Puede que el jazz no tenga un anuario oficial, pero sí una amplia y bien documentada discografía. Año a año» es nuestro intento de presentarle los álbumes más destacados de cada año, con muestras de audio y fascinantes historias de fondo. Esperamos que nos acompañe en nuestro viaje a través de la fascinante historia de la música, deteniéndonos cada 12 meses a lo largo de la línea de tiempo del jazz.
Miles Davis, Kind of Blue (Columbia)
En 1959, Miles Davis se había convertido en uno de los nombres más importantes del jazz y, al igual que otros músicos buscaban su orientación, él buscaba a otros artistas que pudieran influir en la dirección de su música. Así, cuando el pianista Bill Evans le introdujo en la modalidad mostrándole las obras de los compositores clásicos Béla Bartók y Maurice Ravel, descubrió la posibilidad de liberar la improvisación restando importancia a los acordes. Kind of Blue se convirtió en su primer álbum completo de jazz modal, distanciándose del hard bop y dando forma al estilo dominante del jazz durante la mayor parte de la década siguiente. Considerado habitualmente como el álbum de jazz por excelencia, desde «So What» hasta «Flamenco Sketches», atrae a la gente a un ambiente de otro mundo y relajado con una elegancia y sofisticación inigualables. El hecho de que se grabara sobre la marcha lo hace aún más impresionante; un documento de la belleza de la espontaneidad y de la química que comparten Davis, Evans, los saxofonistas John Coltrane y Cannonball Adderley, el bajista Paul Chambers y el batería Jimmy Cobb, con Wynton Kelly sustituyendo a Evans en «Freddie Freeloader».»
Charles Mingus, Mingus Ah Um (Columbia)
En un año excepcional para el jazz, marcado por el sublime minimalismo de Kind of Blue de Miles Davis y la experimentación vanguardista de The Shape of Jazz to Come de Ornette Coleman, Charles Mingus afirmó su independencia artística con un trabajo magistral y ecléctico. Contratado por Columbia por su amigo, el productor Teo Macero (cuyas innovadoras técnicas de empalme contribuyen en gran medida al sonido de este álbum), Mingus se distanció del modernismo de tercera corriente para dar rienda suelta a su creatividad en Mingus Ah Um, interpretado por una encarnación de ocho piezas de su conjunto Jazz Workshop. Lo que llama la atención de este LP no es sólo la diversidad del material, que va desde la influencia del gospel «Better Git It in Your Soul» hasta el himno satírico contra la segregación «Fables of Faubus», pasando por la sentida balada para Lester Young «Goodbye Pork Pie Hat». También es cómo, a pesar de esta diversidad, cada uno de los temas está tan bien definido por la sensibilidad y el enfoque inmediatamente reconocibles del bajista/compositor, razón por la cual Mingus Ah Um ha sido calificado como el álbum que mejor resume todo lo que Mingus podía hacer.
Art Blakey and the Jazz Messengers, Moanin’ (Blue Note)
Art Blakey sentía que el jazz no recibía la atención que justamente merecía y que su misión era difundir su mensaje al mayor número de personas posible. El éxito comercial de Moanin’ le ayudó a conseguirlo al cimentar la reputación de su grupo Jazz Messengers, ganando en el proceso la reputación de ser el álbum arquetípico del hard bop, lo que parecía correcto, dado que él había ayudado a acuñar el término tres años antes. El saxofonista Benny Golson desempeñó un papel importante en el éxito del grupo, convirtiéndose en su director musical de facto durante esta época. Su impacto fue tan grande que Alan Goldsher escribe: «Art Blakey no podría haber salvado el jazz si Benny Golson no hubiera salvado a los Jazz Messengers». Fue Golson quien reunió una de sus formaciones más emblemáticas, con el trompetista Lee Morgan, el pianista Bobby Timmons y el bajista Jymie Merritt, todos ellos, como él, nativos de Filadelfia. También se encargó de la lista de canciones del LP, contribuyendo con tres canciones propias, incluida la emocionante «Blues March», y animando a Timmons, de 22 años, a escribir la canción que da título al disco, que no sólo se convirtió en un modelo de melodía de soul jazz, sino también en el mayor éxito de la carrera de Blakey.
Dave Brubeck Quartet, Time Out (Columbia)
En una época en la que el jazz estaba ampliamente estructurado en torno a los compases estándar de 4/4 y 3/4, Time Out del Dave Brubeck Quartet surgió como un soplo de aire fresco «cool». Dave Brubeck fue uno de los pianistas más populares de los años 50, cuya forma de tocar los acordes de dos puños y de componer estaba influenciada tanto por el jazz como por un sinfín de otras músicas. También tenía una afición por los compases extraños y su experimentación con los ritmos alcanzó su punto álgido en este álbum. Empezando por «Blue Rondo á la Turk», una mezcla cerebral de jazz con ritmos folclóricos turcos que todavía consigue hacer swing, cada pieza se siente como una aventura melódica y una mini-obra maestra. En medio de esta impresionante lista de canciones se encuentra «Take Five», el delicioso pero improbable single de jazz más vendido de todos los tiempos que su compositor, el saxofonista Paul Desmond, admitió que se suponía que era simplemente un solo de batería para Joe Morello. Columbia dudó en lanzar Time Out y la crítica lo criticó. Al público, en cambio, le encantó, y la longevidad de este álbum demuestra que los «expertos» no siempre tienen razón…
Ornette Coleman, The Shape of Jazz to Come (Atlantic)
El saxofonista-compositor Ornette Coleman consideraba que el jazz podía y debía expresar un abanico de emociones más amplio que el que tenía hasta entonces. Sin embargo, la falta de éxito y apoyo que había recibido casi le llevó a abandonar antes de que el productor de Atlantic Nesuhi Ertegun le ofreciera el contrato que le permitió grabar The Shape of Jazz to Come. Coleman, una figura polarizadora que tocaba una música que a muchos les resultaba impenetrablemente desagradable, se convirtió en el pionero del free jazz, un tipo de jazz con una gran carga política que contrastaba con su equivalente en la corriente principal y desafiaba tanto a los músicos como a los oyentes a pensar fuera de la caja rompiendo las convenciones. The Shape of Jazz to Come se grabó con un grupo de músicos afines; el trompetista Don Cherry, el bajista Charlie Haden y el baterista Billy Higgins tenían sensibilidades que también se inclinaban hacia la vanguardia. Sin embargo, a pesar de la ruptura de la estructura armónica y la libre vehemencia de los solos, The Shape of Jazz to Come se encuentra entre las grabaciones más melódicas de Coleman, y presenta una influencia del bebop que es particularmente prominente en temas como la desgarradora «Lonely Woman» (una de las pocas composiciones suyas que obtuvo el estatus de estándar de jazz) y la más alegre «Chronology».»
Menciones honoríficas: João Gilberto, Chega de Saudade (Odeon); Sun Ra, Jazz in Silhouette (Saturn); Ella Fitzgerald, Ella Fitzgerald Sings the George and Ira Gershwin Song Book (Verve); Bill Evans Trio, Everybody Digs Bill Evans (Riverside); Dizzy Gillespie, Sonny Stitt and Sonny Rollins, Sonny Side Up (Verve).
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