À l’occasion de son 45e anniversaire, voici 10 choses que vous ne saviez peut-être pas sur le cinquième album de Led Zeppelin.
1. « The Song Remains the Same » était à l’origine un morceau instrumental appelé « The Overture ».
L’album s’ouvre sur une procession triomphale, menée par Page, digne du statut de royauté du rock de Led Zeppelin. Le guitariste a structuré la chanson comme une mini-suite complexe, en contrastant les élans grandioses d’accords suspendus (rappelant son morceau des Yardbirds de 1967 « Tinker, Tailor, Soldier, Sailor ») avec des éléments acoustiques délicats. Présenté au groupe sous le titre provisoire de « Worcester And Plumpton Races » – une référence interne à ses domaines respectifs et à celui de Plant – « The Song Remains the Same » a été joué pour la première fois lors de la tournée de Zeppelin au Japon en octobre 1972, où il a été présenté depuis la scène alternativement comme « The Campaign », « The Overture » et parfois simplement « Zep ». Son nom définitif proviendrait des paroles de Plant, distillant la sagesse acquise au cours des longues années passées sur la route par le groupe. « Chaque fois que je chante, j’imagine le fait que j’ai fait le tour du monde et qu’à la base, il y a un dénominateur commun pour tout le monde », a-t-il déclaré au NME en 1973. « Le dénominateur commun est ce qui fait que c’est bon ou mauvais, que ce soit un Led Zeppelin ou un Alice Cooper. »
2. George Harrison a fourni l’inspiration pour « The Rain Song », après s’être plaint du répertoire du groupe.
George Harrison a énormément soutenu Led Zeppelin, faisant même une apparition à la fête du 25e anniversaire de John Bonham en 1973 – où il a affectueusement jeté du gâteau sur la tête de l’homme d’honneur. (Après l’un des concerts marathon de trois heures du groupe à Los Angeles, Harrison, impressionné, salue chaleureusement Zeppelin dans les coulisses en s’exclamant : » Putain ! Avec les Beatles, on jouait pendant 25 minutes et on pouvait descendre au bout de 15 minutes ! » Mais malgré tous ses compliments, celui que l’on appelle le Beatle tranquille était apparemment déçu par la pénurie de numéros calmes de Zep. George parlait à Bonzo un soir et lui a dit : « Le problème avec vous, c’est que vous ne faites jamais de ballades », a raconté Page au biographe Brad Tolinski. J’ai dit : « Je vais lui donner une ballade », et j’ai écrit « Rain Song », qui figure sur Houses of the Holy. En fait, vous remarquerez que je cite même ‘Something’ dans les deux premiers accords de la chanson. » Il a étoffé la chanson dans son home studio de Plumpton, qui était partiellement constitué de l’unité Pye Mobile Studio utilisée pour l’album Live at Leeds des Who en 1970. Conscient que cette nouvelle composition n’était pas exactement à la hauteur du pedigree hard rocking de la console, il lui a donné le titre de travail sarcastique de « Slush ».
Pour Plant, qui a contribué aux paroles, « The Rain Song » était emblématique de la production « éthérée » produite par son partenariat avec Page. « Parfois, nous avons des bandes d’accompagnement de morceaux travaillés et quelqu’un dit : « Eh bien, nous n’avons pas de foutues paroles » », a déclaré Plant à Rolling Stone. « The Rain Song » était juste une sorte de petit engouement que j’ai eu. Le lendemain matin, je la griffonnais. Si je l’avais fait le jour suivant, ça n’aurait pas été bon. » Il conservera un penchant pour le morceau au fil des années, le citant comme l’un de ses préférés dans une interview de 2005. « Je dirais que c’est sur ‘Rain Song’ que je sonnais le mieux. J’avais atteint un point où je savais que pour être bon, je ne pouvais pas me répéter. Les cris aigus de falsetto étaient devenus une sorte de carte de visite. »
3. Eddie Kramer est réinvité comme directeur de l’ingénierie, malgré une vilaine dispute à propos de la nourriture indienne.
Bien que Page soit nominalement répertorié comme producteur sur tous les albums du groupe, son partenariat avec l’ingénieur d’enregistrement virtuose Eddie Kramer sur Led Zeppelin II de 1969 a contribué à forger un élément crucial du son initial du groupe. Mais les relations deviennent tendues après les sessions de Led Zeppelin III l’année suivante. « Avec Zeppelin, c’est devenu une bataille, parce qu’ils ont commencé à arriver en studio avec une telle attitude », se souvient Kramer en 2003. Les choses ont atteint un point de rupture à Electric Lady – le laboratoire créatif de New York qu’il avait conçu avec Jimi Hendrix – lorsque Zeppelin a saccagé le studio de la manière la moins rock &roll imaginable. « Le groupe a commandé de la nourriture indienne et toute une partie s’est renversée sur le sol », raconte Kramer. « J’ai demandé aux roadies de bien vouloir nettoyer. Le studio était tout neuf et j’en étais très fier. Soudain, ils se sont mis à crier : « Ne dites pas à nos roadies ce qu’ils doivent faire ! ». Et ils se sont retirés ; ils sont partis, et je ne leur ai pas parlé pendant environ un an ! »
Kramer n’a pas été impliqué dans Led Zeppelin IV de 1971, mais alors que le travail a commencé sur leur cinquième album, Page a décidé de le faire revenir dans le giron. Selon l’ingénieur, la confrontation antérieure a coulé sous les ponts : « Ils m’ont rappelé et m’ont demandé de les enregistrer à nouveau comme si rien ne s’était passé. »
4. La base de l’album a été enregistrée dans la maison de campagne de Mick Jagger, Stargroves.
À partir de leur troisième sortie en 1970, Led Zeppelin a cherché à échapper aux limites mornes des studios d’enregistrement traditionnels en passant une partie de leurs sessions d’album terrées dans une propriété rurale intime. C’est une idée empruntée au Band, qui avait une maison commune près de la retraite de Bob Dylan à Woodstock, dans l’État de New York. « Je ne savais pas exactement comment le Band avait enregistré son album Music from Big Pink ou The Basement Tapes, mais la rumeur disait qu’ils l’avaient fait dans une maison qu’ils avaient louée », explique Page dans Guitar World. « Je ne savais pas avec certitude s’ils l’avaient fait, mais j’aimais l’idée. J’ai pensé que ça valait vraiment le coup d’essayer d’aller quelque part et de le vivre vraiment, plutôt que de visiter un studio et de rentrer à la maison. Je voulais voir ce qui se passerait si nous n’avions que cette seule chose en vue – faire de la musique et simplement en vivre vraiment l’expérience. »
L’escapade de choix de Page avait été Headley Grange, une pile de campagne dans le Hampshire qui avait bien servi le groupe lors des sessions de Led Zeppelin III et IV. Mais comme elle n’était pas disponible au printemps 1972, le contingent Zeppelin s’est installé à Stargroves, le manoir de Mick Jagger à East Woodhay. Achetée par le chanteur en 1970 pour 55 000 £ à un aristocrate local, la maison avait été utilisée par les Rolling Stones pour enregistrer les morceaux d’Exile on Main Street et de Sticky Fingers, et récemment louée par les Who pendant les sessions de Who’s Next. Lorsque les Zep débarquent en mai 1972, ils cherchent à utiliser pleinement les divers espaces. « Ça sonnait merveilleusement bien parce qu’on pouvait obtenir cette incroyable acoustique variable dans chaque pièce, avec une batterie dans la véranda, qui est l’endroit où nous avons mis Bonham », se souvient Kramer. « Puis, bien sûr, on pouvait coincer l’ampli de Jimmy dans une cheminée et y coller un micro, ce genre de choses. C’était juste la possibilité de pouvoir changer le son sans aller nulle part. »
L’ingénieur supervisait les procédures depuis son poste d’observation dans le camion d’enregistrement mobile très personnel des Rolling Stones, qui était garé dans l’allée. De temps en temps, il ouvrait les portes arrière et offrait au groupe un playback en plein air. « Je me souviens de Bonzo, Plant, Page et Jones sur la pelouse écoutant des playbacks de ‘D’yer Mak’er et ‘Dancing Days’, marchant tous comme Groucho Marx en synchronisation, avec des pas en arrière et en avant en rythme avec la musique, comme des enfants. » Alors que de nombreux morceaux ont été réalisés à Electric Lady et aux Olympic Studios de Londres, le temps passé à Stargroves a permis de capturer la créativité débridée que l’on retrouve sur l’album final. « Lorsque nous sommes allés là-bas pour la première fois, nous n’avions aucune idée fixe », a déclaré Page au biographe Ritchie Yorke. « Nous avons simplement enregistré les idées que chacun d’entre nous avait à ce moment précis. Il s’agissait simplement de se réunir et de les laisser sortir. »
5. Le titre de « D’Yer Mak’er » est dérivé d’une vieille blague de music-hall.
Peu de chansons dans le canon Led Zeppelin sont aussi divisées – même au sein du groupe lui-même – que cette rompue reggae-esque. La prononciation du titre, que beaucoup de non-initiés (au grand amusement de Robert Plant) prononcent comme « Dear Maker », croyant qu’il a des connotations quasi-spirituelles, est tout aussi controversée. En fait, ce titre enjoué tire son nom d’une vieille blague de music-hall britannique dont la chute est digne d’un grognement. « Ma femme est partie aux Antilles », commence l’échange. « Tu l’as faite ? » (Rendu par un épais accent cockney : « Jamaïque ? ») « Non, elle y est allée de son plein gré. » Pause pour les rires.
La chanson s’est formée lors d’un moment de légèreté à la fin de la session qui a produit l’ouverture de l’album. « Nous venions de poser ‘The Song Remains the Same’, qui est un vrai belter », a déclaré Plant à Zig Zag en 1973. « Il était environ 5 heures du matin et j’espérais depuis longtemps faire quelque chose comme… C’est né à ce moment-là. » L’intention initiale avait été de faire un pastiche de reggae mélangé à un mélodrame pop du début des années 60, mais la batterie colossale de Bonham a orienté la chanson dans une toute autre direction. « John s’intéressait à tout sauf au jazz et au reggae », explique Jones. « Il ne détestait pas le jazz mais il détestait jouer du reggae – il trouvait ça vraiment ennuyeux. Quand nous avons fait ‘D’yer Mak’er’, il ne jouait rien d’autre que le même rythme de shuffle tout au long du morceau. Il détestait ça, et moi aussi. Ça aurait été bien s’il avait travaillé sa partie – le point essentiel du reggae est que la batterie et la basse doivent vraiment être très strictes sur ce qu’elles jouent. Et il ne l’a pas fait, alors ça sonnait affreux. »
Malgré l’aversion évidente de la section rythmique pour la chanson, l’enthousiasme de Plant entraîne la décision de sortir « D’yer Mak’er » en single américain en septembre 1973, associé à « The Crunge ». Bien que Page ait admis plus tard que c’était une décision » complaisante » de sortir des morceaux qu’il décrivait comme des » sarcasmes » et » une rigolade « , il n’était absolument pas préparé à l’effusion d’antipathie envers cette chanson. Même un clin d’œil à Rosie and the Originals, qui a enregistré la ballade lente « Angel Baby » en 1960, n’a pas réussi à orienter les fans dans la bonne direction stylistique. « Je ne m’attendais pas à ce que les gens ne comprennent pas », a déclaré un Page déconcerté à l’écrivain Dave Schulps. « Je pensais que c’était assez évident. La chanson elle-même était un croisement entre le reggae et un numéro des années 50 ; ‘Poor Little Fool’, les trucs de Ben E. King, des trucs comme ça. »
Mais l’opinion de Jones sur le numéro n’a pas réussi à s’améliorer avec le temps. Il l’a décrit avec tact comme « pas ma chanson préférée » dans une interview de 1991 avec Alan di Perna. « Elle me fait un peu grincer des dents. Au départ, c’était une blague, vraiment… mais je n’étais pas content de la tournure que ça prenait. Robert a vraiment aimé ça, même dans un groupe, les gens ont des opinions différentes sur les chansons. »
6. « The Crunge » offre une parodie affectueuse de James Brown.
La diversion funky de Zeppelin sur Houses of the Holy rivalise avec « D’yer Ma’ker » en tant que top-starter d’argument parmi les fidèles du groupe. Les deux chansons partagent une histoire similaire : Elles sont toutes deux nées d’un jam improvisé en studio et ont pris une nouvelle direction grâce aux motifs de batterie distinctifs de Bonham. « Bonzo nous dictait une signature temporelle inhabituelle lorsque nous écrivions, ou lors d’une jam, il nous proposait quelque chose », a déclaré Jones à Matt Resnicoff de Musician. « Ou encore, il commençait un riff qui était étrange, inhabituel, ou juste intéressant. ‘The Crunge’ était comme ça. » Dans ce cas, le batteur a choisi une signature temporelle 9/8 loin d’être standard. « Il y a ce demi-temps supplémentaire, ce qui était une chose brillante, brillante », a déclaré Page. La pulsation syncopée a rappelé un plan de guitare raide avec lequel Page jouait depuis 1970. « Bonzo a commencé le groove sur ‘The Crunge’, puis Jonesy a commencé à jouer cette ligne de basse descendante et je suis arrivé sur le rythme », a-t-il déclaré à Guitar World. « J’ai joué une Strat sur celui-ci – je voulais obtenir cette sensation serrée de James Brown. »
Quand il est venu le temps d’ajouter les voix, Plant a pris un autre indice du parrain de la Soul. Comme de nombreuses sessions de Brown étaient enregistrées avec peu de répétitions, les instructions qu’il donnait au groupe au milieu de la chanson sont devenues une sorte de marque de fabrique. C’est dans cet esprit que le chanteur de Zeppelin a d’abord cherché à faire sa propre interprétation, typiquement britannique, de ces ruptures parlées. « Bonzo et moi allions aller en studio et parler de ‘Black Country’ pendant toute la durée du morceau », a déclaré Plant. « Genre, ‘Aah bloody hell, how you doin’ you all right mate?' » L’idée a finalement été écartée, tout comme le projet d’inclure des pas d’une danse inexistante (appelée « The Crunge », naturellement) dans les notes de pochette. Le morceau final a conservé son style JB, de l’ouverture en forme de vérité de studio (on peut entendre Page discuter avec l’ingénieur George Chkiantz) au commentaire de Plant. « J’adore tous ces trucs de James Brown que Robert fait sur le fait de l’amener jusqu’au pont, parce que bien sûr il n’y a pas de pont dans ce morceau », dit Kramer à Team Rock. « D’où la blague de la fin : ‘Where’s that confounded bridge?' »
Le groupe a joué une version spéciale de la chanson lors de dates au L.A. Forum en mars 1975, la couplant avec une reprise de « Sex Machine » de Brown. Contrairement à « D’yer Mak’er », Jones conserve une forte affection pour la fermeture de Houses of the Holy Side One. « ‘The Crunge’ est brillant – très serré, vraiment, quand on y pense. C’est l’un de mes préférés. »
7. Le tournage de la pochette a été un travail de 10 jours pour deux jeunes frères et sœurs.
La saisissante photo de la pochette de Houses of the Holy représente une horde d’enfants sauvages aux couleurs inhabituelles se frayant un chemin sur une ancienne pente de pierres géométriques, évoquant la fascination du groupe pour le surnaturel et la science-fiction dans une égale mesure. Inspirée du livre Childhood’s End de l’auteur de 2001 : A Space Odyssey, Arthur C. Clarke, dans lequel des enfants escaladent le bord du monde, l’image surréaliste a été créée par l’équipe de graphistes Hipgnosis, dont les illustrations immédiatement mémorables pour des groupes comme Pink Floyd, T. Rex et ELO les ont rendus célèbres. Rex et ELO en ont fait les favoris de l’élite du rock du début des années 70.
« Un jour, le téléphone a sonné, et c’était Jimmy Page », a déclaré le cofondateur d’Hipgnosis, Aubrey « Po » Powell, à Rolling Stone en 2017. « Il a dit : ‘J’ai vu une pochette d’album que tu as faite pour un groupe appelé Wishbone Ash’, qui était Argus. ‘Est-ce que tu aimerais faire quelque chose pour Led Zeppelin ?' » Le guitariste n’allait pas leur faciliter la tâche, refusant d’offrir une proposition de titre, un indice de leur musique, ou même un aperçu d’un texte. « Très Jimmy – très ésotérique et bizarre. Il m’a dit : ‘Retrouve-moi dans trois semaines, et trouve des idées. Tu sais quel genre de groupe nous sommes.' » Malheureusement, la collaboration a connu des débuts difficiles lorsque le partenaire de Powell, Storm Thorgerson, a accidentellement offensé Page avec l’un de ses concepts de pochette. « Il est arrivé avec cette photo d’un court de tennis vert électrique avec une raquette de tennis dessus », se souvient Page dans Guitar World. J’ai dit : « Qu’est-ce que ça a à voir avec quoi que ce soit ? ». Et il m’a répondu : « Raquette – vous ne comprenez pas ?J’ai dit : « Vous voulez dire que notre musique est un racket ? Sortez ! On ne l’a plus jamais revu. … C’était une insulte totale – le racket. Il avait des couilles ! »
Heureusement, Powell a pu arrondir les angles et présenter d’autres idées. L’une d’entre elles consistait à graver les symboles « ZoSo » du groupe sur les lignes de Nazca au Pérou (« Ce qui, je pense, n’aurait pas été très bien vu par les autorités péruviennes », admettra plus tard Powell). Au lieu de cela, ils ont choisi de filmer la formation géologique connue sous le nom de Chaussée des Géants, en Irlande du Nord. Plutôt que de faire venir une foule d’enfants, Hipgnosis n’en a amené que deux – deux jeunes frères et sœurs nommés Samantha et Stefan Gates, âgés respectivement de sept et cinq ans. « Nous sommes restés dans cette petite pension près de la Chaussée des Géants », se souvient Stefan, qui a grandi pour devenir une personnalité de la télévision populaire au Royaume-Uni. « J’ai entendu des gens dire qu’ils avaient mis des perruques à plusieurs enfants. Mais il n’y avait que moi et ma sœur et ce sont nos vrais cheveux. J’adorais être nue à cet âge-là, alors ça ne me dérangeait pas. J’enlevais mes vêtements pour un rien et je courais partout en m’amusant, donc j’étais dans mon élément. » Les souvenirs de sa sœur concernant cette excursion de dix jours sont nettement moins ensoleillés. « Je me souviens très clairement du tournage, principalement parce qu’il faisait un froid glacial et qu’il a plu tout le temps », a-t-elle déclaré au Daily Mail en 2007. « Nous étions nus dans beaucoup de shootings de mannequins que nous faisions, rien n’était pensé à l’époque. Vous ne pourriez probablement pas vous en tirer comme ça aujourd’hui. »
Le temps inclément a créé plus de problèmes que le simple inconfort. « Il a plu à verse pendant une semaine, et je ne pouvais pas prendre la photographie », explique Powell. « Alors j’ai dit : « OK, je vais créer un collage en noir et blanc, entièrement réalisé avec des enfants ». Le plan initial prévoyait que leurs corps soient colorés en or et en argent, mais le ciel gris les faisait apparaître comme des figures blanches délavées, ce qui a nécessité de teinter la photo à la main. Le processus de retouche minutieux a duré deux mois, obligeant le groupe à repousser la date de sortie de l’album de janvier à mars. Avec le formidable manager de Zeppelin, Peter Grant, sur le dos, Hipgnosis ne pouvait pas se permettre de retarder la sortie de l’album lorsque l’artiste a accidentellement donné une teinte violette aux enfants. « La première fois que je l’ai vu, j’ai dit : ‘Oh, mon Dieu’. Puis nous l’avons regardé, et j’ai dit : « Attendez une minute, cela a une qualité d’un autre monde », dit Powell. « Nous l’avons donc laissé tel quel. » Il a présenté le produit final à Page et Grant dans le coffre de sa voiture après un concert de Zeppelin. « Nous sommes là, et c’est Jimmy, cigarette au bec, fumant abondamment, cheveux longs partout, toujours habillé de sa tenue de scène. Environ 200 personnes s’étaient rassemblées autour de la voiture pour regarder l’œuvre d’art. C’était surréaliste. Et j’ai eu droit à une salve d’applaudissements de la part de tous les gens de la station. »
8. Une chanson titre a été enregistrée à l’origine, mais finalement écartée de l’album.
Bucking the style of their previous albums, Led Zeppelin a donné à son cinquième full-length un nom composé de plus que des chiffres romains et/ou des symboles cryptiques. Houses of the Holy tire son titre d’une chanson composée par Page, dont les paroles rendent hommage à la fois aux lieux « sacrés » de la communion des adolescents – notamment les cinémas, les drive-in et même les salles de concert – et à l’étendue de l’âme humaine. « C’est à propos de nous tous étant des maisons du Saint-Esprit, en un sens », a-t-il révélé dans une interview de 2014 sur Sirius XM. Le morceau avait été enregistré et mixé lors de sessions aux Electric Lady Studios en juin 1972, mais ironiquement, il a été coupé de l’album qui portait son nom. Apparemment, le groupe trouvait que le numéro ressemblait trop au strut mid-tempo de « Dancing Days » et a plutôt retenu la chanson pour son album suivant, le double disque Physical Graffiti de 1975.
9. La tournée qui l’accompagne voit le groupe louer son célèbre jet privé, le Starship.
La tournée nord-américaine de 1973 de Led Zeppelin bat des records d’affluence, dépassant même le légendaire concert des Beatles au Shea Stadium après que 56 800 fans se soient entassés dans le stade de Tampa le 5 mai pour voir Page, Plant, Jones et Bonham interpréter des sélections de leur dernière œuvre. Devenus les héros incontestés du rock, les membres du groupe avaient besoin d’un voyage à la hauteur. Pour éviter de changer d’hôtel tous les jours, ils ont décidé de s’installer dans une poignée de grandes villes et d’affréter un avion pour les transporter de et vers leurs concerts nocturnes. Le journaliste Chris Charlesworth, membre de l’entourage de la tournée, se souvient avoir vu les roadies accueillir le groupe avec « de grands peignoirs rouges prêts à être portés lorsqu’ils descendaient de la scène. Ils les ramassaient après le rappel et les emmenaient à l’aéroport alors que le public était encore au stade et en redemandait ». N’ayant jamais été des pilotes enthousiastes, Zeppelin trouve son premier appareil, un jet d’affaires Falcon 20, exigu et inconfortable. Lorsqu’une forte turbulence menace de faire tomber l’avion du ciel après l’avant-dernier concert de la première étape de la tournée, ils décident de se débarrasser définitivement du Falcon. Peter Grant charge le tour manager Richard Cole de trouver un nouvel avion, en lui demandant de ne pas lésiner sur l’opulence et la sécurité – dans cet ordre.
Le Starship a répondu mille fois à cette demande. Un ancien Boeing 720B de United Airlines, le véhicule avait été acheté par l’idole des jeunes Bobby Sherman et son manager Ward Sylvester au début de la décennie, et le duo avait dépensé plus de 200 000 dollars pour transformer le jet de passagers de 138 places en ce que Cole a décrit avec justesse comme « un putain de palais de gin volant ». Les équipements comprenaient un canapé rembourré qui faisait toute la longueur de l’avion, un bar en laiton bien rempli avec un orgue électrique intégré, un lecteur vidéo Sony U-matic dernier cri avec tout ce qu’il faut, des comédies des Marx Brothers aux derniers films pornographiques, un salon séparé avec une fausse cheminée baronniale et une suite principale privée avec une douche et un lit à eau recouvert de fourrure blanche. (« Il y avait une affichette indiquant que le lit ne pouvait pas être occupé pendant le décollage ou l’atterrissage », se souvient Sylvester.)
Le directeur de tournée consciencieux a déboursé 30 000 dollars pour une location de trois semaines du Starship, plus des frais de vol de 2 500 dollars par heure. Après quelques personnalisations cruciales – comme faire peindre « Led Zeppelin » sur le fuselage – l’appareil est présenté au groupe à l’aéroport O’Hare de Chicago le 6 juillet. Même le jet privé de Hugh Hefner, garé à proximité, n’était pas à la hauteur. « Nous n’étions pas le seul groupe à avoir son propre avion », note Page, « mais nous étions les seuls à avoir un avion d’adulte. »
Alors que le Starship a par la suite accueilli Elton John, les Allman Brothers, les Rolling Stones, Deep Purple, Alice Cooper et Peter Frampton, les récits de débauche en vol de Zeppelin ont fait école. Les membres de l’équipage se contentaient de s’affaler sur des fauteuils tournants dans la salle du club, parfois sermonnés par Jones qui jouait à l’orgue des airs de pub comme « I’ve Got a Lovely Bunch of Coconuts », mais les membres du cercle restreint avaient accès à la chambre à coucher dans les quartiers arrière pour le « décollage horizontal ». (Plant a déclaré un jour que son meilleur souvenir de l’avion était « une fellation pendant les turbulences »). La nourriture et l’alcool étaient servis par deux jeunes hôtesses de l’air, Bianca et Suzee, qui recevaient leurs pourboires sous forme de billets de cent dollars roulés et enduits de poudre blanche. Elles méritaient certainement un petit extra pour avoir gardé les membres les plus turbulents du groupe dans le rang. « John Bonham a essayé une fois d’ouvrir la porte de l’avion au-dessus de Kansas City parce qu’il avait envie de faire pipi », a déclaré Suzee au New York Times en 2003. Le batteur a également développé une passion pour les voyages dans le cockpit, où la frontière entre le passager et le pilote devient floue. « Il nous a fait voler une fois de New York à L.A. », a raconté un jour Grant à Charlesworth, « Il n’a pas de permis, esprit… »
10. Rolling Stone n’a pas été tendre avec l’album lors de sa sortie.
Les critiques contemporains ne savaient pas trop quoi faire de Houses of the Holy lors de sa sortie en mars 1973. L’album est accueilli par des critiques moyennes, dont beaucoup affirment que Zeppelin s’est trop éloigné du rock à fond de train de ses albums précédents. » Plant et Page sont étrangement léthargiques et vacants, n’explosant qu’occasionnellement sur ‘Dancing Days’ et ‘The Rain Song’ « , peut-on lire dans un article du Disc & Echo. « Après deux ou trois écoutes, Houses of the Holy apparaît comme une œuvre incohérente ». Même Chris Welch, représentant du Melody Maker, un média habituellement pro-Zep, a donné un avis défavorable, claironnant que « Zeppelin perd son chemin ».
Cependant, c’est Rolling Stone qui a porté certains des coups les plus brutaux. Les critiques du magazine n’ont jamais été les plus fervents partisans du groupe, mais la critique de Gordon Fletcher dans le numéro du 7 juin 1973 atteint de nouveaux niveaux de sauvagerie verbale. « Houses of the Holy est l’un des albums les plus ennuyeux et les plus confus que j’aie entendus cette année », déclarait-il – un aveu étonnant pour les jours de gloire du rock progressif. Il s’en prend ensuite à chaque membre du groupe individuellement pour les défauts qu’il perçoit. « La guitare de Jimmy Page crache des boules de feu déchiquetées avec John Paul Jones et John Bonham qui riffent derrière lui, mais l’effet est détruit par des roucoulements d’accompagnement ridicules et une coda ‘tueuse’ tellement flagrante qu’elle ne peut être prise que comme une moquerie du rock &droit. » Il réserve un mépris particulier à la paire d' »imitations dénudées » – « The Crunge » et « D’yer Mak’er » – qu’il rejette comme « facilement les pires choses que ce groupe ait jamais tentées ». Même les morceaux qui parviennent à éviter de courir après « la dernière mode du rock » ne servent qu’à mettre en évidence les « déficiences d’écriture de chansons » de Page & Co. « Leurs premiers succès sont venus quand ils ont littéralement volé des licences de blues note pour note, donc je suppose qu’il fallait s’attendre à ce qu’il y ait quelque chose de radicalement mauvais dans leur propre matériel. » Pour conclure, il exhorte le groupe à s’en tenir à ses racines « blues-rock ». « Jusqu’à ce qu’ils le fassent, Led Zeppelin restera Limp Blimp. »
Quatre décennies plus tard, Kory Grow de Rolling Stone a eu l’occasion de revisiter l’album pour la réédition de luxe en 2014. Il s’est montré plus tolérant envers le désir du groupe d’élargir sa palette créative. « Des décennies de saturation radiophonique du classic-rock ont fait de certaines de ces chansons des canons », écrit-il, « mais lorsqu’on les replace dans le contexte entre le quatrième disque de Led Zeppelin et la plongée profonde en double LP qu’était Physical Graffiti, elles révèlent un groupe avide de changement. »