Partituren als Konzepte

„In der Konzeptkunst ist die Idee oder das Konzept der wichtigste Aspekt des Werks, alle Planungen und Entscheidungen werden im Voraus getroffen und die Ausführung ist eine oberflächliche Angelegenheit. Die Idee wird zu der Maschine, die die Kunst macht.“

Sol LeWitt: „Paragraphs on Conceptual Art“, Artforum, Sommerausgabe, 1967.

Das klassische Gemälde ist ein materielles Objekt mit einer schier unendlichen Zahl von unspezifizierten und unspezifizierbaren Eigenschaften, die dennoch als konstitutiv für die Identität des Werks gelten, weil sie angeblich vom Künstler bezeugt (und damit bestätigt) wurden. Aus diesem Grund stellen Kunstgalerien Originalgemälde aus und keine Kopien oder Beschreibungen. (Vgl. Nelson Goodman über Kopien und Fälschungen in Languages of Art.)
Wenn aber Kunst tatsächlich durch die Verwirklichung expliziter, diskursiv artikulierter Konzepte geschaffen wird, ergibt sich die Möglichkeit, die Verwirklichung des Werks zu überspringen und das zugrundeliegende Konzept dem „Betrachter“ direkt zu vermitteln. In der klassischen Musik besteht diese Möglichkeit bereits seit mehreren Jahrhunderten, da sie immer auf der Ausführung von Partituren beruht, in denen die beabsichtigten Eigenschaften eines Stücks sehr detailliert festgelegt sind. Manche Menschen lesen tatsächlich Musik, aber das Spielen und Hören ist immer populärer geblieben.
Die Partitur ist eine der auffälligsten Wurzeln der „Konzeptkunst“-Tradition in der modernen Kunst. Um 1960 begannen mehrere New Yorker Komponisten und ihre Partner in Übersee in der „Internationalen Fluxus-Bewegung“, verbale Stücke zu schreiben, die von den Lehren von John Cage inspiriert waren (insbesondere von seiner Verallgemeinerung der Musik auf das Theater, seinem Interesse an der Unbestimmtheit und seiner Betonung abstrakter zeitlicher Strukturen). Diese Stücke (von George Brecht, La Monte Young, Henry Flynt, Tony Conrad, Dick Higgins, Yoko Ono, Eric Andersen, Ben Vautier und einigen anderen) waren oft ziemlich vage, hatten nichts mit Klang zu tun, waren offensichtlich schöner zu lesen als auszuführen oder waren von vornherein unmöglich aufzuführen. Sie waren verbale Kunstwerke, ohne Literatur zu sein, und verwendeten konventionelle, wörtliche Sprache, um Klassen von Dingen, Ereignissen oder Konzepten zu bezeichnen. Die „Partitur“ wird wie ein autonomes Kunstwerk behandelt, das in Büchern oder Zeitschriften ausgestellt werden kann, ohne dass eine Absicht hinsichtlich seiner möglichen Ausführung besteht. (Nichtsdestotrotz können viele Wortstücke „gespielt“ werden (und wurden es auch). Die aufführbaren unter den Fluxus-Stücken wurden oft als „Events“ im Rahmen von „Konzerten“ aufgeführt; und einige von ihnen wurden auch als visuelle Kunstwerke realisiert. (In der Ausstellung Pop Art Redefined (Hayward Gallery, London, 1969) wurden zum Beispiel einige Stücke von George Brecht realisiert.)
Spätere Konzeptkünstler wie Lawrence Weiner, Sol LeWitt und Robert Barry präsentierten ihre „Wortstücke“ in einem Kontext der bildenden Kunst. Weiner behandelte seine verbalen Beschreibungen als autonome Kunstwerke, die an Galeriewänden ausgestellt werden konnten, ohne dass eine Absicht hinsichtlich ihrer möglichen Ausführung bestand; die Beschreibung ersetzt somit das Werk. Die Werke von Sol LeWitt hingegen waren offensichtlich dazu bestimmt, realisiert und nicht nur betrachtet zu werden. Sie stellen ein direktes visuelles Äquivalent zu den Partituren traditioneller klassischer Komponisten dar.