Pourquoi la musique pop est si mauvaise de nos jours

La musique pop d’aujourd’hui est conçue pour vendre, pas pour inspirer. L’artiste pop d’aujourd’hui est souvent plus préoccupé par la production de quelque chose de familier pour le public de masse, augmentant ainsi les chances de succès commercial. Avec moins de variété timbrale, et la même combinaison de clavier, de boîte à rythmes et de logiciels informatiques, et avec seulement deux auteurs-compositeurs écrivant une grande partie de ce que nous entendons, n’est-il pas étonnant que la plupart de la musique pop se ressemble ?

Pendant toute l’école primaire et le lycée, j’ai eu la chance de participer à des programmes musicaux de qualité. Notre lycée avait un groupe de jazz parmi les meilleurs de l’État de l’Illinois ; j’ai également participé à un orchestre symphonique, ce qui m’a permis d’apprécier davantage la musique classique. Il ne suffisait pas de lire la musique. Il fallait lire à vue, ce qui signifie qu’on vous donne une composition difficile à jouer à froid, sans aucune pratique préalable. La lecture à vue révélait rapidement la finesse du jeu. À l’université, j’ai continué à jouer dans un groupe de jazz et j’ai également suivi un cours de théorie musicale. Cette expérience m’a donné la capacité de visualiser la musique (Si vous jouez uniquement à l’oreille, vous n’aurez jamais cette même profondeur de compréhension de la construction musicale.)

Le jazz et les formes d’art classique exigent non seulement une alphabétisation musicale, mais que le musicien soit au sommet de son art en matière de compétence technique, de qualité tonale et de créativité dans le cas de l’idiome du jazz. Les maîtres du jazz comme John Coltrane s’entraînaient six à neuf heures par jour, interrompant souvent leur pratique uniquement parce que l’intérieur de sa lèvre inférieure saignait à cause du frottement de son embouchure contre ses gencives et ses dents. Sa capacité à composer et à créer de nouveaux styles et de nouvelles orientations pour le jazz était légendaire. À quelques exceptions près, comme Wes Montgomery ou Chet Baker, si vous ne saviez pas lire la musique, vous ne pouviez pas jouer du jazz. Dans le cas de la musique classique, si vous ne savez pas lire la musique, vous ne pouvez pas jouer dans un orchestre ou une formation symphonique. Au cours des 20 dernières années, les bases musicales comme la lecture et la composition de la musique sont en train de disparaître avec le pourcentage de personnes qui peuvent lire la notation musicale de manière compétente à 11 pour cent, selon certaines enquêtes.

Deux sources principales pour apprendre à lire la musique sont les programmes scolaires et les leçons de piano à domicile. Les programmes de musique des écoles publiques sont en déclin depuis les années 1980, souvent avec les administrations scolaires blâmant les réductions budgétaires ou la nécessité de dépenser de l’argent sur des programmes parascolaires concurrents. Avant les années 1980, il était courant que les maisons disposent d’un piano et que les enfants prennent des leçons de piano. Même l’architecture des maisons comportait ce que l’on appelait une « fenêtre de piano » dans le salon, placée au-dessus d’un piano droit pour éclairer la musique. Les magasins consacrés à la vente de pianos diminuent dans tout le pays, car de moins en moins de personnes s’intéressent à cet instrument. En 1909, les ventes de pianos étaient à leur apogée avec plus de 364 500 unités vendues, mais les ventes ont chuté pour atteindre entre 30 000 et 40 000 unités par an aux États-Unis. La demande de sports pour les jeunes concurrence les études musicales, mais aussi, moins de parents exigent que les jeunes prennent des leçons dans le cadre de leur éducation.

En plus du déclin de la culture musicale et de la participation, il y a également eu un déclin de la qualité de la musique qui a été prouvé scientifiquement par Joan Serra, un chercheur postdoctoral à l’Institut de recherche sur l’intelligence artificielle du Conseil national de recherche espagnol à Barcelone. Joan et ses collègues ont examiné 500 000 morceaux de musique entre 1955 et 2010, faisant passer les chansons par un ensemble complexe d’algorithmes examinant trois aspects de ces chansons :

1. Timbre- couleur du son, texture et qualité de la tonalité

2. Hauteur- contenu harmonique du morceau, y compris ses accords, sa mélodie et ses arrangements tonaux

3. Loudness- variance du volume ajoutant richesse et profondeur

Les résultats de l’étude ont révélé que la variété timbrale a diminué au fil du temps, ce qui signifie que les chansons deviennent plus homogènes. Traduction : la plupart des musiques pop se ressemblent désormais. La qualité timbrale a atteint un sommet dans les années 60 et n’a cessé de chuter depuis, avec une moindre diversité d’instruments et de techniques d’enregistrement. La musique pop d’aujourd’hui est largement identique, avec une combinaison de claviers, de boîtes à rythmes et de logiciels informatiques, ce qui réduit considérablement la créativité et l’originalité. La hauteur des sons a également diminué, le nombre d’accords et de mélodies différentes étant en baisse. Le contenu de la tonalité a également diminué, le nombre d’accords et de mélodies différentes étant en baisse. Les musiciens d’aujourd’hui sont moins aventureux lorsqu’il s’agit de passer d’un accord ou d’une note à l’autre, optant pour les chemins bien tracés par leurs prédécesseurs. L’intensité sonore a augmenté d’environ un décibel tous les huit ans. Le volume sonore de la musique a été manipulé par l’utilisation de la compression. La compression augmente le volume des parties les plus calmes de la chanson pour qu’elles correspondent aux parties les plus fortes, ce qui réduit la gamme dynamique. Avec tout ce qui est maintenant fort, cela donne à la musique un son brouillé, car tout a moins de punch et de vibration en raison de la compression.

Dans une interview, on a demandé à Billy Joel ce qui l’a fait sortir du lot. Il a répondu que sa capacité à lire et à composer de la musique le rendait unique dans l’industrie musicale, ce qui, comme il l’a expliqué, était troublant pour l’industrie lorsque le fait d’avoir des connaissances musicales vous permet de vous démarquer. Une quantité étonnante de musique populaire d’aujourd’hui est écrite par deux personnes : L’Américain Lukasz Gottwald et le Suédois Max Martin, qui sont tous deux responsables de dizaines de chansons figurant dans le top 100 des charts. Vous pouvez créditer Max et Dr. Luke de la plupart des succès de ces stars :

Katy Perry, Britney Spears, Kelly Clarkson, Taylor Swift, Jessie J., KE$HA, Miley Cyrus, Avril Lavigne, Maroon 5, Taio Cruz, Ellie Goulding, NSYNC, Backstreet Boys, Ariana Grande, Justin Timberlake, Nick Minaj, Céline Dion, Bon Jovi, Usher, Adam Lambert, Justin Bieber, Domino, Pink, Pitbull, One Direction, Flo Rida, Paris Hilton, The Veronicas, R. Kelly, Zebrahead

Avec seulement deux personnes qui écrivent une grande partie de ce que nous entendons, n’est-il pas étonnant que la musique sonne de la même façon, en utilisant les mêmes accroches, les mêmes riffs et les mêmes effets de batterie électrique ?

L’intelligence lyrique a également été étudiée par Joan Serra au cours des 10 dernières années en utilisant plusieurs métriques telles que « l’indice de lisibilité Flesch Kincaid », qui reflète la difficulté de compréhension d’un texte et la qualité de l’écriture. Les résultats ont montré que l’intelligence des paroles a baissé d’une note complète, les paroles devenant plus courtes et ayant tendance à répéter les mêmes mots plus souvent. Les artistes qui écrivent l’intégralité de leurs propres chansons sont très rares aujourd’hui. Lorsque des artistes comme Taylor Swift affirment qu’ils écrivent leur propre musique, c’est partiellement vrai, dans la mesure où elle écrit ses propres paroles sur la rupture de son dernier petit ami, mais elle ne sait pas lire la musique et n’a pas la capacité de composer ce qu’elle joue. (Ne m’attaquez pas les fans de Tay-Tay !)

L’électronique musicale est un autre aspect du déclin musical, car les nombreuses personnes sans talent que nous entendons à la radio ne peuvent pas vivre sans autotune. L’autotune étire ou affine artificiellement les sons afin de les rapprocher de la hauteur centrale. De nombreux musiciens pop et rappeurs d’aujourd’hui ne pourraient pas survivre sans l’autotune, qui est devenu une sorte de roue d’entraînement musical. Mais contrairement à un enfant de cinq ans qui fait du vélo, ils n’enlèvent jamais les roulettes pour devenir de meilleurs musiciens. Oserais-je même aborder le sujet du guitariste de U2, « The Edge », qui a popularisé les retards numériques rythmiques synchronisés avec le tempo de la musique ? On pourrait facilement soutenir qu’il est plus un ingénieur du son accompli qu’un guitariste talentueux.

La musique d’aujourd’hui est conçue pour vendre, pas pour inspirer. L’artiste d’aujourd’hui est souvent plus préoccupé par la production de quelque chose de familier pour le public de masse, augmentant la probabilité de succès commercial (ceci est encouragé par les exécutifs de l’industrie de la musique, qui sont notoirement averses au risque).

Au milieu des années 1970, la plupart des écoles secondaires américaines avaient une chorale, un orchestre, un groupe symphonique, un groupe de jazz et des cours d’appréciation de la musique. Beaucoup d’écoles d’aujourd’hui vous limitent à un cours d’appréciation musicale parce que c’est l’option la moins chère. D.A. Russell a écrit dans le Huffington Post dans un article intitulé « Cancelling High School Elective, Arts and Music-So Many Reasons-So Many Lies » que les enseignants de musique, d’arts et de cours facultatifs doivent faire face à la menace constante de l’élimination totale de leurs cours. Le pire est de savoir que l’annulation est presque toujours basée sur deux mensonges délibérés colportés par les administrateurs scolaires : 1) l’annulation est une question de financement (le gros mensonge) ; 2) la musique et les arts sont trop chers (le petit mensonge).

La vérité : les périodes de cours facultatifs ont été usurpées par la préparation aux tests standardisés. Les administrateurs se concentrent principalement sur la protection de leurs postes et du statut de l’école en concentrant les programmes sur la réussite des tests, plutôt que d’aider les enseignants à être libérés des mandats de microgestion afin que ces mêmes enseignants puissent enseigner à nouveau dans leurs classes, rendant les classes de préparation aux tests inutiles.

Que peut-on faire ? Tout d’abord, l’alphabétisation musicale devrait être enseignée dans les systèmes scolaires de notre nation. En outre, les parents devraient encourager leurs enfants à jouer d’un instrument parce qu’il a été prouvé que cela aide à la connexion des synapses du cerveau, à l’apprentissage de la discipline, à l’éthique du travail et au travail au sein d’une équipe. Alors que les sports de contact comme le football sont des dommages prouvés au cerveau, la participation à la musique est une amélioration du cerveau.

Republié avec la gracieuse permission de Intellectual Takeout (août 2018).

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L’image présentée, téléchargée par MasterMind5991, est du groupe Maroon 5 se produisant à Sydney, en Australie, en février 2019, et est autorisée sous la licence Creative Commons Attribution-Share Alike 4.0 International, avec l’aimable autorisation de Wikimedia Commons.