Perché la musica pop è così brutta in questi giorni

La musica pop di oggi è progettata per vendere, non per ispirare. L’artista pop di oggi è spesso più preoccupato di produrre qualcosa di familiare al pubblico di massa, aumentando la probabilità di successo commerciale. Con meno varietà timbrica e la stessa combinazione di tastiere, drum machine e software per computer, e con solo due autori di canzoni che scrivono la maggior parte di ciò che sentiamo, c’è da meravigliarsi se la maggior parte della musica pop suona allo stesso modo?

Per tutta la scuola elementare e superiore, ho avuto la fortuna di partecipare a programmi musicali di qualità. Il nostro liceo aveva la migliore jazz band dello stato dell’Illinois; ho anche partecipato alla banda sinfonica, che mi ha dato un maggiore apprezzamento per la musica classica. Non era sufficiente leggere la musica. Avevi bisogno di leggere a vista, cioè ti veniva data una composizione difficile da suonare a freddo, senza alcuna pratica precedente. La lettura a vista avrebbe rivelato rapidamente quanto fossero a punto i “chops” del suonare. Al college ho continuato in una jazz band e ho anche seguito un corso di teoria musicale. L’esperienza mi ha dato la capacità di visualizzare la musica (se si suona solo ad orecchio, non si avrà mai quella stessa profondità di comprensione del costrutto musicale).

Allora sia il jazz che le forme d’arte classica richiedono non solo l’alfabetizzazione musicale, ma per il musicista di essere al top del loro gioco in competenza tecnica, qualità tonale e creatività nel caso dell’idioma jazz. I maestri del jazz come John Coltrane si esercitavano dalle sei alle nove ore al giorno, spesso interrompendo la pratica solo perché il suo labbro inferiore interno sanguinava per l’attrito causato dal suo bocchino contro le gengive e i denti. La sua capacità di comporre e creare nuovi stili e direzioni per il jazz era leggendaria. Con poche eccezioni come Wes Montgomery o Chet Baker, se non sapevi leggere la musica, non potevi suonare il jazz. Nel caso della musica classica, se non sai leggere la musica non puoi suonare in un’orchestra o in una banda sinfonica. Negli ultimi 20 anni, le basi musicali come leggere e comporre musica stanno scomparendo con la percentuale di persone che possono leggere la notazione musicale in modo proficuo fino all’11%, secondo alcune indagini.

Due fonti primarie per imparare a leggere la musica sono i programmi scolastici e le lezioni di piano a casa. I programmi musicali della scuola pubblica sono in declino dagli anni ’80, spesso con le amministrazioni scolastiche che danno la colpa ai tagli di bilancio o alla necessità di spendere soldi in programmi extracurricolari concorrenti. Prima del 1980, era comune per le case di avere un pianoforte con i bambini a prendere lezioni di pianoforte. Anche l’architettura delle case incorporava quella che veniva chiamata “finestra del pianoforte” nel soggiorno, che era posizionata sopra un pianoforte verticale per aiutare a illuminare la musica. I negozi dedicati alla vendita di pianoforti stanno diminuendo in tutto il paese perché sempre meno persone si avvicinano a questo strumento. Nel 1909, le vendite di pianoforti erano al loro picco, quando ne furono venduti più di 364.500, ma le vendite sono crollate tra i 30.000 e i 40.000 all’anno negli Stati Uniti. La domanda per gli sport giovanili compete con gli studi musicali, ma anche, meno genitori richiedono ai giovani di prendere lezioni come parte della loro educazione.

Oltre al declino dell’alfabetizzazione e della partecipazione musicale, c’è stato anche un declino nella qualità della musica che è stato dimostrato scientificamente da Joan Serra, uno studioso post-dottorato presso l’Istituto di ricerca di intelligenza artificiale del Consiglio Nazionale delle Ricerche spagnolo a Barcellona. Joan e i suoi colleghi hanno esaminato 500.000 brani musicali tra il 1955-2010, facendo passare le canzoni attraverso un complesso insieme di algoritmi che esaminano tre aspetti di queste canzoni:

1. Timbro- colore del suono, consistenza e qualità del tono

2. Pitch- contenuto armonico del pezzo, compresi gli accordi, la melodia e gli arrangiamenti tonali

3. Loudness- variazione del volume che aggiunge ricchezza e profondità

I risultati dello studio hanno rivelato che la varietà timbrica è diminuita nel tempo, il che significa che le canzoni stanno diventando più omogenee. Traduzione: la maggior parte della musica pop ora suona allo stesso modo. La qualità timbrica ha raggiunto l’apice negli anni ’60 e da allora è diminuita costantemente con meno diversità di strumenti e tecniche di registrazione. La musica pop di oggi è in gran parte la stessa, con una combinazione di tastiere, drum machine e software per computer che diminuiscono notevolmente la creatività e l’originalità. Anche l’intonazione è diminuita, con il numero di accordi e melodie diverse in calo. Anche il contenuto dell’intonazione è diminuito, con il numero di accordi e melodie diverse in declino, dato che i musicisti di oggi sono meno avventurosi nel passare da un accordo o da una nota all’altra, optando per percorsi ben collaudati dai loro predecessori. Si è scoperto che il volume è aumentato di circa un decibel ogni otto anni. Il volume della musica è stato manipolato con l’uso della compressione. La compressione aumenta il volume delle parti più tranquille della canzone in modo che corrispondano alle parti più forti, riducendo la gamma dinamica. Con tutto ora forte, la musica ha un suono confuso, perché tutto ha meno incisività e vibrazione a causa della compressione.

In un’intervista, è stato chiesto a Billy Joel che cosa lo ha reso una star. Rispose che la sua capacità di leggere e comporre musica lo rendeva unico nell’industria musicale, il che, come spiegò, era preoccupante per l’industria quando l’essere musicalmente alfabetizzato ti fa risaltare. Una quantità sorprendente della musica popolare di oggi è scritta da due persone: Lukasz Gottwald dagli Stati Uniti e Max Martin dalla Svezia, che sono entrambi responsabili di decine di canzoni nella top 100 delle classifiche. Si può attribuire a Max e Dr. Luke la maggior parte dei successi di queste star:

Katy Perry, Britney Spears, Kelly Clarkson, Taylor Swift, Jessie J., KE$HA, Miley Cyrus, Avril Lavigne, Maroon 5, Taio Cruz, Ellie Goulding, NSYNC, Backstreet Boys, Ariana Grande, Justin Timberlake, Nick Minaj, Celine Dion, Bon Jovi, Usher, Adam Lambert, Justin Bieber, Domino, Pink, Pitbull, One Direction, Flo Rida, Paris Hilton, The Veronicas, R. Kelly, Zebrahead

Con solo due persone che scrivono la maggior parte di ciò che sentiamo, c’è da meravigliarsi che la musica suoni uguale, usando gli stessi ganci, riff ed effetti di batteria elettrica?

L’intelligenza dei testi è stata anche studiata da Joan Serra negli ultimi 10 anni usando diverse metriche come il “Flesch Kincaid Readability Index”, che riflette quanto sia difficile capire un pezzo di testo e la qualità della scrittura. I risultati hanno mostrato che l’intelligenza dei testi è scesa di un intero grado con testi sempre più corti, che tendono a ripetere le stesse parole più spesso. Gli artisti che scrivono la totalità delle loro canzoni sono molto rari oggi. Quando artisti come Taylor Swift affermano di scrivere la propria musica, è parzialmente vero, nella misura in cui lei scrive i suoi testi sulla rottura del suo ultimo ragazzo, ma non sa leggere la musica e non ha la capacità di comporre ciò che suona. (Non attaccatemi Tay-Tay Fans!)

L’elettronica musicale è un altro aspetto del declino musicale in quanto le molte persone senza talento che sentiamo alla radio non possono vivere senza autotune. L’autotune allunga artificialmente i suoni per avvicinarli alla tonalità centrale. Molti dei musicisti pop e dei rapper di oggi non potrebbero sopravvivere senza l’autotune, che è diventato una sorta di rotelle musicali. Ma a differenza di un bambino di cinque anni che va in bicicletta, non tolgono mai le rotelle per maturare in un musicista migliore. Oso anche tirare in ballo il chitarrista degli U2 “The Edge”, che ha reso popolari i ritardi digitali sincronizzati al tempo della musica? Si potrebbe facilmente sostenere che è più un abile ingegnere del suono che un chitarrista di talento.

La musica di oggi è progettata per vendere, non per ispirare. L’artista di oggi è spesso più interessato a produrre qualcosa di familiare al pubblico di massa, aumentando la probabilità di successo commerciale (questo è incoraggiato dai dirigenti dell’industria musicale, che sono notoriamente avversi al rischio).

A metà degli anni ’70, la maggior parte delle scuole superiori americane aveva un coro, un’orchestra, una banda sinfonica, una jazz band e classi di apprezzamento della musica. Molte delle scuole di oggi ti limitano ad una classe di apprezzamento della musica perché è l’opzione più economica. D.A. Russell ha scritto sull’Huffington Post in un articolo intitolato “Cancellare i corsi elettivi delle scuole superiori, le arti e la musica – così tante ragioni – così tante bugie” che gli insegnanti di musica, arti ed elettivi devono affrontare la costante minaccia di eliminare completamente i loro corsi. La parte peggiore è sapere che la cancellazione è quasi sempre basata su due falsità deliberatamente spacciate dagli amministratori scolastici: 1) la cancellazione è un problema di fondi (la grande bugia); 2) la musica e le arti sono troppo costose (la piccola bugia).

La verità: i periodi di lezione elettivi sono stati usurpati dalla preparazione di test standardizzati. Gli amministratori si concentrano principalmente sulla protezione delle loro posizioni e dello status della scuola concentrando i curricula sul superamento dei test, piuttosto che aiutare gli insegnanti ad essere liberati da mandati micromanageriali in modo che quegli stessi insegnanti possano insegnare di nuovo nelle loro classi, rendendo le classi di preparazione ai test non necessarie.

Cosa si può fare? In primo luogo, l’alfabetizzazione musicale dovrebbe essere insegnata nei sistemi scolastici della nostra nazione. Inoltre, i genitori dovrebbero incoraggiare i loro figli a suonare uno strumento perché è stato dimostrato che aiuta nelle connessioni delle sinapsi cerebrali, nell’apprendimento della disciplina, nell’etica del lavoro e nel lavoro di squadra. Mentre gli sport di contatto come il calcio sono dimostrati dannosi per il cervello, la partecipazione musicale è un potenziatore del cervello.

Ripubblicato con gentile permesso da Intellectual Takeout (agosto 2018).

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L’immagine in evidenza, caricata da MasterMind5991, è della band Maroon 5 che si esibisce a Sydney, Australia nel febbraio 2019, ed è rilasciata sotto licenza Creative Commons Attribution-Share Alike 4.0 International license, courtesy of Wikimedia Commons.