A principios de la década de 1970, la sociedad estadounidense aún se tambaleaba por las convulsiones políticas, sociales y artísticas de la década de 1960. Tanto los artistas como el público experimentaban una libertad sin precedentes (nunca antes vista) y rompían todo tipo de tabúes. Los cambios se producían con tanta rapidez que parecía que quedaban pocas cosas que los artistas no hubieran probado o que el público no hubiera visto. Muchos críticos declararon que la novela había muerto y que el arte pop había tocado techo. Las películas perdieron su público ante el atractivo de la televisión. Y la música popular, una de las grandes fuerzas culturales unificadoras de la década de 1960, empezó a perder su impacto a medida que sus fans se dividían en pequeñas facciones.
A pesar de la supuesta muerte de muchas formas de arte, a lo largo de la década surgieron signos de nueva vida. El movimiento por los derechos civiles contribuyó a que los artistas de las minorías emergieran como voces serias con las que había que contar. De hecho, la década de 1970 marcó la llegada de artistas y animadores afroamericanos a la cultura artística dominante. Sus actuaciones fomentaron un sentimiento de orgullo e identidad en la comunidad negra.
A principios de la década, varias películas de «blaxploitation» se comercializaron como cine creado por y para afroamericanos. En contra de las expectativas, estas películas de bajo presupuesto fueron rechazadas por muchos miembros de la comunidad negra por considerarlas estereotipadas y degradantes. Pronto, actores serios como James Earl Jones, Cicely Tyson y Paul Winfield protagonizaron dramas emocionales con gran éxito de crítica.
La literatura vio surgir a autoras afroamericanas como Alice Walker y Toni Morrison, que acabarían recibiendo el Premio Nobel. Sin embargo, el fenómeno artístico negro de la década fue la narrativa histórica Raíces, de Alex Haley, que ganó un premio Pulitzer especial y se convirtió en la novela más vendida de 1976. Al año siguiente, Roots se transformó en una miniserie de televisión de gran audiencia que cautivó a muchos estadounidenses.
Los dos movimientos musicales significativos de la década de 1970, el punk rock y la música disco, no podían sonar más diferentes entre sí. Sin embargo, nacieron en el mismo lugar: el underground neoyorquino. Los punks, originarios de las bandas de «garaje» de los años 60, estaban hartos de las melodías convencionales que habían llegado a dominar la música popular. En respuesta, tocaban un estilo musical rápido, ruidoso y delgado que contenía letras con imágenes de alienación, rebelión y violencia. Por otro lado, la música disco presentaba un ritmo de baile pulsante y sexual bajo melodías pegadizas y exuberantes arreglos de percusión. Esta música de baile reinaba en los clubes nocturnos de negros, latinos y homosexuales, y con el tiempo se extendió a la cultura general. La música disco fomentaba el escapismo con su música rítmica y repetitiva y su atractivo erótico.
El cine, que había ido perdiendo espectadores en favor de la televisión, se recuperó en la década de 1970 con el nuevo fenómeno de la película comercial de gran éxito. El Padrino, estrenada en 1972, inició la tendencia de los grandes récords de taquilla. El público acudió en masa a ver películas de catástrofes, de terror, de ciencia ficción, dramas sobre la guerra de Vietnam, comedias, películas de acción violenta y «buddy movies». Sin embargo, todos estos géneros estuvieron dominados por el éxito arrollador de sólo dos películas, dirigidas por los jóvenes cineastas Steven Spielberg y George Lucas. Tiburón, de Spielberg, estrenada en 1975, fue un auténtico fenómeno, pero La guerra de las galaxias, de Lucas, estrenada en 1977, revolucionó los efectos especiales y cambió los conceptos de comercialización de las películas. Juntos, estos jóvenes directores crearon una nueva demanda por parte del público y de los productores cinematográficos de éxitos de taquilla cada vez mayores.