront du jeu comme étant excessivement difficile avec des commandes maladroites, il a servi une bande sonore de qualité.
La scène sous-marine dans TMNT pour la NES
Le compositeur japonais Jun Funahashi a dessiné l’affectation pour Konami. La bande-son n’était pas si longue bien qu’elle comprenait quelques morceaux mémorables, notamment le thème des bombes sous-marines, la musique des combats de mini-boss et le thème principal de l’overworld.
Je pense effectivement que le jeu aurait pu bénéficier de l’utilisation de la chanson thème des Tortues de la série animée, mais étant donné que Konami l’a présenté dans le jeu d’arcade, peut-être ne voulaient-ils pas être répétitifs. La franchise des Tortues allait ensuite engendrer d’autres jeux et séries, de multiples longs métrages et une tonne de produits dérivés sous licence.
ToeJam & Earl – 1991 – Sega Genesis
ToeJam à droite et Earl à gauche
ToeJam & Earl est sans aucun doute le jeu le plus excentrique de cette liste. Conçu par Greg Johnson, le jeu tourne autour de deux rappeurs extraterrestres qui se sont écrasés sur Terre et doivent récupérer des morceaux de leur vaisseau afin de le reconstruire et de retourner sur leur planète d’origine, Funkotron. C’est une chasse au trésor glorifiée, vraiment.
La bande sonore, composée par John Baker, est ce qui a vraiment fait ce jeu. Un mélange bizarre de jazz et de funk avec des éléments de hip hop, il ne ressemble à rien de ce qui avait été entendu dans le jeu jusqu’à ce moment-là. Dans un article publié en 2009, IGN a déclaré que John Baker s’était inspiré de Herbie Hancock et des Headhunters. Oui, je peux certainement entendre cette influence.
Le ToeJam & Bande sonore originale d’Earl
Fun fact – Johnson et Baker ont enregistré une version spéciale du thème principal du jeu, ToeJam Jammin’, pour l’utiliser sur une cassette promotionnelle qui n’était disponible que pour les abonnés du magazine Sega Visions par correspondance pendant une courte période en 1991.
Pendant le développement de ToeJam & Earl : Back in the Groove plus de 25 ans plus tard, quelqu’un aurait vu la cassette en vente sur eBay et aurait demandé à Johnson si elle était légitime.
Un enregistrement rare de ToeJam & Earl sur cassette promotionnelle
C’était le cas, et il avait même une vieille copie dans son garage. Les backers du projet Kickstarter lui ont demandé s’il pouvait inclure le morceau dans le nouveau jeu comme un œuf de Pâques. Johnson était heureux d’obliger.
ToeJam &Earl était plus un classique culte qu’un succès dans l’instant. Selon Ken Horowitz, dans son livre Playing the Next Level : A History of American Sega Games, Sega a vendu environ 350 000 exemplaires du jeu pendant sa durée de vie. La franchise a engendré trois suites, dont le susmentionné Back in the Groove, lancé en 2019.
Super Mario World – 1991 – SNES
C’était Noël 1991, et il n’y avait qu’une seule chose sur ma liste de souhaits : une Super Nintendo. C’était il y a trop longtemps pour me souvenir des détails, mais à la fin de l’année, je me suis disputé avec mon père au sujet de la télévision de ma chambre, un modeste poste de 13 pouces. Quoi qu’il en soit, c’était sérieux (du moins dans mon cerveau de neuf ans) et j’ai pris les choses en main. Au diable la Super Nintendo, je voulais plutôt une nouvelle télévision pour Noël.
Soit j’étais incroyablement convaincant, soit mes parents n’avaient vraiment pas envie de s’amuser avec ça, car ils m’ont pris au mot. Avec ce qui devait être quelques semaines ou peut-être même un mois avant Noël, ils ont sorti un cadeau de forme rectangulaire de sous le sapin et ont dit que je pouvais l’ouvrir. C’était vraiment en train d’arriver ?
Aussi sûr que la nuit suit le jour, j’ai déballé une Super Nintendo avec une copie de Super Mario World. Je pouvais l’avoir tout de suite, m’ont-ils dit, à condition que j’abandonne l’idée de la nouvelle télévision. Mais non, j’étais trop fier, trop têtu. J’y allais à fond. La télé ou rien.
Le thème du château de Super Mario World
La SNES a été rendue et j’ai finalement eu la télé que je voulais. Cependant, si j’avais accepté l’offre de paix de mes parents, j’aurais pu découvrir la magie de Super Mario World et sa glorieuse bande sonore bien plus tôt que je ne l’ai fait.
Super Mario World a offert au compositeur Koji Kondo l’occasion parfaite de montrer ce qui était possible sur le nouveau matériel de Nintendo. Il a également permis au producteur Shigeru Miyamoto de réaliser enfin son rêve d’offrir à Mario un compagnon dinosaure, Yoshi.
En comparant Super Mario World au travail le plus récent de Kondo à l’époque, Super Mario Bros. 3 pour la NES, on peut immédiatement relever la complexité des morceaux du premier.
La musique des scènes souterraines de Super Mario World
Le thème utilisé dans les scènes souterraines est un exemple parfait car il y a juste beaucoup de choses qui se passent en même temps. Ce n’est pas assez pour submerger le joueur, remarquez, et c’est fait avec goût, mais cela contraste fortement avec les chansons plus simplistes du jeu précédent.
Sonic the Hedgehog 2 – 1992 – Sega Genesis
Sonic et son acolyte orange, Tails
Pendant les fêtes de fin d’année 1992, la mascotte de premier plan de Sega – Sonic the Hedgehog – se préparait à un nouveau round avec Mario de Nintendo pour la suprématie sur les consoles.
De son côté, il y avait la Sega Genesis, sans doute la plus « branchée » des deux systèmes 16 bits, et un nouvel acolyte nommé Tails. Alors que chaque console avait ses propres avantages et inconvénients, le marketing de Sega n’a pas tardé à souligner l’avantage qu’une technologie comme le Blast Processing offrirait au jeu.
Publicité du Blast Processing pour la Sega Genesis
Et pour le profane qui regarde une bande-annonce de Sonic 2, il n’aurait aucune raison de ne pas croire que quelque chose appelé Blast Processing était impliqué. Il suffit de voir à quelle vitesse fulgurante Sonic peut se déplacer à l’écran ! C’était incroyablement impressionnant au début des années 90 et franchement, ça fait encore frémir aujourd’hui.
Sauf que c’était en quelque sorte une imposture.
Le gameplay de Sonic 2 était ridiculement rapide pour plein d’autres raisons mais le Blast Processing n’en faisait pas partie. En fait, il n’a jamais été utilisé dans aucun jeu expédié pour le Genesis ; ce n’est que récemment que cette technologie a été maîtrisée avec succès. Mais c’est une histoire pour un autre jour.
Publicité Sega Genesis mettant en vedette Sonic the Hedgehog 2
La musique de Sonic the Hedgehog 2 a été composée par Masato Nakamura, bassiste et auteur-compositeur du groupe J-pop Dreams Come True. Il a commencé sur le projet tôt, en utilisant des images conceptuelles pour avoir une idée du type d’atmosphère qu’il croyait que la scène présenterait.
Sega lui a essentiellement donné carte blanche pour travailler sur le projet, de sorte qu’il a créé une grande partie de celui-ci tout en enregistrant avec son groupe à Londres, alors qu’ils travaillaient sur leur cinquième album.
Sonic the Hedgehog 2 Original Soundtrack
Chacun des thèmes de la scène principale avait un son très unique qui se mêlait parfaitement à leur look et à leur ambiance. Personnellement, Sky Chase Zone est peut-être mon préféré, suivi de près par Chemical Plant Zone.
Sonic the Hedgehog 2 a été un succès pour Sega, se vendant à six millions d’unités après sa sortie le 20 novembre 1992. Ce n’était pas assez pour dépasser les 15 millions de jeux Sonic the Hedgehog originaux que Sega a réussi à expédier, mais ce titre était un bundle avec la console, ce qui a sans doute gonflé les ventes.
De toute façon, Sega avait une nouvelle mascotte phare sur sa liste pour se battre avec Mario et c’est à peu près tout ce qu’on peut demander pendant la guerre des consoles des années 90.
Street Fighter II – 1992 – SNES
Street Fighter II sur la Super Nintendo
Au début des années 90, il y avait essentiellement deux camps en ce qui concerne les jeux de combat : Mortal Kombat et Street Fighter. Certes, la première entrée de cette dernière série n’était pas si mémorable que cela, mais lors de son deuxième passage au bâton, Capcom a frappé un grand chelem avec un jeu amusant à jouer et doté d’une excellente bande sonore par-dessus le marché.
Street Fighter II est arrivé dans les salles d’arcade au début de 1991, mais il faudra attendre l’été de l’année suivante pour qu’il trouve sa place sur la Super Nintendo.
Le thème d’intro de Street Fighter II
Dès le chargement du logo Capcom et jusqu’au thème principal, cette bande sonore est à la hauteur.
La plupart des musiques du jeu peuvent être attribuées à Yoko Shimomura, une compositrice et pianiste japonaise qui a contribué à près de 70 jeux à ce jour. L’un de ses premiers engagements a été Street Fighter II, dans lequel elle était responsable de toutes les pistes du jeu sauf trois. Malheureusement pour Capcom, elle a quitté la société en 1993 pour poursuivre son intérêt dans l’écriture de musique plus classique pour les jeux de rôle.
L’un des plus grands points à retenir de Street Fighter II est à quel point la chanson thème de chaque combattant correspond à leur personnalité. La scène de Guile avait un côté patriotique, celle de Blanka vous donnait l’impression de vraiment vous battre dans les jungles du Brésil et le thème de M. Bison faisait un bon travail pour vous donner l’impression de vous battre pour toutes les billes.
Super Metroid – 1994 – SNES
Art courtesy Reddit
« Eerie. » C’est le meilleur mot que je puisse trouver pour décrire la bande-son de Super Metroid.
Troisième volet de la série, le thème-titre de Super Metroid installe une atmosphère sinistre qui ne se lève jamais. Fait intéressant, l’intro est venue au compositeur Kenji Yamamoto alors qu’il rentrait un jour du travail à moto. Il s’est instantanément garé sur un parking, a sorti un enregistreur vocal et a commencé à enregistrer ce qu’il entendait dans sa tête. « Pendant environ 10, 20 minutes, il a juste éructé », a déclaré Yamamoto.
Le lendemain au travail, il a numérisé l’enregistrement et l’a fait écouter au réalisateur Yoshio Sakamoto qui a dit qu’il était bon.
Super Metroid thème de l’écran titre
Yamoto a travaillé avec Minako Hamano, qui n’avait que 24 ans à l’époque, sur plusieurs des pistes du jeu. La SNES permettait l’utilisation de sons enregistrés sur huit canaux simultanément, et ils ont certainement fait bon usage de cette nouvelle technologie. En comparaison, la NES originale ne disposait que de quatre canaux.
Système sous-marin de Maridia
Le système de cavernes et les sections désertiques sablonneuses de Maridia font partie des régions les plus mémorables du jeu. Le sol de la jungle de Brinstar semble raisonnablement sûr, mais tout cela disparaît lorsque vous entrez dans les zones souterraines de la région. Les dernières sections du jeu, y compris la cachette de Ridley à Norfair et la bataille finale avec Mother Brain, sont tout simplement vertigineuses.
Ridley’s Lair in Lower Norfair
Collectivement, cela fait partie de la meilleure musique en jeu dans n’importe quel titre 16-bit et élève vraiment le jeu entier à un tout autre niveau. Il n’aurait tout simplement pas été le chef-d’œuvre d’aujourd’hui qu’il est sans Yamamoto et Hamano.
Franchement, je suis surpris de le voir si loin dans la liste des ventes de tous les temps, au numéro 33, avec seulement 1,42 million d’unités vendues. Si vous n’y avez pas joué, c’est un sacré jeu gratifiant que je vous promets que vous ne regretterez pas d’avoir choisi.
Donkey Kong Country – 1994 – SNES
David Wise était responsable de la plupart de la bande sonore de Donkey Kong Country, et quel joyau c’était. À l’origine, il a été engagé en tant que pigiste pour créer trois pistes de démonstration qui ont finalement été mélangées pour créer « DK Island Swing », la chanson thème du premier niveau. Peu de temps après, il a été embauché comme compositeur à plein temps par Rare.
La société lui montrait des graphiques pour les niveaux et le laissait même jouer à certains des stades afin d’avoir une idée de la façon dont ils devraient sonner. Pour les scènes sous-marines, Wise a passé cinq semaines à composer ce qui deviendrait Aquatic Ambience à l’aide d’un synthétiseur Korg Wavestation.
Aquatic Ambience
Il a décrit plus tard Aquatic Ambience comme son morceau préféré, et je suis tout à fait d’accord.
Treetop Rock est un autre banger dont on ne peut s’empêcher de tomber amoureux. Je ne peux pas imaginer me balancer d’une maison dans les arbres à une sortie dans les arbres sans que son jingle m’amadoue. Brillant, tout simplement brillant.
Treetop Rock
Si vous n’avez jamais joué à Donkey Kong Country, vous ratez certainement l’un des meilleurs platformers du milieu des années 90. Cela dit, la bande-son est suffisamment forte pour qu’elle puisse être appréciée indépendamment du jeu. En fait, Aquatic Ambience figure sur ma liste de lecture générale en streaming et elle me fait toujours sourire dès qu’elle apparaît.
Donkey Kong Country est devenu le troisième jeu SNES le plus vendu de tous les temps avec 9,3 millions d’exemplaires vendus dans le monde.
Mention honorable
Un article sur la musique classique de jeux vidéo ne serait tout simplement pas complet sans quelques mentions honorables. Ces valeurs aberrantes ne sont pas de l’ère 8 ou 16 bits en soi, mais il serait simplement négligent de ma part de ne pas les reconnaître sous une forme ou une autre en raison de leur héritage durable sur l’industrie.
Daytona USA – 1994 – Arcade
Une machine d’arcade Daytona USA à quatre places
Développé par Sega AM2 et lancé dans les arcades en 1993 avant un déploiement complet l’année suivante, Daytona USA a été le premier titre Sega à utiliser la carte du système d’arcade Sega Model 2. Il s’agissait d’un jeu de course de stock-car basé sur la popularité de la NASCAR et grâce à une sérieuse attention portée aux détails, il s’est vraiment révélé dans les arcades.
La baie standard à deux sièges permettait à deux joueurs de s’affronter. Vous vous asseyiez dans un siège inspiré de la course avec une pédale d’accélérateur et de frein fonctionnelle, un levier de vitesse et un volant. Ces contrôles seuls suffisaient à en faire tomber plus d’un dans son quartier, mais il y avait plus.
Le frelon, votre seule chance de victoire
Le matériel et le logiciel internes sont ce qui a vraiment fait le jeu. De manière critique, Sega a insisté pour que le jeu tourne à 60 images par seconde avec un filtrage de texture afin de battre Ridge Racer, un jeu de course concurrent de Namco. Cela lui a donné un aspect lisse comme du beurre que peu de titres de l’époque ont pu égaler. Des mécanismes de jeu réalistes, comme la dérive et la glisse, ont rendu le jeu beaucoup plus authentique. Mais il fallait aussi une bande-son qui tue, et pour cela, Sega s’est tourné vers le compositeur Takenobu Mitsuyoshi.
L’inoubliable chanson thème de Daytona USA, « Let’s Go Away »
Mitsuyoshi voulait que la bande-son de Daytona USA se démarque des autres, et pour cela, il a implémenté des voix. Mais les faire entrer dans le jeu n’était pas facile, il a donc dû utiliser de brefs échantillons vocaux et les mettre en boucle pour obtenir l’effet désiré. Si vous écoutez attentivement, vous pouvez probablement le repérer dans le thème principal du jeu, Let’s Go Away.
À vrai dire, la chanson n’était pas si spectaculaire que ça. C’est le fait que c’est littéralement tout ce que vous pouviez entendre alors que ces machines prenaient une place de choix juste à l’avant de la salle d’arcade et que Sega a sans doute augmenté le volume à 11 pour noyer la concurrence.
Imaginez juste être l’un de ces opérateurs d’arcade qui devait entendre cette mélodie jouer sans arrêt pendant tout votre quart de travail. Ce genre de cicatrice mentale ne se dissipe probablement jamais.
Techno Syndrome (le thème de Mortal Kombat) – 1993
Choisir judicieusement
Mortal Kombat était sans aucun doute la franchise de jeux vidéo la plus chaude et la plus controversée du début des années 90.
Le premier jeu de la série est sorti dans les salles d’arcade en 1992, stupéfiant les joueurs avec ses graphismes numérisés et ses niveaux de violence sans précédent. Quelques mois plus tard, l’éditeur Acclaim Entertainment a lancé une campagne publicitaire massive – Mortal Monday – pour promouvoir l’arrivée du jeu le 13 septembre 1993 sur la Super Nintendo, la Sega Genesis, la Game Boy et la Game Gear.
Entre les lancements à domicile de l’original et de la suite exactement un an plus tard, un album musical de 10 titres a été produit par le groupe belge The Immortals. Il comprenait des pistes pour chacun des sept personnages jouables du premier jeu ainsi que pour le sous-boss Goro, et deux autres chansons : la piste cinq, Techno Syndrome, et la piste 10, Hypnotic House.
Techno Syndrome est devenu connu comme le thème de Mortal Kombat
Nine des 10 pistes de l’album étaient plutôt des déchets, mais Techno Syndrome, sorti en single l’année précédente, était la seule exception. La chanson, qui comportait le cri emblématique « Mortal Kombat ! », est devenue synonyme de la franchise et est peut-être la composition la plus reconnaissable de cette liste.
Suivi : jeux sur PC
La deuxième partie de ce dossier se concentre exclusivement sur les bandes sonores exceptionnelles de jeux sur PC. Et oui, nous avons les mains pleines car il y a beaucoup d’excellent matériel à considérer. Jetez-y un coup d’œil ici !
Ajoutez vos suggestions à cette liste
Avec potentiellement des centaines de jeux étonnants dans l’histoire qui ont eu une partition musicale emblématique, cette liste ne peut en aucun cas être exhaustive, mais elle peut être une amorce de conversation pour que vous suggériez vos propres choix, alors allez-y.