Le sage scribe Elton John a dit un jour que « les chansons tristes en disent tellement ». Et la plupart du temps, nous savons exactement ce qu’elles disent : Il n’y a pas à se tromper sur une chanson déprimante de The Cure, The Smiths, Edith Piaf, Hank Williams, et tous les autres sorciers du malheur.
La grande majorité des chansons tristes ont une musique qui est tout aussi (ou parfois plus) déprimante que les paroles qui les accompagnent. Il n’y a pas beaucoup de chansons lugubres, en tonalité mineure, qui parlent de cupcakes, de chiots, d’arcs-en-ciel et de licornes. Mais de temps en temps, une chanson aux paroles horriblement déprimantes est accompagnée d’une musique qui ne correspond pas, créant une dissonance lyrique que nous ne découvrirons peut-être qu’au moment de l’écoute où tout se met en place. La musique country excelle dans ce domaine, offrant des mélodies accrocheuses et agréables qui masquent les paroles souvent sombres et dérangeantes qu’elles contiennent. Mais comme nous l’avons découvert, cette incongruité musicale se retrouve également dans la pop, le rock et même le punk. Voici un aperçu de quelques chansons qui semblent heureuses mais qui sont en fait incroyablement déprimantes.
« Mamma Mia » – ABBA
1976

ABBA a appris à l’Amérique beaucoup de choses sur elle-même. Depuis leur forteresse ABBA à Stockholm dans les années 1970, le groupe a étudié le paysage de la culture pop des États-Unis et a ensuite fait de la musique qui répondait aux tendances dominantes de l’époque, c’est-à-dire le disco. Comme la plupart des groupes qui ont suivi les tendances de l’époque et qui ont connu le succès, ils ont eu la réputation d’être de la pop bubblegum sans âme ou, à tout le moins, de la tripe grand public insipide.
Et à bien des égards, ABBA a incarné cette éthique, mais en y regardant de plus près, on trouve des choses assez tordues dans leurs paroles. Prenez « Mamma Mia », par exemple. Lorsque vous achetez des sacs à main et que vous entendez le jingle familier de la publicité dans les haut-parleurs du magasin, il se peut que vous tapiez du pied malgré vous. Mais si vous êtes attentif, vous entendrez aussi ceci :
J’ai le cœur brisé
Bleu depuis le jour où nous nous sommes séparés
Pourquoi, pourquoi t’ai-je laissé partir ?
Un sujet pas vraiment agréable, n’est-ce pas ? La musique entraînante combinée à la prose déprimante donne l’impression d’une publicité Mentos écrite par Sylvia Plath. Mais il y a pire :
Je pense que tu sais que tu ne seras pas absente trop longtemps

Tu sais que je ne suis pas si forte
Un seul regard et je peux entendre une cloche sonner
Un regard de plus et j’oublie tout
Malgré la prestation enjouée d’Agnetha et Anni-Frid, elles ne peuvent s’empêcher d’admettre qu’elles sont dans une relation avec un vrai mufle. Et elles ont beau essayer, elles ne peuvent pas se résoudre à le quitter pour de bon. Et comme nous savions que d’autres photos d’Anthony Wiener feraient surface, le gars de la chanson continue de tromper, et les filles continuent de répéter le cercle vicieux en lui donnant une autre chance.

« I’ll Be Around » – The Spinners
1972

The Spinners pourraient être considérés comme un précurseur de groupes ultérieurs comme Boyz II Men et New Edition. Originaire du Détroit des années 1960, le quintet a fait partie des chouchous des jours de gloire de la Motown. R&B, comme Detroit lui-même, ne connaîtra plus jamais de jours aussi glorieux. Les Spinners, cependant, ont survécu à la Motown et ont connu leur plus grande gloire au début des années 70, grâce à leur tube « I’ll Be Around ». Le riff de guitare slinky familier et la batterie sensuelle sont immédiatement reconnaissables, et rare est la personne qui ne commence pas à se sentir un peu mieux une fois que cette ballade romantique arrive. Surtout le refrain très connu:
Quand tu m’appelles, je serai là
Quand tu me voudras, je serai là
Quand tu auras besoin de moi, je serai là
Je serai là
Un beau sonnet à une fille chanceuse et peut-être un précurseur de la chanson thème de Friends. Mais les accroches mémorables et le refrain touchant masquent les paroles moins connues des couplets de cet air apparemment romantique:
This is our fork in the road
Love’s last episode
There’s nowhere to go, oh no
You made your choice, now it’s up to me
To bow out gracefully
Though you hold the key
What fresh hell is this ? Il semblerait que cette ballade sensuelle d’un amant à un autre soit en fait un appel désespéré d’un homme récemment quitté, alors qu’il dit à l’amour de sa vie qu’il l’attendra toujours, peu importe le nombre de soleils qui se lèvent et se couchent. Toujours romantique, mais avec un air de futilité condamnée, qui met toujours un peu de frein à la romance.

« What’s A Simple Man to Do ? » – Steve Earle
2002

Steve Earle n’est pas étranger au mélange d’airs entraînants et de désespoir. Sa chanson « Johnny Come Lately » commence comme une chanson patriotique et entraînante sur son grand-père qui a trouvé l’amour en Angleterre pendant la Seconde Guerre mondiale et qui est rentré au pays en fanfare et sous les acclamations de la foule. Le dernier couplet, cependant, retrace le retour du chanteur du Vietnam, mais cette fois-ci, personne ne l’attendait, personne ne l’acclamait pour son rôle dans cette guerre impopulaire. Earle n’est donc pas étranger à la dissonance lyrique.
« What’s a Simple Man to Do », cependant, pousse encore plus loin le décalage entre une musique optimiste et des paroles déprimantes. Se trouvant sur l’album Jerusalem (un gros indice puant quant au contenu déprimant de l’ensemble de l’album), ce numéro accrocheur fait appel à des orgues électriques, des harmoniums et autres instruments feel-good. La chanson ressemble à quelque chose que Billy Joel aurait inventé, et comme Joel, les mélodies agréables ne sont pas toujours indicatives de sujets plaisants. Si vous écoutez les paroles, vous verrez que la chanson parle d’une arrestation à San Diego pour avoir vendu des ballons remplis d’héroïne. Prêtez attention au début de la chanson et vous saurez tout de suite que le bonheur et la joie ne sont pas dans l’esprit de Earle, malgré ce que la musique suggère :
Dear Graciella, I’m writing this letter, deep in the night and I’m all alone.
It’s almost breaking my heart to tell you, I’m so far away from home.
Le chanteur raconte ensuite l’histoire de sa tentative de gagner un peu d’argent rapide en vendant de la drogue pour un homme rencontré à Tijuana. Malheureusement, on sait ce qui s’est réellement passé. Dans le dernier couplet, il demande à Graciella de s’excuser pour lui auprès de sa mère. Il se lamente sur le fait qu’il va probablement mourir en prison et ne jamais revoir ses proches. Chaque couplet est complété par un morceau de piano très entraînant. Marquez une autre victoire pour Earle dans ses tentatives souvent réussies de vous faire taper du pied tout en essuyant vos yeux.

« Let’s Not S–t Ourselves (To Love and Be Loved) » – Bright Eyes
2002

Le frontman de Bright Eyes, Conor Oberst, est un expert en agonie. Enfant prodige qui a enregistré son premier album à l’âge de 13 ans, Conor est depuis lors un enfant-vedette de la dépression. Si vous n’avez jamais entendu parler de Bright Eyes, imaginez Elliott Smith sans l’esprit joyeux et joyeux et vous y êtes. Dans son premier album commercial avec Bright Eyes, Oberst a chanté une chanson intitulée « Padriac my Prince » sur son frère fictif qui s’est noyé dans la baignoire. En d’autres termes, c’est le genre de choses sur lesquelles Conor fantasme pour oublier ses vrais problèmes. Sombre, n’est-ce pas ?
Mais la plupart des chansons de Bright Eyes sont musicalement appropriées et déprimantes. C’est « Let’s Not S–t-t Ourselves (To Love and Be Loved) » qui se distingue du lot par son rythme extrêmement agréable, jouant en arrière-plan de certaines des paroles les plus déprimantes jamais griffonnées sur le papier.
La seule chose plus longue que le titre de la chanson est la chanson elle-même. Pendant dix minutes, Conor livre une série de critiques, de jérémiades et de confessions qui résument son opinion sur le monde dans lequel nous vivons. C’est vers la sixième minute que nous entendons Conor raconter une tentative de suicide peut-être vraie, bien que connaissant son penchant pour la misère fictive, nous ne pouvons pas en être sûrs. Quoi qu’il en soit, il raconte:
Je me suis réveillé dans le soulagement, mes draps et mes tubes étaient tous emmêlés
Faible de whisky et de pilules dans un hôpital de Chicago.
Et mon père était là, dans une chaise près de la fenêtre, regardant si loin
Rappelez-vous que, pendant que cela se passe, le fond est rempli d’une bonne musique rollicking. Conor poursuit,
J’ai essayé de parler, j’ai juste murmuré ‘si désolé, si égoïste’
Il m’a arrêté et a dit ‘mon enfant, je t’aime quand même.
Et rien de ce que tu pourras faire ne changera jamais cela, je ne suis pas en colère, cela arrive.
Mais tu ne peux tout simplement pas le refaire
Dans la même chanson, Conor chante sur les mères qui contractent des prêts pour envoyer leurs enfants à l’université jusqu’à ce que « sa famille soit réduite à des noms sur une liste de courses. » Il fait également référence à un coroner agenouillé sous un crucifix, sachant qu’il y a des choses pires que d’être seul. Nous pouvons penser à une chose pire que d’être seul : Etre le psy d’Oberst !

« Spanish Bombs » – The Clash
1979

On peut nous pardonner de ne pas savoir immédiatement que « Spanish Bombs » est plus qu’une simple chansonnette entraînante. Après tout, Joe Strummer et Mick Jones ne sont pas exactement connus pour leur articulation. Ajoutez à cela un fort accent de l’Essex et vous avez plus de problèmes qu’un groupe de Berkeley Hunt à Brixton, mon pote !
Mais c’est encore pire que ça. De nombreuses paroles de « Spanish Bombs » sont en, sans surprise, espagnol. Et, comme pour d’autres chansons des Clash comportant des paroles en espagnol, les mots et les phrasés sont massacrés au-delà de toute reconnaissance. Quoi qu’il en soit, cette belle ballade enjouée, tirée de leur chef-d’œuvre de 1980, London Calling, traite de la brutale et sanglante guerre civile espagnole, qui s’est déroulée à la fin des années 1930. Cette guerre opposait les fascistes et les révolutionnaires, qui n’étaient pas exactement les meilleurs amis du monde. En tout cas, la chanson s’ouvre sur des mentions de « trous de balles dans les murs du cimetière » et de « Fredrico Lorca est mort et enterré ». Puis le refrain démarre avec ce que les Clash considèrent comme « espagnol »:
Spanish Bombs, yo te quiero infinito.
Yo te quiero, oh my corazon
Les Clash traduisaient souvent dans d’autres langues en cherchant simplement l’équivalent de chaque mot anglais, puis en transposant simplement la phrase avec sa structure anglaise. Hé, ils étaient des punk rockers, pas des majors de la linguistique ! Mais les paroles qu’ils ont choisies en espagnol ne s’intègrent pas du tout à l’ambiance poppy des pubs anglais de la musique.
I will love you forever, oh my heart
C’est triste car, comme nous le voyons dans le couplet suivant : « Les bombes espagnoles brisent l’hôtel, la rose de ma señorita a été tuée dans l’œuf. » La chanson parle d’un combattant rebelle qui se lamente sur les bombes espagnoles qui ont tué son seul et unique véritable amour dans l’hôtel. Cette chanson peut être considérée comme le moment Hemingway du groupe : Une combinaison belle mais déchirante d’amour et de guerre ; d’empathie et de carnage ; de romance et de répugnance.

« Supalonely » – Benee
2019

A première vue, le chanteur néo-zélandais Benee n’a pas grand-chose en commun avec l’icône alt-rock des années 90, Beck. Bien sûr, ils partagent les mononymes B-fronted, mais – plus important encore – ils sont tous deux des perdants. Beck a atteint les charts en 1993 avec « Loser », déclarant « I’m a loser baby, so why don’t you kill me ». Près de trente ans plus tard, Benee s’auto-détruit dans « Supalonely », en se traitant de perdante lorsque son petit ami qui fréquente les clubs (interprété par le chanteur invité Gus Dapperton) la laisse tomber. La différence est que personne ne danse sur l’hymne stoner de Beck, tandis que la chanson faussement ensoleillée de Benee a suscité un engouement viral pour la danse sur TikTok en 2020. Alors que le rythme enjoué se poursuit, elle chante :
Je sais que j’ai f–ked up, je suis juste un loser
Shouldn’t be with ya, guess I’m a quitter
Whilst you’re out there drinkin’, I’m just here thinkin’
‘Bout where I should’ve been
I’ve been lonely, mm, ah, yeah
Benee ressentait vraiment tous les sentiments après une rupture, mais les paroles ne sont pas aussi déprimantes qu’elles le paraissent. Elle n’essayait pas d’oublier le gars, dit-elle, mais elle essayait d’oublier elle-même en écrivant une chanson pleine d’autodérision sur le chagrin d’amour. La production enjouée ne trahit pas les paroles mélancoliques, mais sert à rappeler de ne pas les prendre si sérieusement.
« Parfois, quand vous êtes triste, vous vous dites, ugh, remets-toi en ! » a-t-elle déclaré à I.D.. « Je pense que lorsque j’écoute de la musique comme ‘Supalonely’ où l’on se moque du sentiment d’être triste, d’une certaine façon, ça me fait me sentir bien d’une manière très bizarre. »

« LDN » – Lily Allen
2006

Wow, une autre Britannique sur la liste, et une Essex en plus ! Peut-être est-ce le temps constamment maussade de Londres qui fait que la mélancolie et le désenchantement s’infiltrent même dans les numéros les plus agréables à entendre. C’est le cas de « LDN », basé (comme vous l’aurez deviné) sur Londres, où Allen a passé une grande partie de son adolescence. Le rythme reggae, charmant et enivrant, coule à merveille avec la mélodie enchanteresse et, au premier abord, il semble que Mme Allen ait écrit une ode affectueuse à ses anciens lieux de résidence. Ce n’est qu’en analysant ce qu’elle dit que l’on se rend compte qu’elle est en fait assez catégorique pour affirmer ses capacités à accrocher des abat-jour :
Tout semble avoir l’air comme il faut
mais je me demande ce qui se passe derrière les portes.
Un gars qui a l’air pimpant et il est assis avec un slapper
Puis je vois que c’est un proxénète et sa crackwhore
Bien qu’il soit possible que le proxénète et sa crackwhore aient une relation saine et mutuellement bénéfique, Allen continue en décrivant la grand-mère de quelqu’un qui est brutalement battue:
Il y avait une petite vieille qui marchait dans la rue
Elle se débattait avec des sacs de Tesco.
Il y avait des gens de la ville qui déjeunaient dans le parc
Je crois qu’on appelle ça al fresco
Quand un gamin est arrivé pour lui donner un coup de main
mais avant qu’elle ait le temps de l’accepter,
la frappe à la tête, se fiche qu’elle soit morte
car il a pris tous ses bijoux et son portefeuille
Malheureusement, on ne nous dit pas ce qui est arrivé à la vieille dame et on se demande pourquoi Lily elle-même n’a pas essayé d’appeler à l’aide. Peut-être s’agit-il d’un autre aspect miteux de Londres qu’Allen veut mettre en lumière : Les fils perdus. Le refrain est tout aussi entraînant que le reste de la chanson et tout aussi sombre, car Allen chante : « Quand tu regardes avec tes yeux, tout semble beau. Mais si tu regardes deux fois, tu peux voir que ce ne sont que des mensonges. » On peut dire la même chose de la chanson elle-même et de son sujet, ce qui fait d’Allen, si ce n’est un attachement filial à sa ville natale, certainement un expert qualifié pour devenir méta.

« The Ballad Of Charles Whitman » – Kinky Friedman
1973

Déprimant ne commence même pas à couvrir les paroles de cette chanson. Kinky Friedman a toujours été connu comme étant un peu une figure de la contre-culture ; Aujourd’hui, il est plus populaire pour sa carrière politique au franc-parler mais il fut un temps pas si lointain où il était le chanteur principal et le cerveau des Texas Jewboys. Il est clair que cet homme n’a pas peur de dire ce qu’il pense, et cela n’a jamais été aussi évident que lorsqu’il a sorti « The Ballad of Charles Whitman ».
Whitman était le célèbre tireur qui a escaladé la tour de l’Université du Texas à Austin et abattu 16 personnes le 2 août 1966. C’était une histoire incroyablement diabolique et horrible qui a immédiatement fait partie du mythos grandiose et étrange de l’État où tout est plus grand, y compris les fusillades. Kinky était en fait un étudiant de l’université lorsque la fusillade a eu lieu et il était donc dans une position spéciale, en tant que musicien, pour immortaliser l’événement tragique et apporter une conclusion à ses collègues de l’État.
Friedman a cependant choisi de rendre hommage en créant un air honky tonk sur lequel il était impossible de ne pas danser. Peut-être que l’empathie est la seule chose au Texas qui n’est pas plus grande. En tout cas, les paroles sont fidèles aux événements :
He was sittin’ up there for more than an hour
Way up there on the Texas Tower
Shooting from the twenty-seventh floor
N’oubliez pas que ces paroles sont accompagnées d’un piano de saloon merveilleusement mélodieux et vous comprenez l’idée. Mais alors que les chansons ci-dessus avaient des paroles déprimantes qui étaient destinées à être déprimantes, cette chanson est remplie de paroles déprimantes qui sont en fait destinées à être comiques. Friedman poursuit:
Tout le temps qu’il souriait si gentiment
puis il leur a complètement soufflé
Ils n’avaient jamais vu un Eagle Scout aussi cruel
Whitman était en fait un Eagle Scout quand il était jeune, et cela nous amène à ce qui est facilement l’un des commentaires les plus déprimants, inconfortables et acerbes de toute forme de musique :
Les médecins ont déchiré son pauvre cerveau
mais pas un mouchard de maladie n’a pu être trouvé.
La plupart des gens ne pouvaient pas comprendre pourquoi il avait fait ça
et les bons ne voulaient pas l’admettre : Il y a encore beaucoup d’Eagle Scouts dans le coin
Quelle belle façon d’immortaliser un événement tragique : S’en moquer, puis rappeler aux survivants du massacre que ce genre de chose peut arriver n’importe quand, n’importe quel jour, avec n’importe qui. Ah bon, on dit que la comédie est la tragédie plus le temps.
~Landon McQuilkin et Amanda Flinner
20 juillet 2011, dernière mise à jour le 24 avril 2020 Plus d’écriture de chansons

Articles

Laisser un commentaire

Votre adresse e-mail ne sera pas publiée.