Ein jahrhundertealtes Mittel zur Übermittlung von Botschaften, die gesellschaftliche Tendenzen widerspiegeln, ist der Gesellschaftstanz ein weltliches Zusammenspiel zwischen Männern und Frauen oder die Teilnahme von Gruppen. In einigen Kulturen vermischen sich das Weltliche und das Heilige, und in einigen wenigen Religionen ist das Tanzen verboten. Die Ursprünge des Gesellschaftstanzes liegen vor allem in Europa, Afrika und Lateinamerika. In Amerika ist der Gesellschaftstanz so vielfältig und wechselhaft wie seine kulturellen, altersmäßigen und geografischen Gruppen. Die Einstellung zum Körper und zur Sexualität in der Öffentlichkeit beeinflusst die Einstellung zum Gesellschaftstanz, zu dem auch sexuellere und schnellere Tänze gehören.
Frühgeschichte
Im von Puritanern beherrschten Neuengland des 17. Jahrhunderts gab es Gesetze gegen das Tanzen und Verstöße wurden bestraft. Nur Kinder durften spielen; die protestantische Ethik hielt ein solches Verhalten für den Feind der Arbeit und eine Ablenkung von den geistigen Zielen des Lebens. Doch die meisten Siedler in Amerika tanzten. Als Mittel zur Verbesserung des gesellschaftlichen Lebens lehrten Wanderlehrer den Tanz und die dazugehörige Etikette. Zur Zeit der Amerikanischen Revolution hatte sich der Freizeittanz in den Kolonien durchgesetzt. So waren George Washington und Thomas Jefferson begeisterte Tänzer. Formelle Tänze wie das Menuett erforderten Geschicklichkeit, aber Landtänze waren für jedermann geeignet. John Playford sammelte 1651 erstmals englische Landtänze in einem Buch und veröffentlichte bis 1728 weitere Ausgaben von Tanzhandbüchern. Gesellschaftstänze gab es auf Jahrmärkten, Jamborees, Log Rollings, Husking- und Quilting Bees, Scheunenfesten, in Heimen, Gemeindezentren, religiösen Einrichtungen, auf Stadtplätzen, bei offiziellen Versammlungen, in Cotillions, Tanzsälen, Feuerhallen, Hotels, Nachtclubs und Stadien.
Zweck und Wachstum
Tanzen markiert oft entscheidende Phasen des Lebenszyklus, insbesondere „Sweet Sixteen“-Partys und Hochzeiten. Tanzen fördert die Fröhlichkeit und vertreibt den Kummer, ist Ausdruck guter Gesundheit, bietet gesunde körperliche Bewegung und hilft, den Menschen jung zu halten. Tanzen ist eine Flucht aus der alltäglichen Realität und führt oft zu einem freien Gefühl und einem veränderten Bewusstseinszustand. Tanzen ist ein Ort der Selbstdarstellung sowie eine Möglichkeit, verschiedene Rollen und Fantasien auszuprobieren.
Als akzeptable Form des Körperkontakts mit einer anderen Person sowie als akzeptable Form des Paarwechsels ist Tanzen eine Möglichkeit für Menschen, sich zu treffen und zu umwerben. Jede Generation unterscheidet sich durch ihre eigenen Bewegungen (oft Wiederverwertungen früherer Tänze), durch gesellschaftliche Umgangsformen, Kleiderordnung und Musik. Einige klassische Tänze wie Walzer, Rumba und Tango überdauern die Generationen, aber es gibt auch Retro-Moden.
Das riesige Repertoire an Volkstanz-Jamborees, Tänzen verschiedener Nationen, Linien-, Gruppen-, Kreis-, Paar-, Dreier-, Vierer- und Fünfer-Tänzen ermöglicht die Interaktion von Angesicht zu Angesicht in einer zunehmend mechanisierten und computerisierten Gesellschaft. Die Tänzerinnen und Tänzer sprechen über die Menschlichkeit des Contra Dance, die Etikette des Blickkontakts, die Möglichkeit, über das Volkstanznetzwerk Tänze in verschiedenen Städten Amerikas zu finden, und die Einzigartigkeit des Tanzens als soziale Aktivität, bei der man Menschen noch am selben Abend berührt, an dem man sie kennenlernt.
Gesellschaftliches Tanzen ist für viele Menschen von zentraler Bedeutung, wenn es darum geht, ihr Erbe zu zelebrieren und ein Gefühl der Gemeinschaft zu bewahren. Nationale, ethnische und volkstümliche Tänze sind anonymen Ursprungs und werden nach dem Augenschein weitergegeben, um die Sehnsucht nach vergangenen Epochen zu stillen. Das Pan-Native American Powwow hat religiöse, soziale und wettbewerbsorientierte Elemente, um das indianische Erbe zu feiern. Tanzen kann für Einwanderer, Jugendliche in den Innenstädten und College-Studenten ein Anker oder Ballast in einem Meer der Unsicherheit sein. Einige traditionelle Tänze werden in neue, angesagte Tänze umgewandelt – der Bhangra aus dem indischen Punjabi beispielsweise ist bei Südasiaten sehr beliebt.
Natürlich hat der so genannte amerikanische „Schmelztiegel“ neue Formen wie den Juba, den Ring Shout, den Cakewalk und den Stepptanz an der Straßenecke hervorgebracht, der seine Wurzeln im irischen Jig, im Clog, in afrikanischen Rhythmen, in der Improvisation und in der Beweglichkeit des Körpers hat. Der Square Dance entwickelte sich aus dem Geist des Country Dance und der Eleganz des Ballsaals.
Zusammen mit dem Zerfall der monarchischen Macht in Europa kam 1830 in Deutschland und Österreich der Walzer auf und revolutionierte den westlichen Gesellschaftstanz; zum ersten Mal tanzten Männer und Frauen in engem, sinnlichem Körperkontakt. Da der Walzer jedoch starre Körperbeherrschung und Geschicklichkeit erforderte, wurde er von der Polka, dem Spieling (wildes Drehen) und dem Two-Step abgelöst, und im zwanzigsten Jahrhundert dann von natürlicheren „harten“ Tänzen, die als Lumpen- und Tiertänze bekannt sind und ihre Wurzeln in der schwarzen Volkssprache haben (abgeleitet von den Tänzen zahlreicher afrikanischer Gruppen). Die Tanzpositionen änderten sich: Die Frau legte ihre Hand auf die Schulter des Mannes, die seine auf ihre Taille, und die anderen Hände waren ineinander verschränkt; die Partner klammerten sich an den Nacken und die Schultern des anderen und tanzten Wange an Wange. An der Grenze war das Tanzen rau und lebhaft. Fiddler und Caller sagten den Tänzern, was sie zu tun hatten, und das Calling wurde zum festen Bestandteil des Square Dance.
Zwanzigstes Jahrhundert
Von den 1890er bis 1930er Jahren kamen Einwanderer aus Süd- und Osteuropa. In einer Fabrikkultur des Schweigens arbeitend, entlud sich ihr Selbstausdruck in „Tanzwut“. Der freiere Tanzstil spiegelte die wachsende Unabhängigkeit der Frauen in der Gesellschaft wider. Zwischen 1880 und 1920 wurde die Freizeit durch die Einrichtung von Tanzlokalen kommerzialisiert. Die Tanzlokale zogen junge Männer und Frauen an, die dort eine nie dagewesene Autonomie und eigene Normen vorfanden, die die Anstandsregeln der alten Welt untergruben. Frauen wiesen autoritär bestimmte Männer zum Tanzen ab, lehnten Einladungen zum Ausgehen ab und widersetzten sich den Vorstellungen der Eltern, dass Geselligkeit unweigerlich zur Bindung führt, sowie den Versuchen, Ehen zu arrangieren. In den Tanzsälen und Palästen versammelten sich Tänzerinnen und Tänzer verschiedener Nationalitäten und sozialer Schichten, die jedoch über die gleichen Tanzerfahrungen verfügten. Bis 1910 gab es im Großraum New York über 500 Tanzlokale, von denen einige an Saloons angeschlossen waren und mit Alkohol und Unmoral in Verbindung gebracht wurden.
Während der Ragtime-Periode (1890-1917) wurde Amerika als das Land der tausend Tänze bekannt, darunter Foxtrott, Truthahntrab, Bunny Hug, Duck Waddle, Camel Walk, Kangaroo Hop, Grizzly Bear, Monkey Glide, Chicken Scratch, Kangaroo Dip, Bull Frog Hop, Buzz und Texas Tommy. Beliebt waren auch Tänze mit Anweisungen wie Ballin‘ the Jack und Argentiniens stürmischer Tango. Das Aufkommen des Nachmittagstangos im Jahr 1912 lockte Frauen ohne Begleitung an, die mit männlichen Partnern tanzten, die von Café-Besitzern angestellt waren.
Der wesentliche Beitrag der Schwarzen zum amerikanischen Tanz war nicht immer bekannt oder wurde nicht anerkannt. Die Schwarzen schufen Gesellschaftstänze, die später von den Weißen übernommen, „gesäubert“, weniger sexy gemacht und stilisiert wurden. Ab 1916 führte eine Massenmigration von Schwarzen aus den Südstaaten nach Harlem zu neuen Tänzen, die die „roaring 1920s“ in Amerika prägten. Als Element der kulturellen Identität verschlüsselte der schwarze Tanz Botschaften wie Hierarchie, Einschluss und Ausschluss sowie den Austausch über soziale Grenzen hinweg. Der symbolische stilistische Regelbruch im Tanz war ein verdeckter Ausdruck politischer Herausforderungen. So war die künstlerische Freiheit für Afroamerikaner während der Harlem Renaissance ein historisch bedeutsames Bürgerrecht.
Einige Weiße hielten das schwarze Tanzvokabular aus Hüftschwüngen, Beckendrehungen und -stößen (bekannt als Congo Grind), Oberkörperwellen und Schulterwackeln für unmoralisch. Andere Weiße besuchten die Harlemer Nachtclubs und waren begeistert von dem Gefühl der unerlaubten Sexualität. Zu der Zeit, als die Weißen die schwarzen Tänze als ihre eigenen annahmen, hatten die Schwarzen bereits neue Tänze erfunden oder neu erfunden.
Der Shimmy, der Big Apple, der Black Bottom und der kokette Charleston, bei dem die Gliedmaßen geworfen und getreten wurden, gewannen in den 1920er Jahren an Popularität. Eines Tages, bei einem Tanzwettbewerb im Savoy Ballroom, zeigte der ewige Champion George „Shorty“ Snowden einen Breakaway, bei dem er seine Partnerin in die Luft schleuderte und einige Soloschritte zu einem Acht-Takt-Zähler improvisierte; er nannte den Schritt „Lindy“, nach Charles Lindberg, der 1927 den ersten Transatlantikflug unternahm. Diese neuen Tänze wurden Teil der Jitterbug- und Swing-Bigband-Ära der 1930er und 1940er Jahre.
Zwischen 1920 und 1940 zog der Taxitanz (männliche Gäste, die den Tänzerinnen eine Gebühr für einen Tanz zahlen) vor allem Einwanderer an. Im Jahr 1930 gab es in New York City siebenunddreißig Dime-a-Dance-Paläste, 35.000 bis 50.000 männliche Kunden pro Woche und 2.500 bis 3.000 angestellte Tänzerinnen. Seit den späten 1970er Jahren bedienen die Taxitänzerinnen in den Latino-Barrios vor allem mexikanische Einwanderer ohne Papiere.
Angefangen mit dem Tanzwahn der 1920er Jahre symbolisierten die Ablenkungsmarathons das Überleben während der Depression. Ausdauerwettbewerbe, Nonstop-Tanzen, um Rekorde aufzustellen, waren eine Flucht vor überfüllten Mietskasernen, Fabrikarbeit, Patriarchat und Armut. Arbeitslose Jugendliche litten für den Traum vom Preisgeld. Alma Cummings tanzte in New York City siebenundzwanzig Stunden lang nonstop Walzer und Jitterbugging mit sechs Partnern.
Die 1930er und 1940er Jahre waren das erste goldene Zeitalter der Latino-Tänze wie Rumba Danzon, Cha-Cha und Mambo aus Kuba, Bolero aus Puerto Rico, Pasadoble aus Mexiko, Samba aus Brasilien und Merengue aus Haiti. Afroamerikanische Line Dances wie der aus Baltimore stammende Madison kamen in den späten 1950er Jahren auf. Der Shuffle, ein paar Tanzschritte auf dem Football-Feld, die von einem Spieler ausgeführt werden, der einen Touchdown erzielt hat, tauchte auf.
Durch den Zugang zum Fernsehen wurden neue Tänze schnell landesweit zugänglich. Tänzerinnen und Tänzer konnten Sendungen wie American Bandstand (1956, erreichte täglich etwa 20 Millionen Menschen), Soul Train (1971) und Solid Gold (1979) sehen. 1981 trat das Musikfernsehen (MTV) auf den Plan, das vierundzwanzig Stunden am Tag Musikvideos zeigte. Dann begann das Internet, Tanzinformationen auf Websites wie http://www.salsaeb.com.
Der Twist (unterhalb der Taille) aus den 1960er Jahren riss den Paartanz in eine Ära des Rock ’n‘ Roll. Drehende Hüftbewegungen und berührungsloses Tanzen blieben in den Pantomimen jerk, frug, skate, pony, swim monkey, mashed potato und hully gully erhalten. Psychedelische Hippies übten sich auf der Tanzfläche in freiem Ausdruck und tranceartiger Selbstversunkenheit.
Diskotheken mit Diskjockeys, die Vinylplatten über große Soundsysteme abspielten, entstanden in Europa, einem Produkt der Sparmaßnahmen des Zweiten Weltkriegs, und tauchten in Amerika in den frühen 1970er Jahren in zwanglosen Untergrundräumen auf. Homosexuelle, afroamerikanische, hispanische und Arbeitergemeinschaften der großen städtischen Zentren schlossen sich mit den „schönen Menschen“ zusammen, zum Beispiel im Studio 54 und im Xenon in New York City. Eine jenseitige Mischung aus blendendem Stroboskoplicht und projizierten Bildern an den Wänden schuf dionysische Spielplätze.
Das Tanzen mit geschlossenen Paaren kehrte in den 1970er Jahren mit der Salsa-Musik und dem Hustle zurück, der in New York City unter puertoricanischen Arbeitern entstand.
„Breaking“ mit seinen wettbewerbsorientierten, manchmal riskanten, künstlerisch einfallsreichen, pyrotechnischen akrobatischen und gymnastischen Tanzbewegungen begann in den 1970er Jahren in der Bronx, New York, unter jungen afroamerikanischen und Latino-Männern als Alternative zur innerstädtischen Bandengewalt und als Möglichkeit, die Nummer eins zu sein, ohne jemanden „wegzupusten“. In den 1980er Jahren kam es zum Ausbruch von Hip-Hop-Solo- oder Gruppen-Breakdancern, die sich auf den Schultern, dem Gesäß oder dem Rücken drehten, in Brezelformen erstarrten und auf Bürgersteigen und in Parks poppten (segmentierte Körperbewegungen, die durch den Körper wellenförmig verlaufen). Der Hip-Hop-Stil überschritt die rassischen und ethnischen Grenzen und verbreitete sich unter den Jugendlichen in Amerika.
Zu dieser Zeit tanzten in New York City weiße Punk-Jugendliche in Springerstiefeln, zerrissenen Jeans und mit Metall beschlagenen Hundehalsbändern und Armbändern zu aggressiver, harter Musik. Sie stießen im „Moshpit“ vor der Bühne mit einander zusammen. Auf Rockkonzerten in den 1980er- und 1990er-Jahren begann die Grunge-Bewegung, bei der Männergruppen umeinander kreisten und aufeinander losgingen, wobei sie auf unschuldige Passanten einschlugen und traten. Tausende von spärlich bekleideten, gepiercten und gefärbten Körpern nahmen am Body Surfing teil (sie ritten auf den Schultern der Menge, Hand über Hand, bis sie sprangen, hinfielen oder von Platzanweisern auf die Bühne geschleudert und in die Arena zurückgeworfen wurden).
Jamaikanischer Reggae, der erstmals in den 1970er Jahren auftauchte, beeinflusste den Hip-Hop-Tanz und den Gogo-Stil von Washington, D.C.. Das „winding“ (Beckendrehen) des Reggae war auch im kubanischen Tanz verbreitet. In den folgenden zwanzig Jahren machten Tänzer den Butterfly, den Bogoloo und den Skettle populär.
In den 1980er Jahren kam es in Texas zu einem Aufschwung der Country-Western-Paartänze, die „Shit-Kickers“ genannt wurden. Der Tucson Swing, Two-Step und Line Dances für Paare erschienen in Bars und Honky-Tonks. Die Filme „Dirty Dancing“, „Saturday Night Fever“ und „Flashdance“ beeinflussten das Gesellschaftstanzen.
In den 1990er Jahren war das Voguing (ein Tanz, bei dem Models posieren) unter Schwulen weit verbreitet. Ein Revival des Swing-Tanzes (ein Oberbegriff für Lindy, Handtanz, Chicago Steppin‘, Philly Bop, North Carolina Shag und Detroit Hustle) aus den 1920er bis 1940er Jahren wurde bis ins einundzwanzigste Jahrhundert hinein populär. Es gab auch Freestyle-Funk, Reggae, House, Club- und Rap-Tanz. Rave-Tänze, die an verschiedenen Orten stattfanden, entwickelten sich als Teil einer Untergrundkultur. Die Attraktion war das Erleben veränderter Bewusstseinszustände durch nächtliches Tanzen in Massen zu einem pulsierenden, sich wiederholenden Musikbeat und einer hypnotischen Lichtshow. Der als Electric Slide bekannte Line Dance ersetzte den Electric Boogie. Die Mexikaner tanzten die Banda mit dem Quebradita, einem kleinen Break, bei dem der Mann seine Partnerin spreizt und ihren Rücken parallel zum Boden anlehnt.
Zu dieser Zeit umfasste die Partnerwahl zwischen Mann und Frau neue Konfigurationen im Freestyle von Teenagern und jungen Erwachsenen, darunter Da Butt, Freaking, Booty Dancing, „Doggy Dancing“, „Front Piggy Backing“ und „Dirty Dancing“. Die Partner verschränkten die Oberschenkel, berührten und drehten die Becken und kippten die Oberkörper voneinander weg. Bei einem anderen Muster drückten die Frauen mit Rücken und Gesäß oder beugten sich mit den Händen über den Boden und drückten gegen die Vorderseite der Körper ihrer männlichen Partner. Einige Frauen zogen ihre Röcke hoch und entblößten ihre Unterwäsche.
Lateinamerikanische Tänze (Rumba, Samba, Cha-Cha, Mambo, Pachanga, Merengue, Bolero, Paso Doble, Cumbia, Bachata) blühten mit der mittel- und südamerikanischen Einwanderung auf. Die vorwärts- und rückwärtsgerichteten Körper mit ineinander verschlungenen Beinen des brasilianischen Lambada von 1989 waren nur von kurzer Dauer und wurden später von Brasilien verboten. Der aus Spanien stammende Line Dance Macarena kam Ende 1993 auf. Es folgte der Ketsup. Der lateinamerikanische Einfluss verstärkte sich mit dem Salsa-Tanz, einer Wiederverwendung von Mambo und Merengue aus den 1950er Jahren. Der heiße Salsa, den man in Clubs und im Fernsehen sieht, ähnelt dem Freak.
Musical-Shows ermutigten die Zuschauer zum Tanzen in den Gängen. Dazu gehörten die Gypsy Kings, Salif Keita, „Hairspray“ und „Harlem Song“.
Das ganze zwanzigste Jahrhundert hindurch tanzte man Walzer, Foxtrott und gezähmte Versionen vieler weniger konservativer Tänze bei offiziellen Anlässen, in kleinen Cocktail-Lounges und in Seniorenzentren. Die Menschen neigen dazu, die Tänze ihrer Jugend weiter zu tanzen.
Kurz gesagt, Gesellschaftstanz ist eine nonverbale Form der Kommunikation über sich selbst, das Erbe und die zwischenmenschlichen Beziehungen, die Geist, Körper und Gefühle anspricht. Das Fortbestehen des Gesellschaftstanzes im Laufe der Geschichte und die religiösen, bürgerlichen und politischen Versuche, ihn zu kontrollieren, zeugen von seiner Kraft im menschlichen Leben.
Siehe auch: Afroamerikanische Freizeitgestaltung, Tanzkurse, Tanzsäle, Freizeitgestaltung von Latinos, Raves/Raving, Square Dancing, Freizeitgestaltung von Teenagern
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