Un viaje por la memoria
Los sistemas de juego de la era de los 8 y 16 bits no eran exactamente las potencias gráficas en las que han evolucionado las consolas modernas, los PC e incluso los teléfonos. Pero hay muchos otros aspectos, como unos buenos controles, un argumento sólido y unos personajes memorables, que contribuyen a la creación de un juego completo.
Los juegos de calidad tienen, casi por unanimidad, un sonido y una música excelentes.
Los juegos de calidad tienen, casi por unanimidad, un sonido y una música excelentes. Atorados por las limitaciones del hardware, los compositores de antaño a menudo tenían que ser creativos para superar las deficiencias asociadas a las plataformas de la época. He aquí 10 ejemplos excelentes en los que los compositores hicieron precisamente eso…
The Legend of Zelda – 1986 – NES
Un fragmento de la Trifuerza de la Sabiduría
The Legend of Zelda no fue el primer juego que jugué en NES. Ese honor, con toda probabilidad, fue para Super Mario Bros. Pero fue el primer título al que recuerdo haber jugado con una banda sonora cautivadora.
En el momento en que pulsas el botón de encendido y se carga la pantalla de título, te recibe una hipnotizante cascada y una encantadora melodía que cambia rápidamente para indicar que te espera una gran aventura.
El tema principal de Legend of Zelda
Pasa a leer el prólogo o ve al grano, selecciona tu personaje y salta directamente a un vasto mundo ambientado con la música del legendario compositor japonés Koji Kondo.
En una entrevista de 2007 con Wired, Kondo dijo que con Zelda intentaba realzar la atmósfera de los entornos y las localizaciones. «El sonido de Mario es una especie de música popular, y Zelda es como… un tipo de música que nunca has escuchado antes», añadió.
El tema de las mazmorras de The Legend of Zelda
Discutiblemente, más impresionantes que las melodías de la introducción y del mundo exterior son los temas de las mazmorras. Los ocho primeros laberintos subterráneos comparten una banda sonora común, pero para el nivel 9, a menudo llamado Montaña de la Muerte, obtenemos una pista aún más desconcertante mientras cazamos y nos preparamos para la batalla final con Ganon.
Lo único que puede resultar más impresionante del juego en sí o de la música es la caja en la que venía, que presentaba un recorte para revelar el cartucho dorado que contenía.
Imagen: videogamebosession.com
Sólo puedo imaginar cuántas copias se vendieron basándose únicamente en esta estética. Sin embargo, sabemos que The Legend of Zelda fue el quinto juego de NES más vendido de la historia con más de 6,5 millones de copias vendidas a lo largo de su vida.
Teenage Mutant Ninja Turtles – 1989 – NES
Teenage Mutant Ninja Turtles en la NES
Buscando capitalizar la creciente popularidad de los «héroes del caparazón», los creadores de las Tortugas Kevin Eastman y Peter Laird se asociaron con Konami en 1989 para lanzar uno de los primeros videojuegos basados en la franquicia.
El resultado final fue un juego de acción para un solo jugador que era muy diferente del juego de arcade de las TMNT lanzado ese mismo año. Aunque muchos recordarán el juego como excesivamente difícil y con controles torpes, sí que ofrecía una banda sonora de calidad.
El escenario submarino de TMNT para NES
El compositor japonés Jun Funahashi dibujó el encargo para Konami. La banda sonora no era muy larga, aunque incluía algunos temas memorables, como el tema de las bombas submarinas, la música de las peleas contra los mini jefes y el tema principal del overworld.
Creo que el juego podría haberse beneficiado de usar el tema de las Tortugas de la serie animada, pero teniendo en cuenta que Konami lo incluyó en el juego arcade, quizás no quisieron ser repetitivos. La franquicia de las Tortugas daría lugar a otros juegos y programas, múltiples películas y un montón de productos con licencia.
ToeJam & Earl – 1991 – Sega Genesis
ToeJam a la derecha y Earl a la izquierda
ToeJam & Earl es sin duda el juego más peculiar de esta lista. Concebido por Greg Johnson, el juego gira en torno a dos raperos alienígenas que se han estrellado en la Tierra y deben recuperar piezas de su nave para reconstruirla y volver a su planeta natal, Funkotron. Es una búsqueda del tesoro glorificada, realmente.
La banda sonora, compuesta por John Baker, es lo que realmente hizo este juego. Una extraña mezcla de jazz y funk con elementos de hip hop, que no se parece a nada de lo que se había escuchado en los juegos hasta ese momento. En un artículo de 2009, IGN decía que Baker se había inspirado en artistas como Herbie Hancock y The Headhunters. Sí, ciertamente puedo oír esa influencia.
La banda sonora original de ToeJam & Earl
Dato curioso: Johnson y Baker grabaron una versión especial del tema principal del juego, ToeJam Jammin’, para utilizarla en una cinta de casete promocional que solo estaba disponible para los suscriptores de la revista Sega Visions a través de pedidos por correo durante un breve periodo de 1991.
Durante el desarrollo de ToeJam & Earl: Back in the Groove, más de 25 años después, se dice que alguien vio el casete a la venta en eBay y preguntó a Johnson si era legítimo.
Una rara grabación de cinta de casete promocional de ToeJam & Earl
Lo era, e incluso tenía una vieja copia en su garaje. Los patrocinadores del proyecto Kickstarter le preguntaron si podía incluir la pista en el nuevo juego como un huevo de Pascua. Johnson estuvo encantado de complacerles.
ToeJam &Earl fue más un clásico de culto que un éxito del momento. Según Ken Horowitz en su libro Playing the Next Level: A History of American Sega Games, Sega vendió unas 350.000 copias del juego durante su existencia. La franquicia dio lugar a tres secuelas, incluyendo el ya mencionado Back in the Groove, que se lanzó en 2019.
Super Mario World – 1991 – SNES
Eran las Navidades de 1991 y solo había una cosa en mi lista de deseos: una Super Nintendo. Fue hace demasiado tiempo para recordar los detalles, pero a medida que avanzaba el año, tuve una discusión con mi padre sobre el televisor de mi habitación, un modesto aparato de 13 pulgadas. Sea como fuere, la cosa iba en serio (al menos en mi cerebro de nueve años) y me atrincheré. Al diablo con la Super Nintendo, en lugar de eso quería un televisor nuevo para Navidad.
O bien fui increíblemente convincente o bien mis padres realmente no querían hacer el tonto, porque me llamaron la atención. Cuando faltaban unas semanas o incluso un mes para la Navidad, sacaron un regalo de forma rectangular de debajo del árbol y me dijeron que podía abrirlo. Como la noche sigue al día, desenvolví una Super Nintendo con un paquete de Super Mario World. Me dijeron que podía tenerla en ese mismo momento, siempre y cuando abandonara la idea de la nueva televisión. Pero no, yo era demasiado orgulloso, demasiado testarudo. Lo iba a hacer todo. La televisión o el fracaso.
El tema del castillo de Super Mario World
La SNES fue devuelta y al final conseguí la televisión que quería. Sin embargo, si hubiera aceptado la oferta de paz de mis padres, habría podido experimentar la magia de Super Mario World y su gloriosa banda sonora mucho antes de lo que lo hice.
Super Mario World ofreció al compositor Koji Kondo la oportunidad perfecta para mostrar lo que era posible en el nuevo hardware de Nintendo. También permitió al productor Shigeru Miyamoto realizar por fin su sueño de regalar a Mario un compañero dinosaurio, Yoshi.
Al comparar Super Mario World con el trabajo más reciente de Kondo en aquella época, Super Mario Bros. 3 para NES, se percibe inmediatamente la complejidad de los temas del primero.
La música de los escenarios subterráneos de Super Mario World
El tema utilizado en los escenarios subterráneos es un ejemplo perfecto, ya que hay muchas cosas que suceden a la vez. No es suficiente para abrumar al jugador, eso sí, y está hecho con mucho gusto, pero contrasta con las canciones más simplistas del juego anterior.
Sonic the Hedgehog 2 – 1992 – Sega Genesis
Sonic y su compañero naranja, Tails
Para las vacaciones de 1992, la mascota más importante de Sega -Sonic the Hedgehog- se preparaba para otro asalto con Mario de Nintendo por la supremacía de la consola.
De su lado estaba la Sega Genesis, posiblemente la más moderna de las dos consolas de 16 bits, y un nuevo compañero llamado Tails. Aunque cada consola tenía sus propios pros y contras, el marketing de Sega se apresuró a señalar la ventaja que ofrecería al juego una tecnología como el Blast Processing.
Comercial de Blast Processing para la Sega Genesis
Y para el profano que viera un tráiler de Sonic 2, no tendría ninguna razón para no creer que algo llamado Blast Processing estaba involucrado. Sólo hay que ver lo rápido que se mueve Sonic en la pantalla. Era increíblemente impresionante a principios de los 90 y, francamente, sigue emocionando hasta hoy.
Salvo que era una especie de farsa.
La jugabilidad de Sonic 2 era ridículamente rápida por muchas otras razones, pero el Blast Processing no era una de ellas. De hecho, nunca se utilizó en ningún juego embarcado para la Genesis; sólo recientemente se ha conseguido dominar la tecnología. Pero esa es una historia para otro día.
Comercial de la Sega Genesis con Sonic the Hedgehog 2
La música de Sonic the Hedgehog 2 fue compuesta por Masato Nakamura, bajista y compositor del grupo de J-pop Dreams Come True. Empezó a trabajar en el proyecto desde el principio, utilizando imágenes conceptuales para hacerse una idea del tipo de atmósfera que creía que mostraría el escenario.
Sega le dio esencialmente rienda suelta para trabajar en el proyecto, así que creó gran parte de él mientras grababa con su banda en Londres, mientras trabajaban en su quinto álbum.
Banda sonora original de Sonic the Hedgehog 2
Cada uno de los temas de los escenarios principales tenía un sonido muy singular que encajaba perfectamente con su aspecto. Personalmente, Sky Chase Zone es quizás mi favorita, seguida de cerca por Chemical Plant Zone.
Sonic the Hedgehog 2 fue un éxito para Sega, vendiendo seis millones de unidades tras su lanzamiento el 20 de noviembre de 1992. No fue suficiente para superar los 15 millones de juegos originales de Sonic the Hedgehog que Sega consiguió distribuir, pero ese título se incluía en un paquete con la consola, lo que sin duda infló las ventas.
En cualquier caso, Sega tenía una nueva mascota emblemática en su lista para luchar contra Mario y eso es lo mejor que se podía pedir durante la guerra de las consolas de los 90.
Street Fighter II – 1992 – SNES
Street Fighter II en Super Nintendo
A principios de los 90, había básicamente dos bandos en lo que respecta a los juegos de lucha: Mortal Kombat y Street Fighter. Es cierto que la primera entrega de esta última serie no fue tan memorable, pero en su segundo bateo, Capcom dio un gran golpe con un juego divertido y con una gran banda sonora.
Street Fighter II llegó a los salones recreativos a principios de 1991, pero no sería hasta el verano del año siguiente cuando llegó a Super Nintendo.
El tema de introducción de Street Fighter II
Desde el momento en que se carga el logotipo de Capcom y hasta el tema principal, esta banda sonora cumple con creces.
La mayor parte de la música del juego puede atribuirse a Yoko Shimomura, una compositora y pianista japonesa que ha contribuido a casi 70 juegos a estas alturas. Uno de sus primeros trabajos fue Street Fighter II, en el que fue responsable de todos los temas del juego, excepto tres. Desgraciadamente para Capcom, dejó la compañía en 1993 para dedicarse a escribir más música clásica para juegos de rol.
Una de las mayores conclusiones de Street Fighter II es lo bien que encaja el tema musical de cada luchador con su personalidad. El escenario de Guile tenía un aire patriótico, el de Blanka te hacía sentir que estabas luchando de verdad en las selvas de Brasil y el tema de M. Bison hacía un buen trabajo para hacerte sentir que estabas luchando por todas las canicas.
Super Metroid – 1994 – SNES
Arte cortesía de Reddit
«Eerie». Esa es la mejor palabra que puedo evocar para describir la banda sonora de Super Metroid.
La tercera entrega de la serie, el tema principal de Super Metroid establece una atmósfera espeluznante que nunca desaparece. Curiosamente, la introducción se le ocurrió al compositor Kenji Yamamoto mientras volvía a casa en moto del trabajo un día. Al instante se detuvo en un aparcamiento, sacó una grabadora de voz y empezó a grabar lo que oía en su cabeza. «Al día siguiente, en el trabajo, digitalizó la grabación y se la presentó al director Yoshio Sakamoto, que le dijo que era buena.
Tema de la pantalla de título de Super Metroid
Yamamoto trabajó con Minako Hamano, que entonces tenía solo 24 años, en varios de los temas del juego. La SNES permitía el uso de sonidos grabados a través de ocho canales simultáneamente, y no cabe duda de que hicieron un buen uso de esa nueva tecnología. En comparación, la NES original solo disponía de cuatro canales.
Sistema submarino de Maridia
El sistema de cavernas de Maridia y las secciones arenosas del desierto son algunas de las regiones más memorables del juego. El suelo de la selva de Brinstar parece razonablemente seguro, pero todo eso se esfuma cuando entras en las zonas subterráneas de la zona. Las últimas secciones del juego, incluyendo el escondite de Ridley en Norfair y la batalla final con Mother Brain, son sencillamente estremecedoras.
La guarida de Ridley en Lower Norfair
En conjunto, es una de las mejores músicas del juego en cualquier título de 16 bits y realmente eleva todo el juego a una nueva altura. Sencillamente, no habría sido la obra maestra que es hoy sin Yamamoto y Hamano.
Francamente, me sorprende verlo tan abajo en la lista de ventas de todos los tiempos, en el número 33, con solo 1,42 millones de unidades vendidas. Si no lo has jugado, es un juego tremendamente gratificante que te prometo que no te arrepentirás de haber cogido.
Donkey Kong Country – 1994 – SNES
David Wise fue el responsable de la mayor parte de la banda sonora de Donkey Kong Country, y vaya joya. En un principio fue contratado como freelance para crear tres pistas de demostración que finalmente se mezclaron para crear «DK Island Swing», el tema del primer nivel. Poco después, fue contratado como compositor a tiempo completo por Rare.
La compañía le mostraba los gráficos de los niveles e incluso le dejaba jugar en algunas de las fases para que se hiciera una idea de cómo debían sonar. Para las fases submarinas, Wise dedicó cinco semanas a componer lo que se convertiría en Aquatic Ambience utilizando un sintetizador Korg Wavestation.
Aquatic Ambience
Más tarde describió Aquatic Ambience como su tema favorito, y estoy totalmente de acuerdo.
Treetop Rock es otro de los temas que te enamoran. No puedo imaginarme pasando de una casa en la copa del árbol a otra sin que su jingle me acompañe. Brillante, simplemente brillante.
Treetop Rock
Si nunca has jugado a Donkey Kong Country, sin duda te estás perdiendo uno de los mejores juegos de plataformas de mediados de los 90. Dicho esto, la banda sonora es lo suficientemente potente como para poder disfrutarla independientemente del juego. De hecho, Aquatic Ambience está en mi lista general de reproducción en streaming y siempre me hace sonreír cada vez que aparece.
Donkey Kong Country se convirtió en el tercer juego de SNES más vendido de la historia, con 9,3 millones de copias vendidas en todo el mundo.
Menciones honoríficas
Un artículo sobre la música de los videojuegos clásicos no estaría completo sin unas cuantas menciones honoríficas. Estos artistas atípicos no son de la era de los 8 o 16 bits en sí, pero sería simplemente negligente por mi parte no reconocerlos de alguna forma o manera debido a su duradero legado en la industria.
Daytona USA – 1994 – Arcade
Una máquina arcade de cuatro plazas Daytona USA
Desarrollada por Sega AM2 y lanzada en los salones recreativos en 1993 antes de un despliegue completo al año siguiente, Daytona USA fue el primer título de Sega en utilizar la placa del sistema arcade Sega Model 2. Se trataba de un juego de carreras de coches de serie basado en la popularidad de la NASCAR y, gracias a la gran atención que se prestó a los detalles, se hizo notar en los salones recreativos.
La cabina estándar de dos asientos permitía que dos jugadores se enfrentaran. El jugador se sentaba en un asiento inspirado en las carreras con un pedal de aceleración y de freno funcional, una palanca de cambios y un volante. Estos controles por sí solos fueron suficientes para que muchos se dejaran caer en sus cuartos, pero había más.
El Hornet, tu única oportunidad de victoria
El hardware y el software interno es lo que realmente hizo el juego. Sega insistió en que el juego funcionara a 60 imágenes por segundo con filtrado de texturas para superar a Ridge Racer, un juego de carreras de la competencia de Namco. Esto le proporcionó un aspecto muy fluido que pocos títulos de la época fueron capaces de igualar. Las mecánicas de juego realistas, como el derrape y el deslizamiento, hacían que la jugabilidad fuera mucho más auténtica. Pero también necesitaba una banda sonora de infarto, y para ello, Sega recurrió al compositor Takenobu Mitsuyoshi.
El inolvidable tema de Daytona USA, «Let’s Go Away»
Mitsuyoshi quería que la banda sonora de Daytona USA se distinguiera de las demás, y para ello implementó voces. Pero meterlas en el juego no fue fácil, así que tuvo que utilizar breves muestras de voz y ponerlas en bucle para conseguir el efecto deseado. Si escuchas con atención, probablemente puedas captarlo en el tema principal del juego, Let’s Go Away.
A decir verdad, la canción no era tan espectacular. Es el hecho de que es, literalmente, todo lo que se podía escuchar, ya que estas máquinas ocupaban un lugar privilegiado justo en la parte delantera de la sala de juegos y Sega, sin duda, subió el volumen al 11 para ahogar a la competencia.
Imagínate ser uno de esos operadores de máquinas recreativas que tenía que escuchar esta melodía sin parar durante todo su turno. Ese tipo de cicatriz mental probablemente nunca se disipe.
Techno Syndrome (el tema de Mortal Kombat) – 1993
Elige sabiamente
Mortal Kombat fue sin duda la franquicia de videojuegos más caliente y controvertida de principios de los 90.
El primer juego de la serie llegó a los salones recreativos en 1992, asombrando a los jugadores con sus gráficos digitalizados y sus niveles de violencia sin precedentes. Meses más tarde, el editor Acclaim Entertainment lanzó una campaña publicitaria masiva -Mortal Monday- para promocionar la llegada del juego a Super Nintendo, Sega Genesis, Game Boy y Game Gear el 13 de septiembre de 1993.
Entre los lanzamientos domésticos del original y de la secuela, exactamente un año después, se produjo un álbum musical de 10 pistas a cargo del grupo belga The Immortals. Incluía temas para cada uno de los siete personajes jugables del primer juego, así como para el subjefe Goro, y otras dos canciones: la pista cinco, Techno Syndrome, y la pista 10, Hypnotic House.
Techno Syndrome se conoció como el tema de Mortal Kombat
Nueve de las 10 pistas del álbum eran prácticamente basura, pero Techno Syndrome, lanzada como single el año anterior, fue la única excepción. La canción, que incluía el icónico grito «¡Mortal Kombat!», se convirtió en sinónimo de la franquicia y es quizá la composición más reconocible de esta lista.
Seguimiento: Juegos de PC
La segunda parte de este reportaje se centra exclusivamente en las bandas sonoras de juegos de PC más destacadas. Y sí, nos hemos puesto las pilas, ya que hay un montón de material excelente a tener en cuenta. Compruébalo aquí.
Añade tus sugerencias a esta lista
Con la posibilidad de que haya cientos de juegos increíbles en la historia que hayan tenido una banda sonora icónica, esta lista no puede ser de ninguna manera exhaustiva, pero puede ser un punto de partida para que sugieras tus propias selecciones, así que hazlo.