Les années 1980 ont été une décennie préoccupée par le succès et l’image, et une grande partie de l’art américain de cette décennie a été façonnée par cette préoccupation. Dans une période d’excès, l’art est devenu plus grand. La peinture, les comédies musicales et les enregistrements pop sont tous devenus plus grands en termes de portée et d’ambition, de thème, de budget et de promotion. La nouvelle échelle et l’influence de l’art convenaient aux Américains dans les années 1980. Disposant d’un revenu disponible plus important que dans les années 1970 et lassés du pessimisme de cette décennie, ils veulent à nouveau s’amuser. Aidés par l’économie nationale la plus saine depuis les années 1960, les Américains ont commencé à dépenser plus d’argent pour les arts et les loisirs. Les prix du marché de l’art ont atteint de nouveaux sommets, les riches découvrant que l’acquisition d’œuvres d’art était un moyen de démontrer leur réussite financière. Plus que jamais, ils en sont venus à considérer l’art comme une entreprise. Le résultat financier est devenu le but ultime d’une forme d’art.
Les artistes ont rapidement compris la demande accrue du public pour leurs œuvres. Souvent, ils ont commercialisé leurs œuvres de manière à créer et à étendre cette demande. L’artiste pop Keith Haring, qui s’inspirait des graffitis sur les bâtiments et les métros des villes, a créé une ligne de produits portant ses images graphiques les plus populaires. Il a ensuite ouvert un magasin pour les vendre. D’autres artistes ont été si habiles à commercialiser leur travail que l’œuvre elle-même est devenue secondaire. Ils sont devenus des publicités pour eux-mêmes. Madonna est peut-être la plus douée pour la vente d’images. En commercialisant ses films, ses vidéos, ses enregistrements et son image toujours changeante, elle est devenue une entreprise à elle seule, gagnant des millions de dollars dans le processus.
Les artistes et les interprètes les plus prospères de la décennie ont appris à utiliser les médias pour emballer et commercialiser leurs images publiques et créer une demande pour leurs projets et leurs produits. Comme le public en demandait plus, les médias lui en donnaient plus. Au début des années 1980, MTV a envahi les ondes avec un flux constant de vidéos musicales, vingt-quatre heures sur vingt-quatre. Poursuivant la folie de l’image qui dure depuis une décennie, les musiciens et les groupes sont bientôt mesurés par leur apparence aussi bien que par leur son. Une nouvelle génération de stars de la vidéo pop est née, catapultée au rang de célébrité par la fusion du cinéma et de la musique. Grâce à l’exposition dans les vidéos et les films, le break dancing, le rap et d’autres formes de culture hip-hop se répandent bientôt des ghettos urbains aux banlieues. La culture pop est devenue un creuset de mode, d’image, de hipness, de tendance et d’attitude.
Les années 1980 n’ont pas été une décennie d’avidité, de style et d’autopromotion pour tout le monde. Certains artistes et animateurs se sont engagés dans des causes sociales. D’autres ont utilisé leur travail pour faire des déclarations politiques. Le musicien anglais Bob Geldof a organisé le projet Band Aid en 1984 et les concerts jumeaux Live Aid à Londres et Philadelphie en 1985 pour aider les victimes de la famine en Afrique. Son travail a inspiré la collaboration USA for Africa, qui a donné naissance à l’hymne pop « We Are the World » en 1985. Le concert Farm Aid, organisé la même année, visait à collecter des fonds pour rembourser les dettes des agriculteurs américains. D’autres bénéfices ont permis de sensibiliser le public aux pratiques discriminatoires du gouvernement sud-africain et à l’épidémie de sida, qui n’a guère reçu d’attention sérieuse de la part du gouvernement américain pendant la majeure partie de la décennie.
Alors que les Américains dépensaient sans compter pour l’art pendant les années 1980, le gouvernement américain du président Ronald Reagan a essayé de réduire le financement fédéral des arts. Ses collègues politiciens conservateurs désapprouvaient le soutien des agences gouvernementales aux artistes dont les œuvres étaient considérées par les politiciens comme moralement offensantes. Cette guerre culturelle, dans laquelle divers groupes tentent d’imposer leur définition de l’art à tous les autres, s’est étendue à toute l’Amérique. Dans tout le pays, des groupes conservateurs et chrétiens se sont battus pour censurer ou interdire des œuvres d’art qu’ils jugeaient indécentes, des livres d’histoire qu’ils considéraient comme biaisés, de la musique rap qu’ils jugeaient violente, et des films et vidéos qu’ils jugeaient irrévérencieux. Dans certaines communautés, les conseils scolaires ont essayé de retirer les livres « controversés » des bibliothèques scolaires, dont beaucoup étaient des romans classiques écrits par des auteurs américains respectés.