Le jazz n’a peut-être pas d’annuaire officiel, mais il possède une discographie vaste et bien documentée. ‘Year by Year’ est notre tentative de vous présenter les albums les plus remarquables de chaque année, accompagnés d’échantillons audio et d’histoires fascinantes. Nous espérons que vous vous joindrez à nous pour voyager à travers l’histoire infiniment fascinante de la musique, en vous arrêtant tous les 12 mois le long de la chronologie du jazz.
Miles Davis, Kind of Blue (Columbia)
En 1959, Miles Davis était devenu l’un des plus grands noms du jazz et, tout comme les autres musiciens se tournaient vers lui pour obtenir des conseils, il cherchait d’autres artistes qui pourraient influencer la direction de sa musique. Ainsi, lorsque le pianiste Bill Evans lui fait découvrir la modalité en lui montrant les œuvres des compositeurs classiques Béla Bartók et Maurice Ravel, il découvre la possibilité de libérer l’improvisation en dédramatisant les accords. Kind of Blue est devenu son premier album complet de jazz modal, l’éloignant du hard bop et façonnant le style dominant du jazz pour la majeure partie de la décennie suivante. Régulièrement considéré comme la quintessence de l’album de jazz, de « So What » à « Flamenco Sketches », il attire les gens dans une ambiance d’un autre monde, décontractée, avec une élégance et une sophistication inégalées. Le fait qu’il ait été enregistré à la volée le rend d’autant plus impressionnant ; un document de la beauté de la spontanéité et de la chimie partagée par Davis, Evans, les saxophonistes John Coltrane et Cannonball Adderley, le bassiste Paul Chambers et le batteur Jimmy Cobb, Wynton Kelly remplaçant Evans sur « Freddie Freeloader ». »
Charles Mingus, Mingus Ah Um (Columbia)
Dans une année exceptionnelle pour le jazz, marquée par le sublime minimalisme de Kind of Blue de Miles Davis et l’expérimentation avant-gardiste de The Shape of Jazz to Come d’Ornette Coleman, Charles Mingus affirme son indépendance artistique avec une œuvre magistrale et éclectique. Signé chez Columbia par son ami le producteur Teo Macero (dont les techniques de collage innovantes contribuent largement à la sonorité de cet album), Mingus s’est éloigné du modernisme de troisième zone pour laisser libre cours à sa créativité sur Mingus Ah Um, interprété par une incarnation de huit musiciens de son ensemble Jazz Workshop. Ce qui frappe dans cet album, ce n’est pas seulement la diversité du matériel – qui va de l’influence du gospel « Better Git It in Your Soul » à l’hymne satirique contre la ségrégation « Fables of Faubus » en passant par la ballade sincère pour Lester Young, « Goodbye Pork Pie Hat ». C’est aussi comment malgré cette diversité, chacun des morceaux est si bien défini par la sensibilité et l’approche immédiatement reconnaissable du bassiste/compositeur – ce qui explique pourquoi Mingus Ah Um a été appelé l’album qui résume le mieux tout ce que Mingus pouvait faire.
Art Blakey and the Jazz Messengers, Moanin’ (Blue Note)
Art Blakey estimait que le jazz ne recevait pas l’attention qu’il méritait à juste titre et que sa mission était de diffuser son message au plus grand nombre. Le succès commercial de Moanin’ l’a aidé à le faire en cimentant la réputation de son groupe Jazz Messengers, gagnant au passage la réputation d’archétype de l’album hard bop – ce qui semblait juste, étant donné qu’il avait contribué à inventer le terme trois ans auparavant. Le saxophoniste Benny Golson a joué un rôle important dans le succès du groupe, dont il est devenu le directeur musical de facto à cette époque. Son impact a été si important qu’Alan Goldsher écrit : « Art Blakey n’aurait pas pu sauver le jazz si Benny Golson n’avait pas sauvé les Jazz Messengers ». C’est Golson qui a réuni l’une de ses formations les plus emblématiques, avec le trompettiste Lee Morgan, le pianiste Bobby Timmons et la bassiste Jymie Merritt, tous originaires, comme lui, de Philadelphie. Il a également été le curateur de la tracklist du LP, contribuant à trois chansons de son cru, dont l’entraînante « Blues March », et encourageant Timmons, 22 ans, à écrire la chanson titre, qui est non seulement devenue un modèle de soul jazz, mais aussi le plus grand succès de la carrière de Blakey.
Dave Brubeck Quartet, Time Out (Columbia)
À une époque où le jazz était largement structuré autour des temps standards 4/4 et 3/4, le Time Out du Dave Brubeck Quartet est apparu comme une bouffée d’air frais « cool ». Dave Brubeck était l’un des pianistes les plus populaires des années 50, dont le jeu d’accords en bloc à deux mains et la composition étaient influencés par le jazz autant que par une infinie variété d’autres musiques. Il avait également un penchant pour les mesures bizarres et ses expérimentations avec les rythmes ont atteint un sommet sur cet album. En commençant par « Blue Rondo à la Turk », un mélange cérébral de jazz et de rythmes folkloriques turcs qui parvient à swinguer, chaque morceau est une aventure mélodique et un mini chef-d’œuvre. En plein milieu de cette liste impressionnante de morceaux, on trouve « Take Five », le délicieux mais improbable single de jazz le plus vendu de tous les temps, dont le compositeur, le saxophoniste Paul Desmond, a reconnu qu’il était simplement censé être un solo de batterie pour Joe Morello. Columbia a hésité à sortir Time Out et les critiques l’ont critiqué. Le public, en revanche, l’a adoré, et la longévité de cet album prouve que les « experts » n’ont pas toujours raison…
Ornette Coleman, The Shape of Jazz to Come (Atlantic)
Le saxophoniste-compositeur Ornette Coleman estimait que le jazz pouvait et devait exprimer une gamme d’émotions plus large que celle qu’il avait jusqu’alors. Cependant, le manque de succès et de soutien qu’il avait reçu l’a presque poussé à démissionner avant que le producteur d’Atlantic, Nesuhi Ertegun, ne lui propose le contrat qui lui a permis d’enregistrer The Shape of Jazz to Come. Figure polarisante qui jouait une musique que beaucoup jugeaient impénétrablement désagréable, Coleman est devenu le pionnier du free jazz, un type de jazz politiquement chargé qui s’opposait à son équivalent grand public et mettait les musiciens et les auditeurs au défi de sortir des sentiers battus en brisant les conventions. The Shape of Jazz to Come a été enregistré avec un groupe de musiciens partageant les mêmes idées ; le trompettiste Don Cherry, le bassiste Charlie Haden et le batteur Billy Higgins avaient des sensibilités qui penchaient également vers l’avant-garde. Pourtant, malgré l’éclatement de la structure harmonique et la véhémence libre des solos, The Shape of Jazz to Come se classe parmi les enregistrements les plus mélodiques de Coleman, et comporte une influence du bebop qui est particulièrement proéminente dans des morceaux tels que le déchirant « Lonely Woman » (l’une des rares de ses compositions à obtenir le statut de standard de jazz) et le plus optimiste « Chronology. »
Mention honorable : João Gilberto, Chega de Saudade (Odeon) ; Sun Ra, Jazz in Silhouette (Saturn) ; Ella Fitzgerald, Ella Fitzgerald Sings the George and Ira Gershwin Song Book (Verve) ; Bill Evans Trio, Everybody Digs Bill Evans (Riverside) ; Dizzy Gillespie, Sonny Stitt et Sonny Rollins, Sonny Side Up (Verve).
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