Dans quelle direction s’est orienté le jazz dans les années 1970?
Dans quelle direction s’est orienté le jazz dans les années 1970 ? La musique s’est étendue texturalement et technologiquement en s’éloignant des continuums rythmiques du swing, et du bebop. Une grande partie de la musique s’est libérée des formes traditionnelles de chansons de 12, 16, 32 mesures et A-A-B-A des deux décennies précédentes. Les compositions complexes sont devenues la norme, mariant des sections étroitement écrites à l’improvisation, enracinées dans des structures trouvées dans la musique classique et la musique du monde entier. Les progrès technologiques ont permis à l’instrumentation de changer radicalement, et ont ouvert des innovations exploitées jusqu’à ce jour.
Instrumentation
Au début des années 1970, les progrès de la technologie et de l’amplification ont permis aux musiciens de jazz d’élargir la portée de leur son et de leur jeu. La première avancée abordée sera la basse directe. Ceux qui connaissent Ron Carter, Eddie Gomez, Stanley Clarke ou Niels Pedersen sur un enregistrement des années 70 connaissent ce son, très moqué. Le bass direct permettait aux bassistes acoustiques de brancher leur basse directement sur la table de mixage ou les systèmes d’amplification, réduisant ainsi les vibrations. L’effet secondaire que cela créait était qu’au lieu de la tonalité boisée de la basse, on entendait beaucoup plus la touche. Par conséquent, les solos de basse prenaient une sonorité semblable à celle de la guitare, comme dans le cas de Gomez, Pedersen et Clarke. Des batteurs comme Billy Cobham et Tony Williams utilisaient des kits de batterie plus grands, du niveau des batteurs de rock, et le piano électrique Fender Rhodes, une technologie datant des années 40, mais dévoilée dans sa version grandeur nature en 1965, est devenu l’instrument préféré de Herbie Hancock, Chick Corea et Joe Zawinul, entre autres. Les synthétiseurs analogiques de Moog, Arp et Oberheim n’en étaient qu’à leurs débuts, et les musiciens et programmeurs se sont rués sur cette nouvelle technologie pour en découvrir le potentiel sonore. Les guitares électriques et les basses complétaient le son pour correspondre à celui des groupes de rock.
Les enfants de Miles Davis
Les avancées des années 70 ont toutes été amorcées par des musiciens qui jouaient dans les groupes de Miles Davis. La musique a trouvé des voies différentes de ce que l’on entendait sur In A Silent Way et Bitches Brew. Tony Williams a été le premier, avec son groupe Lifetime en 1969, à créer le jazz-rock, mais de 1970 à 1972, l’influence du rock dans le jeu de Williams a augmenté massivement. Le Mwandishi d’Herbie Hancock se concentre sur une approche plus ambiante et avant-gardiste, employant Hancock au Fender Rhodes et des effets Bennie Maupin à la clarinette basse et aux saxophones, Eddie Henderson à la trompette et au bugle, Julian Priester aux trombones, Buster Williams à la basse et Billy Hart à la batterie. Le groupe enregistre Mwandishi (Warner Bros. 1971) Crossings (Warner Bros. 1972) et Sextant (Columbia, 1972), qui font la part belle aux textures multicolores et aux métriques étranges (le 15/8 de « Ostinato For Angela » et le 19/8 de « Hidden Shadows »). Ces deux derniers albums ont bénéficié de l’apport du Dr Patrick Gleeson au synthétiseur Moog, dont les textures atmosphériques et sinistres ont beaucoup apporté à la musique. Avec Sextant, Hancock a ajouté le clavinet Hohner D-6 et le synthétiseur Arp et, bien que l’album ne soit pas aussi époustouflant que Crossings, il constitue une fin digne de la trilogie. « Rain Dance » a influencé une génération de producteurs de musique électronique avec son ouverture séquencée. Malheureusement, Mwandishi n’était pas économiquement viable. Inspiré par James Brown et Sly And The Family Stone, Hancock fait venir Maupin du groupe précédent, fait venir Paul Jackson à la basse et Harvey Mason à la batterie et forme les Headhunters. Leur premier album éponyme a donné naissance à de grands succès : « Chameleon » et un « Watermelon Man » remanié avec des rythmes très funky, des Rhodes liquides et des claviers volumineux. Plus tard dans la décennie, Hancock ajoute le vocoder à son arsenal en passant au R&B et au disco, aliénant les puristes du jazz qui ne le considèrent plus comme un musicien de jazz. Hancock a enregistré des projets acoustiques, mais principalement pour CBS/Sony, la division japonaise de Columbia, la majorité des 8 albums recevant leurs débuts américains dans The Complete Columbia Album Collection 1972-1988 (Columbia/Legacy, 2013).
Chick Corea passerait de l’avant garde qui a marqué ses albums du milieu des années 60 à quelque chose de différent avec Return To Forever (ECM, 1971). Le Fender Rhodes a été le catalyseur d’un nouveau son pour le pianiste, un mélange flottant et joyeux aux penchants brésiliens mettant en vedette la troupe de Flora Purim au chant, Joe Farrell aux anches, Stanley Clarke à la basse et Airto Moreira à la batterie. Cette formation enregistre Light As A Feather (Polydor, 1972) avec le classique « Spain » avant un changement significatif de la formation avec le départ de Farrell, Purim et Moreira, Bill Connors se joignant à la guitare et Lenny White à la batterie. L’orientation change radicalement dans une direction plus rock pour Hymn Of The Seventh Galaxy (Polydor, 1973), avec un jeu virtuose et des formes de chansons plus proches de l’écriture classique, bien loin des formes de chansons à 16 et 32 mesures de la décennie précédente. La version « classique » de la RTF se consolidera avec Al DiMeola qui remplacera Connors et publiera Where Have I Known You Before ? (Polydor, 1974) et Romantic Warrior (Columbia, 1976), qui définit le groupe et dont les constructions compositionnelles amènent les choses à un autre niveau, proche du rock progressif. En effet, l’appel croisé que l’album a généré était massif. RTF sera dissous après deux autres albums avec une formation élargie, et Corea enregistrera certains de ses plus grands succès en tant qu’artiste solo, comme The Leprechaun (Polydor, 1977). L’édition Dimeola/Clarke/White de la RTF s’est réunie pour une grande tournée mondiale en 2008, produisant un double album live et une vidéo de concert de leur apparition au Festival de Jazz de Montreux 2008 montrant la profondeur et la majorité du matériel plus de 30 ans après. Corea fera une tournée acoustique avec le trio de base et formera une nouvelle version de Return to Forever avec son camarade de l’Elektric Band Frank Gambale à la guitare et une autre icône du jazz rock, le violoniste Jean Luc Ponty.
Mahavishnu et Weather Report
Le Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin avec le violoniste Jerry Goodman, le bassiste Rick Laird et le batteur Billy Cobham fera une énorme déclaration avec Birds Of Fire (Columbia, 1973). Non seulement McLaughin utilise des unissons vertigineux qui rappellent la musique classique indienne, mais il fait également un usage stupéfiant de la mesure impaire. C’est à ce moment-là que Cobham commence à expérimenter un kit beaucoup plus grand avec un ensemble de cymbales et une double grosse caisse, en vogue à l’époque du swing avec Louis Bellson. Des compositions classiques comme « Birds of Fire » mêlent une signature temporelle 18/8 inhabituelle avec des groupes de guitares de 5+5+5+3, une batterie de 6+6+6+6 et un violon dans des groupes de 3+3+2+3+3+2+ (Davies, 1985, 48-49) et une audace mélodique palpitante, « Dance of the Maya » et son ouverture sombre préfigure presque le métal, tandis que le solo de violon de Jerry Goodman est flanqué du groove shuffle de Billy Cobham, amenant les choses sur une longueur d’onde plus terrestre. « Vital Transformations » percole entre 9/8 et quelques passages en 4/4. Avec Mahavishnu, une nouvelle façon de penser a fait éclater la porte dans l’arène du jazz rock, et avec Return to Forever, Mahavishnu, Herbie Hancock et Weather Report coexistant dans le même espace, une individualité sans limite était offerte.
Weather Report a également évolué à partir des groupes de Miles, Joe Zawinul et Wayne Shorter menant le groupe avec Miroslav Vitous à la basse, Airto aux percussions et le regretté Alphonse Mouzon à la batterie. WR a commencé comme un ensemble très différent, l’album éponyme Weather Report (Columbia, 1971) s’ouvre sur l’étonnant « Milky Way », le studio étant utilisé comme un instrument à part entière, des textures aériennes étranges étant créées par Zawinul jouant des accords tandis que Shorter soufflait du saxophone soprano dans le piano. L’orientation avant-gardiste du groupe est mieux mise en valeur sur ce qui pourrait être leur meilleur enregistrement, Live In Tokyo (Columbia, 1972). De longs medleys en marge de l’album présentent des textures post In A Silent Way, la basse wah wah de Miroslav Vitous imitant la trompette wah wah de Miles Davis, des percussions éthérées et des effets vocaux de Dom Um Romao. C’est le jeu le plus volatile, le plus débridé de Weather Report sur disque – un animal bien différent de celui que la plupart des gens associent au groupe sur des albums comme Black Market (Columbia, 1976) et leur best-seller, Heavy Weather (Columbia, 1978). En 1973, Zawinul ressent le besoin d’une nouvelle direction pour le groupe, s’éloignant de l’abstraction des trois premiers albums du groupe, pour aller vers une direction plus groove qui contiendrait plus que quelques graines de la musique du monde à partir de Sweet Nighter (Columbia, 1973). En 1978, il y a un batteur cohérent avec Alex Acuna, Jaco Pastorius remplace Alphonso Johnson, et enregistre Heavy Weather. L’album contient certains des efforts de composition les plus aboutis du groupe avec « Birdland », « A Remark You Made » et « Palladium » de Wayne Shorter. Les critiques ont méprisé le fait que le groupe ait atteint le statut de rock star, et la main de Zawinul est devenue beaucoup plus lourde au niveau de la composition et des textures de la musique, ce qui a finalement conduit au départ de Jaco Pastorius en raison de l’influence de plus en plus envahissante de Zawinul. Les compositions de Shorter se font de plus en plus rares sur les albums et après l’album This Is This de 1985, le groupe se dissout. La musique de Weather Report reste très influente dans le jazz et d’autres musiques – par exemple, le groupe a eu une grande influence sur le groupe électronique français Deep Forest, dirigé par le producteur et claviériste Eric Mouquet et Michel Sanchez. Ils ont fait figurer Zawinul sur le morceau « Deep Weather », un clin d’œil sournois au nom du groupe.
Miles Runs The Voodoo Down (Again)
Au début des années 70, Miles Davis était plongé jusqu’aux genoux dans les influences de Jimi Hendrix, James Brown et Sly Stone, une musique qu’il aimait profondément grâce au fait qu’il y avait été initié par sa femme Betty Davis. Le trompettiste cherche à repousser les limites une fois de plus, et cherche à capturer le son des rues de l’Amérique noire, et le résultat de ce besoin de capturer l’urbanité de ce qu’il entend est On The Corner (Columbia, 1972), un merveilleux mélange d’éléments indiens, électroniques et africains. Au cours d’un échange fascinant et souvent virulent, le percussionniste James Mtume a débattu des mérites de cette musique avec Stanley Crouch (connu pour ses positions puristes extrêmement droitières en matière de jazz acoustique). S’appuyant sur les concepts de déclin esthétique, d’épuisement technique et d’obsolescence sociale posés par le critique de musique classique Henry Plesants, Mtume explique que Davis a cherché de nouvelles voies d’expression, en utilisant la wah wah, les rythmes africains intenses et la modulation métrique pour créer quelque chose de nouveau. La modulation métrique utilisée dans les groupes de Davis de 1973 à 1975 est particulièrement fascinante pour la seule raison qu’elle est complètement répétée pour assurer une transition sans heurts, tout en maintenant l’illusion de quelque chose de totalement improvisé. Ce corpus d’œuvres, en particulier les enregistrements en direct, restent parmi les plus stimulants du trompettiste et parmi le jazz le plus puissant de la décennie.
Autres courants et conclusion
Alors que le jazz-rock et le jazz-funk dominaient les ventes, d’autres mouvements existaient dans la musique. ECM, fondé par Manfred Eicher en 1969, offrait une approche de chambre ambiante et largement acoustique de la musique avec le label connu pour des sonorités cristallines inégalées et une qualité luxuriante et spacieuse avec des tonnes de réverbération. Keith Jarrett, Paul Bley et Chick Corea ont tous apporté des contributions importantes au domaine du piano solo, Jarrett et Bley en particulier redéfinissant cet idiome. L’arrivée de batteurs tels que Jon Christensen et Jack DeJohnette a permis d’établir une conception rythmique entre le swing et les croches droites, qui a redéfini une nouvelle génération. Pat Metheny, Gary Burton, Ralph Towner et d’autres ont tous travaillé sur ECM, et à ce jour, le label reste une force progressiste. Des labels comme Pablo, Concord et Xanadu ont donné naissance à la tradition du straight ahead jazz, et le VSOP Quintet de Herbie Hancock avec Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Ron Carter et Tony Williams a jeté les bases du renouveau du jazz acoustique à grande échelle mené par Wynton Marsalis dans les années 80. Le jazz acoustique et direct était toujours produit dans les années 70, mais il n’était pas aussi populaire et il n’y avait pas beaucoup d’occasions de l’enregistrer. Des groupes comme le Steps Ahead du vibraphoniste Mike Mainieri, avec des as du studio comme Don Grolnick, Michael Brecker, Eddie Gomez et Steve Gadd, ont mélangé le straight ahead avec les tendances actuelles, établissant en partie la feuille de route de ce qui allait devenir le smooth jazz, avec les disques de Bob James, Lee Ritenour et GRP. Pour comprendre l’impact du jazz des années 70, des ateliers comme Modern Jazz Ensemble enseigné par Sebastian Noelle peuvent aider à fortifier les dispositifs musicaux d’aujourd’hui qui ont évolué à partir de cette époque au New York Jazz Workshop.