Anfang der 1970er Jahre war die amerikanische Gesellschaft noch immer von den politischen, sozialen und künstlerischen Umwälzungen der 1960er Jahre erschüttert. Künstler und Publikum erlebten eine noch nie dagewesene Freiheit und brachen alle möglichen Tabus. Der Wandel vollzog sich so schnell, dass es kaum noch etwas zu geben schien, was die Künstler nicht schon ausprobiert oder das Publikum noch nicht gesehen hatte. Viele Kritiker erklärten, der Roman sei tot und die Pop-Art habe ihren Höhepunkt erreicht. Der Film verlor sein Publikum an die Verlockungen des Fernsehens. Und die populäre Musik, eine der großen vereinigenden kulturellen Kräfte der 1960er Jahre, begann ihre Wirkung zu verlieren, als ihre Fans in kleine Fraktionen zerfielen.
Trotz des vermeintlichen Todes vieler Kunstformen gab es während des gesamten Jahrzehnts Anzeichen für neues Leben. Die anhaltende Bürgerrechtsbewegung trug dazu bei, dass Künstler, die einer Minderheit angehörten, zu einer ernstzunehmenden Stimme wurden, mit der man rechnen musste. Die 1970er Jahre markierten in der Tat die Ankunft afroamerikanischer Künstler und Entertainer in der Mainstream-Kunstkultur. Ihre Auftritte förderten das Gefühl von Stolz und Identität in der schwarzen Gemeinschaft.
Zu Beginn des Jahrzehnts wurden mehrere „Blaxploitation“-Filme als Filme von und für Afroamerikaner vermarktet. Entgegen den Erwartungen wurden diese Low-Budget-Filme von vielen in der schwarzen Gemeinschaft als stereotyp und erniedrigend abgelehnt. Schon bald spielten seriöse Schauspieler wie James Earl Jones, Cicely Tyson und Paul Winfield in emotionalen Dramen mit, die von der Kritik hoch gelobt wurden.
In der Literatur traten afroamerikanische Autorinnen wie Alice Walker und Toni Morrison auf, die später mit dem Nobelpreis ausgezeichnet wurden. Das schwarze Kunstphänomen des Jahrzehnts war jedoch die historische Erzählung Roots von Alex Haley, die mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnet und zum meistverkauften Roman des Jahres 1976 wurde. Im folgenden Jahr wurde Roots in eine hochkarätige Fernsehserie verwandelt, die viele Amerikaner in ihren Bann zog.
Die beiden bedeutenden Musikbewegungen der 1970er Jahre, Punkrock und Disco, hätten nicht unterschiedlicher klingen können. Und doch wurden sie am selben Ort geboren: im New Yorker Untergrund. Die Punks, die aus den Garagenbands der 1960er Jahre hervorgingen, hatten die Nase voll von den Mainstream-Melodien, die die populäre Musik beherrschten. Als Reaktion darauf spielten sie eine schnelle, laute und harte Musik mit Texten, die Bilder von Entfremdung, Rebellion und Gewalt enthielten. Die Disco hingegen zeichnete sich durch einen pulsierenden, sexuellen Dance-Beat aus, der von eingängigen Melodien und üppigen, perkussiven Arrangements unterlegt war. Diese Tanzmusik herrschte in schwarzen, lateinamerikanischen und schwulen Nachtclubs vor und verbreitete sich schließlich in der Mainstream-Kultur. Mit ihrer rhythmischen, sich wiederholenden Musik und ihrer erotischen Anziehungskraft förderte Disco den Eskapismus.
Der Film, der immer mehr Zuschauer an das Fernsehen verloren hatte, erlebte in den 1970er Jahren mit dem neuen Phänomen des kommerziellen Blockbusters einen Aufschwung. Der Pate“, der 1972 in die Kinos kam, leitete den Trend zu großen Kassenrekorden ein. Das Publikum kam in Scharen, um Katastrophenfilme, Horrorfilme, Science-Fiction-Filme, Vietnamkriegsdramen, Komödien, gewalttätige Actionfilme und „Buddy“-Filme zu sehen. Alle diese Genres wurden jedoch von dem durchschlagenden Erfolg von nur zwei Filmen dominiert, die von den jungen Filmemachern Steven Spielberg und George Lucas inszeniert wurden. Spielbergs „Der weiße Hai“ (1975) war ein echtes Phänomen, aber Lucas‘ „Star Wars“ (1977) revolutionierte die Spezialeffekte und veränderte die Konzepte des Film-Merchandising. Gemeinsam schufen diese jungen Regisseure eine neue Nachfrage der Öffentlichkeit und der Filmproduzenten nach immer größeren Blockbustern.