Der Jazz hat zwar kein offizielles Jahrbuch, dafür aber eine umfangreiche und gut dokumentierte Diskographie. Jahr für Jahr“ ist unser Versuch, Ihnen die bemerkenswertesten Alben eines jeden Jahres vorzustellen, komplett mit Hörproben und faszinierenden Hintergrundgeschichten. Wir hoffen, Sie begleiten uns auf unserer Reise durch die unendlich faszinierende Geschichte der Musik und machen alle 12 Monate auf der Zeitachse des Jazz Halt.
Miles Davis, Kind of Blue (Columbia)
Im Jahr 1959 war Miles Davis zu einem der größten Namen im Jazz geworden, und so wie andere Musiker sich an ihm orientierten, suchte er nach anderen Künstlern, die die Richtung seiner Musik beeinflussen konnten. Als der Pianist Bill Evans ihn in die Modalität einführte, indem er ihm die Werke der klassischen Komponisten Béla Bartók und Maurice Ravel zeigte, entdeckte er die Möglichkeit der freien Improvisation durch die Zurücknahme der Akkorde. Kind of Blue wurde sein erstes abendfüllendes modales Jazzalbum, mit dem er sich vom Hard Bop absetzte und den dominierenden Stil des Jazz für den größten Teil des folgenden Jahrzehnts prägte. Es wird regelmäßig als das Jazz-Album schlechthin angesehen, das von „So What“ bis „Flamenco Sketches“ mit unübertroffener Eleganz und Raffinesse in eine jenseitige, entspannte Atmosphäre lockt. Die Tatsache, dass es spontan aufgenommen wurde, macht es umso beeindruckender; ein Dokument der Schönheit der Spontaneität und der Chemie, die Davis, Evans, die Saxophonisten John Coltrane und Cannonball Adderley, der Bassist Paul Chambers und der Schlagzeuger Jimmy Cobb teilten, wobei Wynton Kelly bei „Freddie Freeloader“ für Evans einsprang.“
Charles Mingus, Mingus Ah Um (Columbia)
In einem herausragenden Jahr für den Jazz, das durch den erhabenen Minimalismus von Miles Davis‘ Kind of Blue und die avantgardistischen Experimente von Ornette Colemans The Shape of Jazz to Come gekennzeichnet war, bekräftigte Charles Mingus seine künstlerische Unabhängigkeit mit einem meisterhaften, eklektischen Werk. Mingus, der von seinem Freund, dem Produzenten Teo Macero, bei Columbia unter Vertrag genommen wurde (dessen innovative Splicing-Techniken den Klang dieses Albums wesentlich prägen), distanzierte sich vom Modernismus der dritten Reihe, um seiner Kreativität auf Mingus Ah Um freien Lauf zu lassen, das von einer achtköpfigen Inkarnation seines Jazz Workshop-Ensembles eingespielt wurde. Was an dieser LP auffällt, ist nicht nur die Vielfalt des Materials – das vom Gospel-beeinflussten Better Git It in Your Soul“ über die satirische Anti-Rassentrennungs-Hymne Fables of Faubus“ bis hin zu der gefühlvollen Ballade für Lester Young, Goodbye Pork Pie Hat“, reicht. Es ist auch die Tatsache, dass trotz dieser Vielfalt jedes der Stücke durch die sofort erkennbare Sensibilität und Herangehensweise des Bassisten/Komponisten geprägt ist – weshalb Mingus Ah Um als das Album bezeichnet wurde, das alles, was Mingus tun konnte, am besten zusammenfasst.
Art Blakey and the Jazz Messengers, Moanin‘ (Blue Note)
Art Blakey war der Meinung, dass der Jazz nicht die Aufmerksamkeit bekam, die er zu Recht verdiente, und dass es seine Aufgabe war, seine Botschaft an so viele Menschen wie möglich zu verbreiten. Der kommerzielle Erfolg von Moanin‘ half ihm dabei, indem er den Ruf seiner Gruppe Jazz Messengers festigte und sich dabei den Ruf als archetypisches Hard-Bop-Album erwarb – was auch richtig war, da er den Begriff drei Jahre zuvor mit geprägt hatte. Der Saxophonist Benny Golson hatte einen großen Anteil am Erfolg der Band und wurde in dieser Zeit de facto ihr musikalischer Leiter. Sein Einfluss war so groß, dass Alan Goldsher schreibt: „Art Blakey hätte den Jazz nicht retten können, wenn Benny Golson die Jazz Messengers nicht gerettet hätte.“ Golson war es, der mit dem Trompeter Lee Morgan, dem Pianisten Bobby Timmons und dem Bassisten Jymie Merritt, die wie er selbst aus Philadelphia stammten, eine der kultigsten Besetzungen zusammenstellte. Er kuratierte auch die Tracklist der LP, steuerte drei eigene Songs bei, darunter den mitreißenden „Blues March“, und ermutigte den 22-jährigen Timmons, den Titelsong zu schreiben, der nicht nur zu einem vorbildlichen Soul-Jazz-Stück, sondern auch zum größten Hit in Blakeys Karriere wurde.
Dave Brubeck Quartet, Time Out (Columbia)
Zu einer Zeit, als der Jazz weitgehend im Standard-4/4- und 3/4-Takt strukturiert war, brachte das Dave Brubeck Quartet mit Time Out einen Hauch „cooler“ frischer Luft. Dave Brubeck war einer der populärsten Pianisten der 50er Jahre, dessen beidhändiges Blockakkordspiel und Komposition sowohl vom Jazz als auch von einer unendlichen Vielfalt anderer Musik beeinflusst war. Er hatte auch eine Vorliebe für ungerade Metren, und sein Experimentieren mit Rhythmen erreichte auf diesem Album einen Höhepunkt. Beginnend mit „Blue Rondo á la Turk“, einer ausgeklügelten Mischung aus Jazz und türkischen Volksrhythmen, die dennoch zu swingen vermag, fühlt sich jedes Stück wie ein melodisches Wagnis und ein kleines Meisterwerk an. Mitten in diese beeindruckende Tracklist fällt „Take Five“, die entzückende, aber unwahrscheinliche meistverkaufte Jazz-Single aller Zeiten, von der der Komponist, der Saxophonist Paul Desmond, bekanntlich zugab, dass sie eigentlich nur ein Schlagzeugsolo für Joe Morello sein sollte. Columbia zögerte, Time Out zu veröffentlichen, und die Kritiker verrissen es. Das Publikum hingegen liebte es, und die Langlebigkeit dieses Albums beweist, dass die „Experten“ nicht immer Recht haben…
Ornette Coleman, The Shape of Jazz to Come (Atlantic)
Der Saxophonist und Komponist Ornette Coleman war der Meinung, dass der Jazz ein breiteres Spektrum an Emotionen ausdrücken könnte und sollte, als er es bis dahin getan hatte. Der mangelnde Erfolg und die fehlende Unterstützung, die er erhielt, brachten ihn jedoch fast dazu, zu kündigen, bevor ihm der Atlantic-Produzent Nesuhi Ertegun den Vertrag anbot, der ihm die Aufnahme von The Shape of Jazz to Come ermöglichte. Coleman war eine polarisierende Figur, die Musik spielte, die von vielen als undurchdringlich unangenehm empfunden wurde. Er wurde zum Pionier des Free Jazz, einer politisch aufgeladenen Form des Jazz, die im Gegensatz zum Mainstream stand und sowohl Musiker als auch Zuhörer dazu herausforderte, über den Tellerrand zu schauen und Konventionen zu brechen. The Shape of Jazz to Come wurde mit einer Gruppe gleichgesinnter Musiker aufgenommen; der Trompeter Don Cherry, der Bassist Charlie Haden und der Schlagzeuger Billy Higgins verfügten über eine Sensibilität, die ebenfalls in Richtung Avantgarde ging. Doch trotz der Zertrümmerung der harmonischen Strukturen und der freien Vehemenz der Soli gehört The Shape of Jazz to Come zu den melodischeren Aufnahmen Colemans und weist einen Bebop-Einfluss auf, der in Stücken wie dem erschütternden „Lonely Woman“ (eine der wenigen seiner Kompositionen, die Jazz-Standardstatus erlangten) und dem beschwingteren „Chronology“ besonders deutlich wird.
Ehrenvolle Erwähnungen: João Gilberto, Chega de Saudade (Odeon); Sun Ra, Jazz in Silhouette (Saturn); Ella Fitzgerald, Ella Fitzgerald Sings the George and Ira Gershwin Song Book (Verve); Bill Evans Trio, Everybody Digs Bill Evans (Riverside); Dizzy Gillespie, Sonny Stitt and Sonny Rollins, Sonny Side Up (Verve).
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