Carla R. Stewart como Shug Avery, en el centro, y el reparto de la gira norteamericana de «El color púrpura» en el Teatro Orpheum de SHN.
De izquierda a derecha: Carla R. Stewart como Shug Avery y Adrianna Hicks como Celie en «El color púrpura» en el Teatro Orpheum de SHN.
De izquierda a derecha:�Adrianna Hicks como Celie y N’Jameh Camara como Nettie en «El color púrpura» en el Teatro Orpheum de SHN.
Las voces ululan, alcanzando nuevas alturas y luego inmediatamente nuevos mínimos, deslizándose y patinando entre todas las notas intermedias, como si cantar un tono fuera necesariamente hacer un bucle a través de todos los demás en su proximidad. Los cinturones reúnen tal volumen que prácticamente toman forma tangible; absorberlos significa que casi no hay espacio para que uno mismo se tome un respiro. Luego, los virtuosos solos se desvanecen, dejando al coro en un acorde gospel silencioso pero perfectamente mezclado que retumba con el más allá.
Y eso sólo en el número inicial.
«El color púrpura», cuya reposición ganadora de un Tony se estrenó el miércoles 2 de mayo en el Teatro Orpheum de SHN, trata del poder de la voz humana, tanto musicalmente como en general. Adaptación de la novela de 1982 de Alice Walker, el musical sigue a Celie (Adrianna Hicks), una mujer negra en la Georgia de la época de Jim Crow para la que el horror no es nada. El incesto define su infancia, hasta que su padre (J.D. Webster) la regatea a Mister (Gavin Gregory), que quería casarse con su hermana Nettie (N’Jameh Camara) si no podía casarse con su verdadera amada, la animadora peripatética Shug Avery (Carla R. Stewart). Mientras tanto, los hombres en la vida de Celie la golpean y se burlan de su fealdad – condiciones que Celie acepta como si fueran hechos científicos.
«El color púrpura» es un ajuste incómodo para la era #MeToo. Con un libro de Marsha Norman y música y letras de Brenda Russell, Allee Willis y Stephen Bray, el espectáculo deja que tanto el público como sus villanos se vayan de rositas. Se nos invita a condenar la violencia doméstica y el racismo y a felicitarnos por ser tan ilustrados, y luego el principal maltratador de Celie, su atormentador de toda la vida, consigue colarse de nuevo en su vida después de que ella haya escapado de él, todo por hacer una sola buena acción. El musical insinúa además que si Celie se hubiera dado cuenta de que es «demasiado bella para las palabras» desde el principio, podría haber superado su suerte en la vida antes. Es una forma sutil de culpar a las víctimas. Incluso cuando, superficialmente, la canción intenta elevar a Celie, pasa por encima de las profundas estructuras sociales que la mantienen en el suelo.
La Celie de Hicks contrasta notablemente con la interpretación de Whoopi Goldberg en la versión cinematográfica de la historia de 1985. Mientras que Goldberg estaba quieta y callada, con los ojos siempre abatidos, siempre necesitando que alguien le levantara la barbilla, Hicks es astuta y extravagante, con un tono de rata y tan cargado de manierismos físicos que parece extraño que los otros personajes no se fijen en ellos. Es casi demasiado fácil para esta Celie pasar de víctima a empresaria independiente, y otros hilos de la trama, bajo la dirección de John Doyle, pueden parecer igual de arbitrarios. En particular, la atracción entre Celie y Shug se enciende y se apaga casi como si no hubiera ocurrido en absoluto.
Pero a través de todo esto, el deseo humano se hace suntuosamente absurdo, especialmente por Carrie Compere como Sofía y J. Daughtry como Harpo, amantes que se retuercen de dolor ante la idea de mantener sus manos fuera del otro. La lujuria contagia a todo el conjunto. En una escena desenfrenada, una hilera de parejas se convierte en los cilindros de un motor, que se acelera y luego se enfría, alegremente en los respingos y silbando en su potencia.
Y luego están esas gloriosas voces, con bramidos sobrehumanos de dolor miserablemente humano. Resulta especialmente refrescante en el Orpheum Theatre, cuyos espectáculos a menudo se basan demasiado en el deslumbramiento, ver a esos cantantes relativamente sin adornos. La escenografía de Doyle consiste en poco más que paneles y sillas de madera desgastados, que se convierten en cualquier cosa, desde herramientas de los campesinos hasta bancos de trabajo de los carpinteros. En este musical, las voces son todo lo que se necesita.
Lily Janiak es la crítica de teatro de The San Francisco Chronicle. Correo electrónico: [email protected] Twitter: @LilyJaniak
Para ver un tráiler: https://bit.ly/2rfhQ6A