Eine Reise in die Vergangenheit
Die Spielesysteme der 8-Bit- und 16-Bit-Ära waren nicht gerade die grafischen Kraftpakete, zu denen sich moderne Konsolen, PCs und sogar Handys entwickelt haben. Aber es gibt noch viele andere Aspekte wie eine gute Steuerung, eine solide Handlung und einprägsame Charaktere, die zu einem abgerundeten Spiel beitragen.
Qualitätsspiele haben fast ausnahmslos auch einen guten Sound und eine gute Musik.
Qualitätsspiele haben fast ausnahmslos auch einen guten Sound und eine gute Musik. Aufgrund der Hardwarebeschränkungen mussten die Komponisten vergangener Zeiten oft kreativ werden, um die Unzulänglichkeiten der damaligen Plattformen zu überwinden. Hier sind 10 erstklassige Beispiele, in denen Komponisten genau das taten…
The Legend of Zelda – 1986 – NES
Ein Fragment des Triforce der Weisheit
The Legend of Zelda war nicht das erste Spiel, das ich jemals auf dem NES gespielt habe. Aber es war das erste Spiel, an das ich mich erinnern kann, das einen fesselnden Soundtrack hatte.
In dem Moment, in dem du den Einschaltknopf drückst und der Titelbildschirm geladen wird, wirst du von einem faszinierenden Wasserfall und einer bezaubernden Melodie begrüßt, die sich schnell ändert und signalisiert, dass ein ernsthaftes Abenteuer auf dich wartet.
Das Legend of Zelda-Titelthema
Lies den Prolog oder komm direkt zur Sache, wähle deinen Charakter aus und tauche ein in eine riesige Welt, die von der Musik des legendären japanischen Komponisten Koji Kondo untermalt wird.
In einem Interview mit Wired aus dem Jahr 2007 sagte Kondo, dass er mit Zelda versucht hat, die Atmosphäre der Umgebungen und Orte zu verbessern. „Der Sound von Mario ist wie populäre Musik, und Zelda ist wie… eine Art von Musik, die man noch nie zuvor gehört hat“, fügte er hinzu.
Das Dungeon-Thema von The Legend of Zelda
Bei weitem beeindruckender als das Intro und die Oberwelt-Musik sind die Dungeon-Themen. Die ersten acht unterirdischen Labyrinthe haben alle einen gemeinsamen Soundtrack, aber für Level 9, das oft als Todesberg bezeichnet wird, bekommen wir einen noch nervenaufreibenderen Track, während wir Ganon jagen und uns auf den letzten Kampf mit ihm vorbereiten.
Das Einzige, was am Spiel selbst oder an der Musik vielleicht noch beeindruckender ist, ist die Verkaufsverpackung, die einen Ausschnitt enthielt, der die goldfarbene Spielkassette enthüllte.
Bild: videogamebosession.com
Ich kann mir nur vorstellen, wie viele Kopien allein aufgrund dieser Ästhetik verkauft wurden. Wir wissen jedoch, dass The Legend of Zelda mit mehr als 6,5 Millionen verkauften Exemplaren das fünftmeistverkaufte NES-Spiel aller Zeiten war.
Teenage Mutant Ninja Turtles – 1989 – NES
Teenage Mutant Ninja Turtles auf dem NES
Die Schöpfer der Turtles, Kevin Eastman und Peter Laird, schlossen sich 1989 mit Konami zusammen, um eines der ersten Videospiele auf der Grundlage der Serie auf den Markt zu bringen.
Das Endergebnis war ein Einzelspieler-Actionspiel, das sich deutlich von dem im selben Jahr herausgebrachten TMNT-Arcade-Spiel unterschied. Während viele das Spiel als übermäßig schwierig und mit klobiger Steuerung in Erinnerung behalten werden, bot es einen hochwertigen Soundtrack.
Die Unterwasserbühne in TMNT für das NES
Der japanische Komponist Jun Funahashi zeichnete den Auftrag für Konami. Der Soundtrack war nicht besonders lang, obwohl er einige denkwürdige Stücke enthielt, darunter das Unterwasserbomben-Thema, die Musik für die Mini-Bosskämpfe und das Hauptthema der Oberwelt.
Ich glaube, dass das Spiel von der Verwendung des Turtles-Titelsongs aus der Zeichentrickserie profitiert hätte, aber da Konami ihn bereits im Arcade-Spiel verwendet hatte, wollten sie sich vielleicht nicht wiederholen. Die Turtles-Franchise sollte weitere Spiele und Serien, mehrere Spielfilme und eine Menge lizenzierter Artikel hervorbringen.
ToeJam & Earl – 1991 – Sega Genesis
ToeJam auf der rechten Seite und Earl auf der linken
ToeJam & Earl ist zweifellos das skurrilste Spiel auf dieser Liste. Das Spiel wurde von Greg Johnson entwickelt und dreht sich um zwei außerirdische Rapper, die auf der Erde abgestürzt sind und Teile ihres Schiffes bergen müssen, um es wieder aufzubauen und zu ihrem Heimatplaneten Funkotron zurückzukehren. Eigentlich ist es eine glorifizierte Schnitzeljagd.
Der Soundtrack, komponiert von John Baker, ist das, was dieses Spiel wirklich ausmacht. Eine seltsame Mischung aus Jazz und Funk mit Hip-Hop-Elementen, die mit nichts vergleichbar ist, was man bis dahin in Spielen gehört hat. In einem Bericht von IGN aus dem Jahr 2009 heißt es, Baker habe sich von Herbie Hancock und The Headhunters inspirieren lassen.
Der ToeJam & Earl Original-Soundtrack
Spaßige Tatsache – Johnson und Baker nahmen eine spezielle Version des Hauptthemas des Spiels, ToeJam Jammin‘, auf, um sie auf einer Werbekassette zu verwenden, die nur für Abonnenten des Sega Visions Magazins während eines kurzen Zeitraums im Jahr 1991 per Postversand erhältlich war.
Während der Entwicklung von ToeJam & Earl: Back in the Groove mehr als 25 Jahre später sah jemand angeblich die Kassette bei eBay zum Verkauf und fragte Johnson, ob sie echt sei.
Eine seltene ToeJam & Earl-Werbe-Kassettenaufnahme
Sie war es, und er hatte sogar eine alte Kopie in seiner Garage. Die Unterstützer des Kickstarter-Projekts fragten ihn, ob er den Track als Osterei in das neue Spiel einbauen könnte. Johnson willigte gerne ein.
ToeJam & Earl war eher ein Kultklassiker als ein aktueller Erfolg. Laut Ken Horowitz in seinem Buch Playing the Next Level: A History of American Sega Games, verkaufte Sega während seiner Laufzeit etwa 350.000 Exemplare des Spiels. Das Franchise brachte drei Fortsetzungen hervor, darunter das bereits erwähnte Back in the Groove, das 2019 auf den Markt kam.
Super Mario World – 1991 – SNES
Es war Weihnachten 1991, und es gab nur eine Sache, die auf meinem Wunschzettel stand: ein Super Nintendo. Es ist zu lange her, um mich an die Einzelheiten zu erinnern, aber als das Jahr zu Ende ging, geriet ich mit meinem Vater in einen Streit über den Fernseher in meinem Zimmer, ein bescheidenes 13-Zoll-Gerät. Wie auch immer, es war eine ernste Sache (zumindest in meinem neunjährigen Gehirn), und ich blieb hartnäckig. Zur Hölle mit dem Super Nintendo, ich wollte stattdessen einen neuen Fernseher zu Weihnachten.
Entweder war ich unglaublich überzeugend, oder meine Eltern wollten wirklich keinen Unsinn machen, denn sie ließen mich bluffen. Ein paar Wochen oder vielleicht sogar einen Monat vor Weihnachten zogen sie ein rechteckiges Geschenk unter dem Baum hervor und sagten, ich könne es öffnen. War das wirklich wahr?
So sicher wie die Nacht auf den Tag folgt, packte ich einen Super Nintendo mit einem Exemplar von Super Mario World aus. Ich könnte es sofort haben, sagten sie, wenn ich die Idee mit dem neuen Fernseher aufgeben würde. Aber nein, ich war zu hochmütig, zu stur. Ich wollte alles auf eine Karte setzen. Fernseher hin oder her.
Das Schlossthema von Super Mario World
Das SNES wurde zurückgegeben und ich bekam schließlich den Fernseher, den ich wollte. Hätte ich jedoch das Friedensangebot meiner Eltern angenommen, hätte ich die Magie von Super Mario World und seinem glorreichen Soundtrack schon viel früher erleben können.
Super Mario World bot dem Komponisten Koji Kondo die perfekte Gelegenheit, zu zeigen, was auf Nintendos neuer Hardware möglich war. Außerdem konnte Produzent Shigeru Miyamoto endlich seinen Traum verwirklichen, Mario einen Dinosaurier als Begleiter zu schenken, nämlich Yoshi.
Vergleicht man Super Mario World mit Kondos letztem Werk zu dieser Zeit, Super Mario Bros. 3 für das NES, erkennt man sofort die Komplexität der Stücke in Super Mario World.
Die unterirdische Bühnenmusik von Super Mario World
Das Thema, das in den unterirdischen Etappen verwendet wird, ist ein perfektes Beispiel dafür, dass es einfach viel auf einmal gibt. Es ist nicht genug, um den Spieler zu überwältigen, wohlgemerkt, und es ist geschmackvoll gemacht, aber es steht im krassen Gegensatz zu den einfacheren Liedern aus dem vorherigen Spiel.
Sonic the Hedgehog 2 – 1992 – Sega Genesis
Sonic und sein orangefarbener Sidekick Tails
In der Weihnachtssaison 1992 bereitete sich Segas Top-Maskottchen – Sonic the Hedgehog – auf eine weitere Runde mit Nintendos Mario um die Vorherrschaft auf der Konsole vor.
An seiner Seite stand der Sega Genesis, das wohl „hippere“ der beiden 16-Bit-Systeme, und ein neuer Kumpel namens Tails. Während jede Konsole ihre eigenen Vor- und Nachteile hatte, wies Segas Marketing schnell auf den Vorteil hin, den eine Technologie wie das Blast Processing dem Spiel bieten würde.
Werbespot für das Blast Processing für das Sega Genesis
Und der Laie, der sich einen Trailer für Sonic 2 ansieht, hat keinen Grund, nicht zu glauben, dass etwas namens Blast Processing im Spiel war. Sieh dir nur an, wie rasend schnell sich Sonic auf dem Bildschirm bewegen kann! In den frühen 90er Jahren war das unglaublich beeindruckend, und ehrlich gesagt begeistert es auch heute noch.
Außerdem war es eine Art Täuschung.
Das Gameplay von Sonic 2 war aus vielen anderen Gründen lächerlich schnell, aber Blast Processing war keiner davon. Tatsächlich wurde es in keinem der für den Genesis ausgelieferten Spiele verwendet; erst in jüngster Zeit wurde die Technologie erfolgreich gemeistert. Aber das ist eine Geschichte für einen anderen Tag.
Sega Genesis-Werbung mit Sonic the Hedgehog 2
Die Musik für Sonic the Hedgehog 2 wurde von Masato Nakamura komponiert, einem Bassisten und Songwriter der J-Pop-Band Dreams Come True. Er begann schon früh mit dem Projekt, indem er Konzeptbilder benutzte, um ein Gefühl für die Atmosphäre zu bekommen, die seiner Meinung nach auf der Bühne herrschen würde.
Sega ließ ihm im Wesentlichen freie Hand bei der Arbeit an dem Projekt, so dass er einen Großteil der Musik während der Aufnahmen mit seiner Band in London komponierte, während sie an ihrem fünften Album arbeiteten.
Sonic the Hedgehog 2 Original Soundtrack
Jedes der Hauptbühnenthemen hatte einen sehr einzigartigen Sound, der perfekt zum jeweiligen Look und Gefühl passte. Mein persönlicher Favorit ist vielleicht die Sky Chase Zone, dicht gefolgt von der Chemical Plant Zone.
Sonic the Hedgehog 2 war ein Heimspiel für Sega und verkaufte sich nach seiner Veröffentlichung am 20. November 1992 sechs Millionen Mal. Das war zwar nicht genug, um die 15 Millionen originalen Sonic the Hedgehog-Spiele zu übertreffen, die Sega ausliefern konnte, aber dieser Titel war im Paket mit der Konsole enthalten, was die Verkaufszahlen zweifellos in die Höhe trieb.
So oder so, Sega hatte ein neues Flaggschiff-Maskottchen auf seiner Liste, das gegen Mario antreten konnte, und das ist so gut, wie man es sich in den Konsolenkriegen der 90er Jahre nur wünschen konnte.
Street Fighter II – 1992 – SNES
Street Fighter II auf dem Super Nintendo
In den frühen 90ern gab es im Wesentlichen zwei Lager, wenn es um Kampfspiele ging: Mortal Kombat und Street Fighter. Zugegeben, der erste Teil der letztgenannten Serie war nicht besonders erinnerungswürdig, aber mit dem zweiten Teil gelang Capcom ein großer Wurf mit einem Spiel, das Spaß machte und obendrein einen tollen Soundtrack hatte.
Street Fighter II kam Anfang 1991 in die Spielhallen, aber erst im Sommer des folgenden Jahres fand es seinen Weg auf den Super Nintendo.
Street Fighter II’s Intro-Theme
Von dem Moment an, in dem das Capcom-Logo geladen wird, bis hin zum Hauptthema, liefert dieser Soundtrack alles.
Der größte Teil der Musik des Spiels kann Yoko Shimomura zugeschrieben werden, einer japanischen Komponistin und Pianistin, die zu diesem Zeitpunkt an fast 70 Spielen mitgewirkt hat. Einer ihrer ersten Auftritte war Street Fighter II, wo sie für alle bis auf drei Titel des Spiels verantwortlich war. Zum Leidwesen von Capcom verließ sie das Unternehmen 1993, um ihrem Interesse am Schreiben klassischer Musik für Rollenspiele nachzugehen.
Eine der wichtigsten Erkenntnisse aus Street Fighter II ist, wie gut der Titelsong für jeden Kämpfer zu seiner Persönlichkeit passt. Guiles Bühne hatte ein patriotisches Gefühl, Blankas gab einem das Gefühl, wirklich im brasilianischen Dschungel zu kämpfen, und M. Bisons Thema gab einem das Gefühl, um alles zu kämpfen.
Super Metroid – 1994 – SNES
Art courtesy Reddit
„Unheimlich“. Das ist das beste Wort, das ich hervorzaubern kann, um den Soundtrack von Super Metroid zu beschreiben.
Der dritte Teil der Serie, das Titelthema von Super Metroid, schafft eine gespenstische Atmosphäre, die sich nie auflöst. Interessanterweise kam das Intro dem Komponisten Kenji Yamamoto in den Sinn, als er eines Tages mit seinem Motorrad von der Arbeit nach Hause fuhr. Er hielt sofort auf einem Parkplatz an, holte ein Diktiergerät heraus und begann aufzuzeichnen, was er in seinem Kopf hörte. „Ungefähr 10 bis 20 Minuten lang hat er einfach drauflos gesprochen“, so Yamamoto.
Am nächsten Tag digitalisierte er die Aufnahme und spielte sie dem Regisseur Yoshio Sakamoto vor, der sie für gut befand.
Super Metroid Titelbildschirm-Thema
Yamamoto arbeitete mit Minako Hamano, die damals erst 24 Jahre alt war, an mehreren Titeln des Spiels. Das SNES ermöglichte die gleichzeitige Aufnahme von Klängen auf acht Kanälen, und diese neue Technik wurde auch gut genutzt. Im Vergleich dazu hatte das ursprüngliche NES nur vier Kanäle zur Verfügung.
Das Unterwassersystem von Maridia
Das Höhlensystem von Maridia und die sandigen Wüstenabschnitte gehören zu den denkwürdigsten Regionen des Spiels. Der Dschungelboden in Brinstar fühlt sich einigermaßen sicher an, aber das ändert sich, wenn man die unterirdischen Zonen des Gebiets betritt. Die letzten Abschnitte des Spiels, einschließlich Ridleys Versteck in Norfair und der finale Kampf mit Mother Brain, sind einfach nur atemberaubend.
Ridleys Versteck in Lower Norfair
Gesamt gehört die Musik zu den besten im Spiel, die es in einem 16-Bit-Titel gibt, und hebt das gesamte Spiel auf eine ganz neue Ebene. Ohne Yamamoto und Hamano wäre es nicht das Meisterwerk geworden, das es heute ist.
Frank gesagt, bin ich überrascht, dass es mit nur 1,42 Millionen verkauften Exemplaren so weit unten in der Allzeit-Verkaufsliste auf Platz 33 steht. Wenn du es noch nicht gespielt hast, ist es ein verdammt lohnendes Spiel, das du nicht bereuen wirst.
Donkey Kong Country – 1994 – SNES
David Wise war für den Großteil des Soundtracks in Donkey Kong Country verantwortlich, und was für ein Juwel er war. Ursprünglich wurde er als freier Mitarbeiter engagiert, um drei Demotracks zu erstellen, die schließlich zu „DK Island Swing“, dem Titelsong des ersten Levels, zusammengefügt wurden. Kurz darauf wurde er von Rare als Vollzeitkomponist eingestellt.
Das Unternehmen zeigte ihm Grafiken für die Level und ließ ihn sogar einige der Level durchspielen, um ein Gefühl dafür zu bekommen, wie sie klingen sollten. Für die Unterwasserabschnitte komponierte Wise fünf Wochen lang das, was Aquatic Ambience werden sollte, indem er einen Korg Wavestation Synthesizer benutzte.
Aquatic Ambience
Später beschrieb er Aquatic Ambience als seinen Lieblingstrack, und ich stimme ihm von ganzem Herzen zu.
Treetop Rock ist ein weiterer Knaller, in den man sich einfach verlieben muss. Ich kann mir nicht vorstellen, von Baumhaus zu Baumhaus zu schwingen, ohne dass mich sein Jingle mitreißt. Genial, einfach genial.
Treetop Rock
Wenn du Donkey Kong Country noch nie gespielt hast, verpasst du mit Sicherheit eines der besten Jump’n’Run-Spiele der mittleren 90er Jahre. Der Soundtrack ist jedoch stark genug, um auch unabhängig vom Spiel genossen werden zu können. Aquatic Ambience ist sogar auf meiner allgemeinen Streaming-Wiedergabeliste und zaubert mir jedes Mal ein Lächeln ins Gesicht, wenn es auftaucht.
Donkey Kong Country wurde zum drittbestverkauften SNES-Spiel aller Zeiten mit 9,3 Millionen verkauften Exemplaren weltweit.
Ehrende Erwähnungen
Ein Artikel über klassische Videospielmusik wäre ohne ein paar ehrende Erwähnungen einfach nicht vollständig. Diese Ausreißer stammen zwar nicht aus der 8- oder 16-Bit-Ära, aber es wäre nachlässig von mir, sie aufgrund ihres bleibenden Vermächtnisses für die Branche nicht in irgendeiner Form zu würdigen.
Daytona USA – 1994 – Arcade
Ein viersitziger Daytona USA Arcade-Automat
Entwickelt von Sega AM2 und 1993 in den Spielhallen eingeführt, bevor es im darauffolgenden Jahr vollständig eingeführt wurde, war Daytona USA der erste Sega-Titel, der die Sega Model 2 Arcade-Systemplatine verwendete. Es handelte sich um ein Stock-Car-Rennspiel, das auf der Popularität der NASCAR basierte, und dank der Liebe zum Detail konnte es sich in den Spielhallen wirklich sehen lassen.
Das standardmäßige Kabinett mit zwei Sitzen ermöglichte es zwei Spielern, sich zu messen. Man saß in einem rennähnlichen Sitz mit funktionellem Gas- und Bremspedal, Schalthebel und Lenkrad. Diese Bedienelemente allein reichten aus, um viele dazu zu bringen, ihr Quartier zu verlassen, aber es gab noch mehr.
Die Hornet, deine einzige Chance auf den Sieg
Die interne Hard- und Software ist das, was das Spiel wirklich ausmacht. Um Ridge Racer, ein konkurrierendes Rennspiel von Namco, zu übertreffen, bestand Sega darauf, dass das Spiel mit 60 Bildern pro Sekunde und Texturfilterung läuft. Dies verlieh dem Spiel ein butterweiches Aussehen, das nur wenige Titel dieser Zeit erreichen konnten. Realistische Spielmechaniken wie Driften und Power-Sliding sorgten für ein viel authentischeres Spielgefühl. Aber es brauchte auch einen tollen Soundtrack, und dafür wandte sich Sega an den Komponisten Takenobu Mitsuyoshi.
Daytona USA’s unvergesslicher Titelsong, „Let’s Go Away“
Mitsuyoshi wollte, dass sich der Soundtrack für Daytona USA von der Masse abhebt, und um dies zu erreichen, implementierte er Gesang. Es war jedoch nicht einfach, sie in das Spiel einzubauen, also musste er kurze Gesangssamples verwenden und sie für den gewünschten Effekt wiederholen. Wenn du genau hinhörst, kannst du das vielleicht im Hauptthema des Spiels, Let’s Go Away, heraushören.
Um ehrlich zu sein, war der Song gar nicht so spektakulär. Es ist die Tatsache, dass es buchstäblich alles war, was man hören konnte, da diese Automaten den besten Platz im vorderen Teil der Spielhalle einnahmen und Sega zweifellos die Lautstärke auf 11 hochdrehte, um die Konkurrenz zu übertönen.
Stellen Sie sich vor, Sie wären einer der Spielhallenbetreiber, die diese Melodie während ihrer gesamten Schicht ununterbrochen hören mussten. Diese Art von mentaler Vernarbung wird sich wahrscheinlich nie auflösen.
Techno Syndrome (the Mortal Kombat theme) – 1993
Wählen Sie weise
Mortal Kombat war ohne Zweifel die heißeste und umstrittenste Videospielserie der frühen 90er Jahre.
Das erste Spiel der Serie kam 1992 in die Spielhallen und verblüffte die Spieler mit seiner digitalisierten Grafik und einem noch nie dagewesenen Maß an Gewalt. Monate später startete der Verleger Acclaim Entertainment eine massive Werbekampagne – Mortal Monday – um das Erscheinen des Spiels am 13. September 1993 auf dem Super Nintendo, dem Sega Genesis, dem Game Boy und dem Game Gear zu bewerben.
Zwischen der Heimveröffentlichung des Originals und der Fortsetzung genau ein Jahr später wurde ein 10-Track-Musikalbum von der belgischen Band The Immortals produziert. Es enthielt Tracks für jeden der sieben spielbaren Charaktere des ersten Spiels sowie für den Unterboss Goro und zwei weitere Songs: Track 5, Techno Syndrome, und Track 10, Hypnotic House.
Techno Syndrome wurde als das Mortal Kombat-Thema bekannt
Neun der zehn Tracks auf dem Album waren ziemlicher Müll, aber Techno Syndrome, das im Jahr zuvor als Single veröffentlicht wurde, war die einzige Ausnahme. Der Song mit dem kultigen „Mortal Kombat!“-Schrei wurde zum Synonym für die Serie und ist vielleicht die bekannteste Komposition auf dieser Liste.
Nachlese: PC-Spiele
Teil zwei dieses Features konzentriert sich ausschließlich auf herausragende Soundtracks zu PC-Spielen. Und ja, wir haben alle Hände voll zu tun, denn es gibt eine Menge hervorragendes Material zu berücksichtigen. Lesen Sie hier nach!
Ergänzen Sie diese Liste mit Ihren Vorschlägen
Mit potenziell Hunderten von Spielen in der Geschichte, die eine kultige Filmmusik hatten, kann diese Liste in keiner Weise vollständig sein, aber sie kann Ihnen als Gesprächsgrundlage dienen, um Ihre eigenen Vorschläge zu machen, also nur zu.