Por qué la música pop es tan mala hoy en día

La música pop de hoy en día está diseñada para vender, no para inspirar. El artista pop de hoy suele estar más preocupado por producir algo familiar para el público masivo, aumentando la probabilidad de éxito comercial. Con menos variedad tímbrica y la misma combinación de teclados, cajas de ritmos y programas informáticos, y con sólo dos compositores que escriben gran parte de lo que escuchamos, ¿es de extrañar que la mayoría de la música pop suene igual?

Durante toda la escuela primaria y secundaria, tuve la suerte de participar en programas musicales de calidad. Nuestro instituto tenía la mejor banda de jazz del estado de Illinois; también participé en la banda sinfónica, lo que me hizo apreciar más la música clásica. No bastaba con leer música. Había que hacer una lectura a primera vista, es decir, que te dieran una composición difícil para tocarla en frío, sin ninguna práctica previa. La lectura a primera vista revelaba rápidamente el grado de afinamiento de las «chuletas» al tocar. En la universidad seguí en una banda de jazz y también tomé clases de teoría musical. La experiencia me dio la capacidad de visualizar la música (si tocas sólo de oído, nunca tendrás la misma profundidad en la comprensión de la construcción de la música)

Tanto el jazz como las formas de arte clásicas requieren no sólo conocimientos musicales, sino que el músico esté en la cima de su competencia técnica, calidad tonal y creatividad en el caso del lenguaje del jazz. Los maestros del jazz, como John Coltrane, practicaban de seis a nueve horas al día, y a menudo interrumpían su práctica sólo porque le sangraba el labio inferior interior por la fricción que causaba la boquilla contra las encías y los dientes. Su capacidad para componer y crear nuevos estilos y direcciones para el jazz era legendaria. Con pocas excepciones, como Wes Montgomery o Chet Baker, si no sabías leer música, no podías tocar jazz. En el caso de la música clásica, si no sabes leer música no puedes tocar en una orquesta o banda sinfónica. En los últimos 20 años, los fundamentos musicales como la lectura y la composición de música están desapareciendo y el porcentaje de personas que pueden leer la notación musical de forma competente ha descendido al 11%, según algunas encuestas.

Dos fuentes principales para aprender a leer música son los programas escolares y las clases de piano en casa. Los programas de música de las escuelas públicas han estado en declive desde la década de 1980, a menudo con las administraciones escolares culpando a los recortes presupuestarios o la necesidad de gastar dinero en programas extracurriculares de la competencia. Antes de los años 80, era habitual que en las casas hubiera un piano y que los niños recibieran clases de piano. Incluso la arquitectura de las casas incorporaba lo que se denominaba una «ventana de piano» en el salón, que se colocaba encima de un piano vertical para ayudar a iluminar la música. Las tiendas dedicadas a la venta de pianos están disminuyendo en todo el país a medida que menos personas se aficionan al instrumento. En 1909, las ventas de pianos alcanzaron su punto álgido, cuando se vendieron más de 364.500, pero las ventas se han reducido a entre 30.000 y 40.000 anuales en Estados Unidos. La demanda de deportes juveniles compite con los estudios musicales, pero además, cada vez son menos los padres que exigen a los jóvenes que tomen clases como parte de su educación.

Además del descenso de la alfabetización y la participación en la música, también se ha producido un declive en la calidad de la misma que ha sido comprobado científicamente por Joan Serra, becario postdoctoral del Instituto de Investigación en Inteligencia Artificial del Consejo Superior de Investigaciones Científicas en Barcelona. Joan y sus colegas analizaron 500.000 piezas musicales entre 1955 y 2010, pasando las canciones por un complejo conjunto de algoritmos que examinaban tres aspectos de esas canciones:

1. Timbre- color del sonido, textura y calidad del tono

2. Tono- contenido armónico de la pieza, incluyendo sus acordes, melodía y arreglos tonales

3. Sonoridad- variación de volumen que añade riqueza y profundidad

Los resultados del estudio revelaron que la variedad tímbrica disminuyó con el tiempo, lo que significa que las canciones se están volviendo más homogéneas. Traducción: la mayoría de la música pop ahora suena igual. La calidad tímbrica alcanzó su punto álgido en los años 60 y, desde entonces, ha descendido de forma constante con una menor diversidad de instrumentos y técnicas de grabación. La música pop actual es en gran medida la misma, con una combinación de teclado, caja de ritmos y programas informáticos que disminuye enormemente la creatividad y la originalidad. El tono también ha disminuido, con la reducción del número de acordes y melodías diferentes. El contenido del tono también ha disminuido, con el número de acordes y melodías diferentes en declive, ya que los músicos de hoy en día son menos aventureros a la hora de pasar de un acorde o nota a otro, y optan por caminos ya trillados por sus predecesores. Se ha comprobado que el volumen ha aumentado aproximadamente un decibelio cada ocho años. La sonoridad de la música se ha manipulado mediante el uso de la compresión. La compresión aumenta el volumen de las partes más silenciosas de la canción para que coincidan con las más ruidosas, reduciendo el rango dinámico. Ahora que todo está alto, la música tiene un sonido confuso, ya que todo tiene menos fuerza y vitalidad debido a la compresión.

En una entrevista, le preguntaron a Billy Joel qué le había hecho destacar. Respondió que su capacidad para leer y componer música le hacía único en la industria musical, lo cual, como explicó, era problemático para la industria cuando el hecho de tener conocimientos musicales te hace destacar. Una cantidad asombrosa de la música popular actual está escrita por dos personas: El estadounidense Lukasz Gottwald y el sueco Max Martin, ambos responsables de decenas de canciones en las listas de los 100 más vendidos. Se puede atribuir a Max y a Dr. Luke la mayoría de los éxitos de estas estrellas:

Katy Perry, Britney Spears, Kelly Clarkson, Taylor Swift, Jessie J., KE$HA, Miley Cyrus, Avril Lavigne, Maroon 5, Taio Cruz, Ellie Goulding, NSYNC, Backstreet Boys, Ariana Grande, Justin Timberlake, Nick Minaj, Celine Dion, Bon Jovi, Usher, Adam Lambert, Justin Bieber, Domino, Pink, Pitbull, One Direction, Flo Rida, Paris Hilton, The Veronicas, R. Kelly, Zebrahead

Con sólo dos personas escribiendo gran parte de lo que escuchamos, ¿es de extrañar que la música suene igual, utilizando los mismos ganchos, riffs y efectos de batería eléctrica?

La inteligencia lírica también fue estudiada por Joan Serra en los últimos 10 años utilizando varias métricas como el «Índice de legibilidad de Flesch Kincaid», que refleja la dificultad de comprensión de un texto y la calidad de la escritura. Los resultados mostraron que la inteligencia de las letras de las canciones ha bajado un grado, ya que son cada vez más cortas y tienden a repetir las mismas palabras con más frecuencia. Los artistas que escriben la totalidad de sus canciones son muy raros hoy en día. Cuando artistas como Taylor Swift afirman que escriben su propia música, es parcialmente cierto, en la medida en que ella escribe sus propias letras sobre la ruptura de su último novio, pero no sabe leer música y carece de la capacidad de componer lo que toca. (¡No me ataquen los fans de Tay-Tay!)

La electrónica musical es otro aspecto de la decadencia musical, ya que la gran cantidad de gente sin talento que escuchamos en la radio no puede vivir sin autotune. El autotune estira o liga artificialmente los sonidos para acercarlos al tono central. Muchos de los músicos pop y raperos actuales no podrían sobrevivir sin el autotune, que se ha convertido en una especie de ruedas de entrenamiento musical. Pero a diferencia de un niño de cinco años que monta en bicicleta, nunca se quitan las ruedas de entrenamiento para madurar y convertirse en un mejor músico. ¿Me atrevo a sacar el tema del guitarrista de U2, «The Edge», que ha popularizado los retrasos digitales rítmicos sincronizados con el tempo de la música? Se podría argumentar fácilmente que es más un consumado ingeniero de sonido que un talentoso guitarrista.

La música de hoy está diseñada para vender, no para inspirar. El artista de hoy en día suele estar más preocupado por producir algo familiar para el público masivo, aumentando la probabilidad de éxito comercial (esto es fomentado por los ejecutivos de la industria musical, que son notoriamente reacios al riesgo).

A mediados de la década de 1970, la mayoría de las escuelas secundarias estadounidenses tenían un coro, una orquesta, una banda sinfónica, una banda de jazz y clases de apreciación musical. Muchas de las escuelas actuales te limitan a una clase de apreciación musical porque es la opción más barata. D.A. Russell escribió en el Huffington Post en un artículo titulado «Cancelación de las clases optativas, de arte y de música en la escuela secundaria: tantas razones y tantas mentiras» que los profesores de música, arte y clases optativas tienen que enfrentarse a la amenaza constante de eliminar sus cursos por completo. Lo peor de todo es saber que la cancelación se basa casi siempre en dos falsedades deliberadas por parte de los administradores escolares: 1) la cancelación es un problema de financiación (la gran mentira); 2) la música y las artes son demasiado caras (la pequeña mentira).

La verdad: los periodos de clases optativas han sido usurpados por la preparación de exámenes estandarizados. Los administradores se centran principalmente en proteger sus puestos y el estatus de la escuela concentrando los planes de estudio en la aprobación de los exámenes, en lugar de ayudar a los profesores a liberarse de los mandatos de microgestión para que esos mismos profesores puedan volver a enseñar en sus aulas, haciendo innecesarias las clases de preparación para los exámenes.

¿Qué se puede hacer? En primer lugar, la alfabetización musical debería enseñarse en los sistemas escolares de nuestra nación. Además, los padres deberían animar a sus hijos a tocar un instrumento porque se ha demostrado que ayuda en las conexiones de las sinapsis cerebrales, el aprendizaje de la disciplina, la ética del trabajo y el trabajo en equipo. Mientras que los deportes de contacto, como el fútbol, han demostrado ser perjudiciales para el cerebro, la participación en la música es un potenciador del cerebro.

Publicado con el amable permiso de Intellectual Takeout (agosto de 2018).

El Conservador Imaginativo aplica el principio del aprecio a la discusión de la cultura y la política: abordamos el diálogo con magnanimidad y no con mera civilidad. ¿Nos ayudará a seguir siendo un refrescante oasis en el cada vez más polémico escenario del discurso moderno? Por favor, considera donar ahora.

La imagen destacada, subida por MasterMind5991, es de la banda Maroon 5 actuando en Sídney, Australia, en febrero de 2019, y está licenciada bajo la Creative Commons Attribution-Share Alike 4.0 Internacional, cortesía de Wikimedia Commons.