Warum Popmusik heutzutage so schlecht ist

Die Popmusik von heute soll verkaufen, nicht inspirieren. Der Popkünstler von heute ist oft mehr damit beschäftigt, etwas zu produzieren, das dem Massenpublikum vertraut ist, um die Wahrscheinlichkeit eines kommerziellen Erfolgs zu erhöhen. Mit weniger Klangfarbenvielfalt und der gleichen Kombination aus Keyboard, Drum-Machine und Computersoftware und mit nur zwei Songschreibern, die das meiste von dem schreiben, was wir hören, ist es da ein Wunder, dass die meiste Popmusik gleich klingt?

Während meiner gesamten Grundschulzeit und Highschool hatte ich das Glück, an hochwertigen Musikprogrammen teilzunehmen. Unsere High School hatte eine der besten Jazzbands des Staates Illinois; ich habe auch in der Symphonic Band mitgespielt, was mir ein größeres Verständnis für klassische Musik vermittelte. Es reichte nicht aus, nur Noten zu lesen. Man musste auch vom Blatt lesen, d. h. man musste eine schwierige Komposition ohne vorheriges Üben spielen. Beim Sight Reading zeigte sich schnell, wie gut die Spieltechniken wirklich waren. Am College spielte ich weiter in einer Jazzband und belegte auch einen Musiktheoriekurs. Die Erfahrung gab mir die Fähigkeit, Musik zu visualisieren (wenn man nur nach Gehör spielt, wird man nie die gleiche Tiefe des Verständnisses für das musikalische Konstrukt haben)

Beide Kunstformen, Jazz und Klassik, erfordern nicht nur musikalische Kenntnisse, sondern auch, dass der Musiker in Bezug auf technisches Können, klangliche Qualität und – im Falle des Jazz – Kreativität an der Spitze seines Spiels steht. Jazzmeister wie John Coltrane übten sechs bis neun Stunden am Tag und unterbrachen ihr Üben oft nur, weil seine innere Unterlippe durch die Reibung des Mundstücks an Zahnfleisch und Zähnen blutete. Seine Fähigkeit, zu komponieren und neue Stile und Richtungen für den Jazz zu schaffen, war legendär. Von wenigen Ausnahmen wie Wes Montgomery oder Chet Baker abgesehen, konnte man keinen Jazz spielen, wenn man keine Noten lesen konnte. Im Falle der klassischen Musik gilt: Wer keine Noten lesen kann, kann auch nicht in einem Orchester oder einer Sinfoniekapelle spielen. In den letzten 20 Jahren sind musikalische Grundlagen wie das Lesen und Komponieren von Musik verschwunden, und der Prozentsatz der Menschen, die Noten lesen können, ist einigen Umfragen zufolge auf 11 % gesunken.

Zwei Hauptquellen für das Erlernen des Notenlesens sind Schulprogramme und Klavierunterricht zu Hause. Die Musikprogramme an öffentlichen Schulen sind seit den 1980er Jahren rückläufig, wobei die Schulverwaltungen oft Haushaltskürzungen oder die Notwendigkeit, Geld für konkurrierende außerschulische Programme auszugeben, dafür verantwortlich machen. Vor den 1980er Jahren war es üblich, dass in den Häusern ein Klavier stand und die Kinder Klavierunterricht nahmen. Sogar in der Hausarchitektur gab es ein so genanntes „Klavierfenster“ im Wohnzimmer, das über einem Klavier angebracht war, um die Musik zu beleuchten. Die Geschäfte, die sich dem Verkauf von Klavieren widmeten, sind im ganzen Land rückläufig, da sich immer weniger Menschen für das Instrument entscheiden. Im Jahr 1909 erreichte der Verkauf von Klavieren mit mehr als 364.500 Stück seinen Höhepunkt, doch inzwischen sind die Verkäufe in den USA auf 30.000 bis 40.000 pro Jahr zurückgegangen. Die Nachfrage nach Jugendsportarten konkurriert mit dem Musikunterricht, aber auch weniger Eltern verlangen von ihren Kindern, dass sie Unterricht nehmen.

Neben dem Rückgang der Musikkompetenz und -beteiligung hat auch die Qualität der Musik abgenommen, was Joan Serra, Postdoktorand am Forschungsinstitut für künstliche Intelligenz des Spanischen Nationalen Forschungsrats in Barcelona, wissenschaftlich nachgewiesen hat. Joan und seine Kollegen untersuchten 500.000 Musikstücke aus den Jahren 1955-2010 und ließen die Lieder durch eine Reihe komplexer Algorithmen laufen, die drei Aspekte dieser Lieder untersuchten:

1. Timbre – Klangfarbe, Textur und Tonqualität

2. Pitch – harmonischer Inhalt des Stücks, einschließlich seiner Akkorde, Melodie und tonalen Arrangements

3. Loudness – Lautstärkevarianz, die Reichtum und Tiefe hinzufügt

Die Ergebnisse der Studie zeigten, dass die klangliche Vielfalt im Laufe der Zeit abnahm, was bedeutet, dass die Songs immer homogener werden. Das heißt: Die meiste Popmusik klingt heute gleich. Die klangliche Qualität erreichte in den 60er Jahren ihren Höhepunkt und hat seitdem mit einer geringeren Vielfalt an Instrumenten und Aufnahmetechniken stetig abgenommen. Die heutige Popmusik ist weitgehend gleich, mit einer Kombination aus Keyboard, Drum-Machine und Computersoftware, was die Kreativität und Originalität stark einschränkt. Auch die Tonhöhe hat abgenommen, und die Zahl der Akkorde und unterschiedlichen Melodien ist zurückgegangen. Auch die Tonhöhe hat abgenommen, die Zahl der Akkorde und unterschiedlichen Melodien ist zurückgegangen, da die Musiker heute weniger abenteuerlustig sind, wenn sie von einem Akkord oder einer Note zur nächsten wechseln, sondern sich für die von ihren Vorgängern ausgetretenen Pfade entscheiden. Es wurde festgestellt, dass die Lautstärke alle acht Jahre um etwa ein Dezibel zugenommen hat. Die Lautstärke von Musik wurde durch Kompression manipuliert. Durch die Kompression wird die Lautstärke der leisesten Teile des Liedes erhöht, damit sie mit den lautesten Teilen übereinstimmen, wodurch der Dynamikbereich verringert wird. Da nun alles laut ist, klingt die Musik verworren, da alles durch die Kompression weniger Punch und Lebendigkeit hat.

In einem Interview wurde Billy Joel gefragt, was ihn zu einem herausragenden Musiker gemacht hat. Er antwortete, dass seine Fähigkeit, Musik zu lesen und zu komponieren, ihn in der Musikindustrie einzigartig mache, was, wie er erklärte, für die Industrie beunruhigend sei, wenn man sich dadurch auszeichne, dass man musikalisch belesen sei. Ein erstaunlich großer Teil der heutigen populären Musik wird von zwei Personen geschrieben: Lukasz Gottwald aus den Vereinigten Staaten und Max Martin aus Schweden, die beide für Dutzende von Songs in den Top-100-Charts verantwortlich sind. Max und Dr. Luke sind für die meisten Hits der folgenden Stars verantwortlich:

Katy Perry, Britney Spears, Kelly Clarkson, Taylor Swift, Jessie J., KE$HA, Miley Cyrus, Avril Lavigne, Maroon 5, Taio Cruz, Ellie Goulding, NSYNC, Backstreet Boys, Ariana Grande, Justin Timberlake, Nick Minaj, Celine Dion, Bon Jovi, Usher, Adam Lambert, Justin Bieber, Domino, Pink, Pitbull, One Direction, Flo Rida, Paris Hilton, The Veronicas, R. Kelly, Zebrahead

Wenn das meiste, was wir hören, von nur zwei Personen geschrieben wird, ist es dann ein Wunder, dass die Musik immer gleich klingt, mit den gleichen Hooks, Riffs und elektrischen Schlagzeugeffekten?

Die lyrische Intelligenz wurde von Joan Serra in den letzten 10 Jahren anhand verschiedener Metriken untersucht, wie z.B. dem „Flesch-Kincaid-Lesbarkeitsindex“, der angibt, wie schwer ein Text zu verstehen ist und wie gut er geschrieben ist. Die Ergebnisse zeigen, dass die Textintelligenz um eine ganze Note gesunken ist, da die Texte immer kürzer werden und dazu neigen, dieselben Wörter häufiger zu wiederholen. Künstler, die ihre Songs komplett selbst schreiben, sind heute sehr selten. Wenn Künstler wie Taylor Swift behaupten, sie würden ihre Musik selbst schreiben, dann stimmt das teilweise, denn sie schreibt ihre eigenen Texte über die Trennung von ihrem letzten Freund, aber sie kann keine Noten lesen und ihr fehlt die Fähigkeit zu komponieren, was sie spielt. (Greift mich nicht an, Tay-Tay-Fans!)

Musikelektronik ist ein weiterer Aspekt des musikalischen Niedergangs, denn die vielen untalentierten Leute, die wir im Radio hören, können ohne Autotune nicht leben. Mit Autotune werden Töne künstlich gedehnt oder geschliffen, um sie näher an die mittlere Tonhöhe zu bringen. Viele der heutigen Popmusiker und Rapper könnten ohne Autotune, das zu einer Art musikalischem Stützrad geworden ist, nicht überleben. Aber anders als ein Fünfjähriger, der Fahrrad fährt, nehmen sie die Stützräder nie ab, um zu einem besseren Musiker zu reifen. Ich wage es sogar, das Thema des U2-Gitarristen „The Edge“ anzusprechen, der rhythmische digitale Verzögerungen, die mit dem Tempo der Musik synchronisiert sind, populär gemacht hat. Man könnte leicht argumentieren, dass er eher ein versierter Tontechniker als ein talentierter Gitarrist ist.

Die Musik von heute soll verkaufen, nicht inspirieren. Heutige Künstler sind oft mehr damit beschäftigt, etwas zu produzieren, das dem Massenpublikum vertraut ist, um die Wahrscheinlichkeit eines kommerziellen Erfolges zu erhöhen (dies wird von den Führungskräften der Musikindustrie gefördert, die notorisch risikoscheu sind).

Mitte der 1970er Jahre gab es an den meisten amerikanischen High Schools einen Chor, ein Orchester, eine Symphonic Band, eine Jazzband und Unterricht in Musikverständnis. Viele der heutigen Schulen beschränken sich auf den Musikunterricht, weil er die billigste Option ist. D.A. Russell schrieb in der Huffington Post in einem Artikel mit dem Titel „Cancelling High School Elective, Arts and Music-So Many Reasons-So Many Lies“ (Streichung von Wahlfächern, Kunst und Musik in der High School – so viele Gründe – so viele Lügen), dass Musik-, Kunst- und Wahlfachlehrer ständig mit der Streichung ihrer Kurse rechnen müssen. Das Schlimmste daran ist, dass die Streichung fast immer auf zwei absichtlichen Unwahrheiten beruht, die von den Schulverwaltungen verbreitet werden: 1) Die Streichung ist eine Frage der Finanzierung (die große Lüge); 2) Musik und Kunst sind zu teuer (die kleine Lüge).

Die Wahrheit: Wahlunterrichtsstunden wurden von der Vorbereitung auf standardisierte Tests verdrängt. Administratoren konzentrieren sich in erster Linie darauf, ihre Positionen und den Status der Schule zu schützen, indem sie die Lehrpläne auf das Bestehen der Tests ausrichten, anstatt den Lehrern dabei zu helfen, sich von den Mikromanagement-Mandaten zu befreien, so dass dieselben Lehrer wieder in ihren Klassenzimmern unterrichten können, was den Unterricht zur Testvorbereitung unnötig macht.

Was kann getan werden? Erstens sollte musikalische Kompetenz in den Schulen unseres Landes gelehrt werden. Darüber hinaus sollten Eltern ihre Kinder ermutigen, ein Instrument zu spielen, denn es ist erwiesen, dass es die Synapsenverbindungen im Gehirn fördert, das Erlernen von Disziplin, Arbeitsmoral und die Arbeit in einem Team. Während Kontaktsportarten wie Fußball nachweislich das Gehirn schädigen, fördert die Teilnahme an Musik das Gehirn.

Wiederveröffentlicht mit freundlicher Genehmigung aus Intellectual Takeout (August 2018).

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Das abgebildete Bild, hochgeladen von MasterMind5991, zeigt die Band Maroon 5 bei einem Auftritt in Sydney, Australien im Februar 2019 und steht unter der Creative Commons Attribution-Share Alike 4.0 International license, courtesy of Wikimedia Commons.