Wohin entwickelte sich der Jazz in den 1970er Jahren?

Wohin entwickelte sich der Jazz in den 1970er Jahren?

Wohin entwickelte sich der Jazz in den 1970er Jahren? Die Musik erweiterte sich textlich und technisch, als sie sich von den rhythmischen Kontinuitäten des Swing und des Bebop entfernte. Ein Großteil der Musik löste sich von den traditionellen 12-, 16-, 32-taktigen und A-A-B-A-Songformen der beiden vorangegangenen Jahrzehnte. Komplexe Kompositionen wurden zur Norm, in denen sich streng komponierte Abschnitte mit Improvisationen vermischten, die ihre Wurzeln in den Strukturen der Klassik und der Musik aus aller Welt hatten. Der technologische Fortschritt ermöglichte eine drastische Veränderung der Instrumentierung und eröffnete Innovationen, die bis heute genutzt werden.

Instrumentierung

Anfang der 1970er Jahre ermöglichten Fortschritte in der Technologie und der Verstärkung den Jazzmusikern, den Umfang ihres Sounds und ihres Spiels zu erweitern. Der erste Fortschritt, der hier besprochen wird, ist der direkte Bass. Diejenigen, die Ron Carter, Eddie Gomez, Stanley Clarke oder Niels Pedersen auf einer Aufnahme aus den 70er Jahren gehört haben, kennen diesen Sound, der oft belächelt wird. Der Bass Direct ermöglichte es akustischen Bassisten, ihren Bass direkt an das Mischpult oder die Verstärkeranlage anzuschließen und so die Vibrationen zu reduzieren. Dies hatte den Nebeneffekt, dass anstelle des Holzklangs des Basses viel mehr das Griffbrett zu hören war. Dadurch bekamen Basssoli einen gitarrenähnlichen Klang, wie bei Gomez, Pedersen und Clarke. Schlagzeuger wie Billy Cobham und Tony Williams benutzten größere Drumkits auf dem Niveau von Rockschlagzeugern, und das Fender Rhodes E-Piano, eine Technologie aus den 40er Jahren, die 1965 in voller Größe vorgestellt wurde, wurde zur bevorzugten Axt von Herbie Hancock, Chick Corea und Joe Zawinul und anderen. Analoge Synthesizer von Moog, Arp und Oberheim steckten in den Kinderschuhen, und Spieler und Programmierer stürzten sich auf die neue Technologie, um ihr klangliches Potenzial zu entdecken. Elektrische Gitarren und Bässe rundeten den Sound ab, so dass er dem der Rockgruppen entsprach.

Die Kinder von Miles Davis

Die Fortschritte in den 70er Jahren wurden alle von Musikern eingeleitet, die in den Bands von Miles Davis spielten. Die Musik fand andere Wege als das, was auf In A Silent Way und Bitches Brew zu hören war. Tony Williams war mit seiner Gruppe Lifetime 1969 der erste, der Jazz-Rock kreierte, aber 1970-72 wuchs der Rockeinfluss in Williams‘ Spiel massiv. Herbie Hancocks Mwandishi konzentrierte sich auf einen eher ambienten, avantgardistischen Ansatz, bei dem Hancock am Fender Rhodes und den Effekten Bennie Maupin an der Bassklarinette und den Saxophonen, Eddie Henderson an Trompete und Flügelhorn, Julian Priester an den Posaunen, Buster Williams am Bass und Billy Hart am Schlagzeug mitwirkten. Die Gruppe nahm Mwandishi (Warner Bros. 1971), Crossings (Warner Bros. 1972) und Sextant (Columbia, 1972) auf, die sich alle durch vielfarbige Texturen und ungewöhnliche Taktarten auszeichnen (der 15/8-Takt von „Ostinato For Angela“ und der 19/8-Takt von „Hidden Shadows“). Auf den beiden letztgenannten Alben kam Dr. Patrick Gleeson am Moog-Synthesizer hinzu, dessen atmosphärische, unheimliche Texturen die Musik wesentlich bereicherten. Bei Sextant fügte Hancock das Hohner D-6 Clavinet und den Arp-Synthesizer hinzu, und obwohl das Album nicht so herausragend war wie Crossings, war es ein würdiger Abschluss der Trilogie. „Rain Dance“ beeinflusste mit seinem sequenzierten Anfang eine ganze Generation von Produzenten elektronischer Musik. Leider war Mwandishi wirtschaftlich nicht tragfähig. Inspiriert von James Brown und Sly And The Family Stone holte Hancock Maupin aus der vorherigen Band, holte Paul Jackson am Bass und Harvey Mason am Schlagzeug hinzu und gründete die Headhunters. Ihr selbstbetiteltes Debüt brachte große Hits hervor: „Chameleon“ und ein überarbeitetes „Watermelon Man“ mit stark funkigen Rhythmen, flüssigen Rhodes und klobigen Keyboards. Später in diesem Jahrzehnt fügte Hancock den Vocoder zu seinem Arsenal hinzu und wechselte in den R&B- und Disco-Bereich, was die Jazz-Puristen verärgerte, die ihn nicht mehr als Jazzmusiker betrachteten. Hancock nahm zwar akustische Projekte auf, aber hauptsächlich für CBS/Sony, die japanische Abteilung von Columbia, wobei die meisten der acht Alben ihr US-Debüt in The Complete Columbia Album Collection 1972-1988 (Columbia/Legacy, 2013) erhielten.

Chick Corea würde sich mit Return To Forever (ECM, 1971) von der Avantgarde, die seine Alben Mitte der 60er Jahre kennzeichnete, zu etwas anderem bewegen. Das Fender Rhodes war der Katalysator für einen neuen Sound des Pianisten, eine schwebende, fröhliche Mischung mit brasilianischen Einflüssen, die von Flora Purim am Gesang, Joe Farrell an den Bläsern, Stanley Clarke am Bass und Airto Moreira am Schlagzeug begleitet wurde. In dieser Besetzung wurde Light As A Feather (Polydor, 1972) mit dem Klassiker Spain“ aufgenommen, bevor es zu einem bedeutenden Besetzungswechsel kam: Farrell, Purim und Moreira verließen die Band, Bill Connors kam an der Gitarre und Lenny White am Schlagzeug hinzu. Für Hymn Of The Seventh Galaxy (Polydor, 1973) verlagerte sich der Schwerpunkt drastisch in eine rockigere Richtung. Das virtuose Spiel und die Songformen entsprachen mehr der klassischen Schreibweise und waren weit entfernt von den 16- und 32-taktigen Songformen des vorangegangenen Jahrzehnts. Die „klassische“ Version von RTF festigte sich mit Al DiMeola, der Connors ersetzte und Where Have I Known You Before? (Polydor, 1974) und das bandbestimmende Romantic Warrior (Columbia, 1976), dessen kompositorische Konstrukte die Dinge auf eine andere Ebene brachten, die dem Progressive Rock ähnelte. Der Crossover-Appeal, den das Album erzeugte, war in der Tat enorm. RTF löste sich nach zwei weiteren Alben in erweiterter Besetzung auf, und Corea nahm einige seiner größten Erfolge als Solokünstler auf, wie z. B. The Leprechaun (Polydor, 1977). Die Dimeola/Clarke/White-Ausgabe von RTF kam 2008 für eine große Welttournee wieder zusammen und produzierte ein Doppel-Live-Album und ein Konzertvideo von ihrem Auftritt beim Montreux Jazz Festival 2008, das die Tiefe und die Mehrheit des Materials nach mehr als 30 Jahren zeigt. Corea ging mit dem Kerntrio auf Akustiktournee und formte eine neue Version von Return to Forever mit seinem Elektric-Band-Kollegen Frank Gambale an der Gitarre und einer weiteren Jazzrock-Ikone, dem Geiger Jean Luc Ponty.

Mahavishnu und Weather Report

John McLaughlins Mahavishnu Orchestra mit dem Geiger Jerry Goodman, dem Bassisten Rick Laird und dem Schlagzeuger Billy Cobham sorgte mit Birds Of Fire (Columbia, 1973) für Furore. McLaughin spielte nicht nur schwindelerregende Einklänge, die an die klassische indische Musik erinnerten, sondern auch eine verblüffende Verwendung von ungeraden Metren. Hier begann Cobham mit einem viel größeren Schlagzeug mit einer Reihe von Becken und einer doppelten Basstrommel zu experimentieren, wie es in der Swing-Ära mit Louis Bellson zum ersten Mal en vogue war. Klassische Kompositionen wie „Birds of Fire“ mischten einen ungewöhnlichen 18/8-Takt mit Gitarrengruppierungen von 5+5+5+3, Schlagzeug von 6+6+6+6 und Violine in Gruppierungen von 3+3+2+3+3+2+ (Davies, 1985, 48-49) und aufregenden melodischen Kühnheiten, „Dance of the Maya“ und sein grüblerischer Anfang lassen den Metal fast schon erahnen, während Jerry Goodmans Geigensolo von Billy Cobhams Shuffle-Groove flankiert wird und die Dinge auf eine erdigere Wellenlänge bringt. „Vital Transformations“ pendelt zwischen 9/8 und einigen 4/4-Passagen. Mit Mahavishnu stieß eine neue Denkweise die Tür in die Jazz-Rock-Arena weit auf, und mit Return to Forever, Mahavishnu, Herbie Hancock und Weather Report, die im selben Raum existierten, wurde grenzenlose Individualität geboten.

Weather Report entwickelte sich ebenfalls aus Miles‘ Gruppen, mit Joe Zawinul und Wayne Shorter an der Spitze der Gruppe, mit Miroslav Vitous am Bass, Airto am Schlagzeug und dem verstorbenen Alphonse Mouzon am Drumset. WR begann als ein ganz anderes Ensemble, das selbstbetitelte Weather Report (Columbia, 1971) wurde mit dem verblüffenden „Milky Way“ eröffnet, bei dem das Studio als vollwertiges Instrument eingesetzt wurde, während Zawinul Akkorde spielte und Shorter sein Sopransaxophon ins Klavier blies. Die avantgardistische Ausrichtung der Band kam am besten auf ihrer wohl besten Aufnahme Live In Tokyo (Columbia, 1972) zur Geltung. Lange Medleys auf den Seiten des Albums enthalten Post-In-A-Silent-Way-Texturen, den Wah-Wah-Bass von Miroslav Vitous, der die Wah-Wah-Trompete von Miles Davis nachahmt, ätherische Perkussion und Stimmeffekte von Dom Um Romao. Es ist das sprunghafteste, hemmungsloseste Spiel von Weather Report – ganz anders als das, was die meisten Leute mit der Band auf Alben wie Black Market (Columbia, 1976) und ihrem Bestseller Heavy Weather (Columbia, 1978) verbinden. 1973 spürte Zawinul, dass die Band eine neue Richtung einschlagen musste, weg von der Abstraktion der ersten drei Alben, hin zu einer mehr auf Groove ausgerichteten Richtung, die ab Sweet Nighter (Columbia, 1973) mehr als nur ein paar Keime des Weltmusik-Genres enthalten sollte. Bis 1978 gab es mit Alex Acuna einen festen Schlagzeuger, Jaco Pastorius ersetzte Alphonso Johnson und nahm Heavy Weather auf. Das Album enthält mit Birdland“, A Remark You Made“ und Wayne Shorters Palladium“ einige der ausgefeiltesten kompositorischen Leistungen der Gruppe. Kritiker verachteten die Tatsache, dass die Band den Status eines Rockstars erlangte, und Zawinuls Hand wurde in kompositorischer Hinsicht und in Bezug auf die Texturen der Musik viel schwerer, was schließlich zum Ausstieg von Jaco Pastorius aufgrund des zunehmend übermächtigen Einflusses von Zawinul führte. Shorters Kompositionen wurden auf den Alben immer weniger und nach dem 1985er Album This Is This löste sich die Gruppe auf. Die Musik von Weather Report hat nach wie vor großen Einfluss auf den Jazz und andere Musikrichtungen – so war die Band beispielsweise ein großer Einfluss auf die französische Elektronikgruppe Deep Forest, die von den Produzenten und Keyboardern Eric Mouquet und Michel Sanchez geleitet wird. Zawinul ist auf dem Stück „Deep Weather“ zu hören, eine schelmische Anspielung auf den Namen der Band.

Miles Runs The Voodoo Down (Again)

Anfang der 70er Jahre war Miles Davis knietief in den Einflüssen von Jimi Hendrix, James Brown und Sly Stone versunken, einer Musik, die er sehr liebte, weil er durch seine Frau Betty Davis auf sie aufmerksam wurde. Der Trompeter wollte noch einmal an die Grenzen gehen und versuchte, den Klang der Straßen im schwarzen Amerika einzufangen. Das Ergebnis dieses Bedürfnisses, die Urbanität dessen, was er hörte, einzufangen, war On The Corner (Columbia, 1972), eine wunderbare Melange aus indischen, elektronischen und afrikanischen Elementen. Der Schlagzeuger James Mtume debattierte mit Stanley Crouch (der für seine extrem rechte, puristische Haltung im akustischen Jazz bekannt ist) in einem faszinierenden, oft bissigen Austausch über die Vorzüge dieser Musik. Anhand der Konzepte des ästhetischen Verfalls, der technischen Erschöpfung und der sozialen Veralterung, die der Kritiker der klassischen Musik Henry Plesants aufstellte, erklärte Mtume, dass Davis durch den Einsatz des Wah-Wahs, der intensiven afrikanischen Rhythmen und der metrischen Modulation nach neuen Ausdrucksmöglichkeiten suchte, um etwas Neues zu schaffen. Die metrische Modulation, die Davis in seinen Bands von 1973-75 einsetzte, ist allein deshalb besonders faszinierend, weil sie komplett geprobt ist, um nahtlos ineinander überzugehen und dennoch die Illusion von etwas völlig Improvisiertem aufrechtzuerhalten. Dieses Werk, insbesondere die Live-Aufnahmen, gehören zu den anregendsten Werken des Trompeters und zum kraftvollsten Jazz des Jahrzehnts.

Andere Strömungen und Schlussfolgerungen

Während Jazz-Rock und Jazz-Funk die Verkaufszahlen dominierten, gab es auch andere Bewegungen in der Musik. Das 1969 von Manfred Eicher gegründete Label ECM bot einen kammermusikalischen, weitgehend akustischen Ansatz und war bekannt für einen unvergleichlichen, kristallinen Klang und eine üppige, räumliche Qualität mit viel Hall. Keith Jarrett, Paul Bley und Chick Corea leisteten alle einen bedeutenden Beitrag zur Solo-Piano-Arena, wobei vor allem Jarrett und Bley das Idiom neu definierten. Mit Schlagzeugern wie Jon Christensen und Jack DeJohnette wurde eine rhythmische Konzeption zwischen Swing und geraden Achteln etabliert, die eine neue Generation definierte. Pat Metheny, Gary Burton, Ralph Towner und andere schufen bedeutende Werke bei ECM, und bis heute ist das Label eine progressive Kraft. Labels wie Pablo, Concord und Xanadu brachten in der Tradition den Straight-Ahead-Jazz hervor, und Herbie Hancocks VSOP-Quintett mit Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Ron Carter und Tony Williams legte den Grundstein für das umfassende Revival des akustischen Jazz, das in den 80er Jahren von Wynton Marsalis angeführt wurde. Akustischer, geradliniger Jazz wurde in den 70er Jahren immer produziert, er war nur nicht so populär, und es gab nicht viele Möglichkeiten, ihn aufzunehmen. Gruppen wie Steps Ahead des Vibraphonisten Mike Mainieri mit Studio-Assen wie Don Grolnick, Michael Brecker, Eddie Gomez und Steve Gadd mischten den Straight-Ahead-Jazz mit aktuellen Trends und legten damit zum Teil den Grundstein für das, was später einmal Smooth Jazz werden sollte, zusammen mit Bob James, Lee Ritenour und GRP Records. Um den Einfluss des Jazz der 70er Jahre zu verstehen, können Workshops wie das Modern Jazz Ensemble, das von Sebastian Noelle unterrichtet wird, dazu beitragen, die musikalischen Mittel, die sich aus dieser Ära entwickelt haben, im New York Jazz Workshop zu festigen.