Es gibt viele große Regisseure in der reichen Geschichte des Horrorfilms. Für jeden unsinnigen italienischen Film ohne erkennbares Ende erinnern wir uns gerne an Lucio Fulci, und für jedes Low-Budget-Monster mit Reißverschluss ziehen wir unseren Hut vor Roger Corman. Aber wenn es um traumähnliche Realitäten, Killer mit schwarzen Handschuhen und blutige Tode geht, gibt es wirklich nur einen Mann, an den man sich wenden kann. Dieser Mann ist Dario Argento.
Der 73-jährige Regisseur, der 1940 in Rom geboren wurde, blickt auf eine erfolgreiche Karriere in Film und Fernsehen zurück. Den meisten Fans ist er vor allem durch seine Rolle als Produzent des Films Dawn of the Dead und seine Arbeit mit der Musikgruppe Goblin bekannt. Für die meisten ist er jedoch einer der ersten Regisseure, die das Genre des Giallo-Films beim Publikum bekannt gemacht haben. Ursprünglich war das Giallo-Genre eine Form der Kriminalliteratur und erhielt seinen Namen von den gelben Covern der Groschenromane aus den 1930er Jahren, die die Kinobewegung inspirierten.
Argentos letzte Arbeiten waren ein blasser Schatten seiner früheren Werke und ließen den Zauber vermissen, der seine Filme so großartig macht. Ob das mit dem Alter zu tun hat, mit einer veränderten filmischen Vision, mit der Entwicklung des Genres hin zu mehr Realismus oder mit der Meta-ähnlichen Tendenz, seine Tochter auf der Leinwand ständig zu benutzen und zu missbrauchen, werden wir nie mit Sicherheit wissen.
In Wahrheit spielt es kaum eine Rolle, denn Argento hat eine Fülle von Material produziert, für das alle Fans dankbar sein sollten. Bei so vielen Werken kann es für jemanden, der neu in der Welt von Argento ist, einschüchternd sein zu wissen, wo er anfangen soll. Um einen Anfang zu machen, haben wir eine Top-Ten-Liste der Argento-Filme zusammengestellt, die Ihnen dabei helfen soll, einige seiner besseren Werke zu entdecken, und Ihnen die Möglichkeit gibt, andere in Ihrer eigenen Zeit zu entdecken.
10. Vier Fliegen auf grauem Samt (4 mosche di velluto grigio) – 1971
Die Handlung
Roberto Tobias ist ein geplagter Mann. Er ist Schlagzeuger in einer Rockband und hat bemerkt, dass er in den letzten Tagen von jemandem belästigt wurde. Er beschließt, den Mann in einem verlassenen Theater zur Rede zu stellen. Der Stalker leugnet Robertos Behauptungen, gerät in Panik und zieht ein Springmesser auf ihn. Es kommt zu einem Kampf, und in der Aufregung sticht Roberto versehentlich auf den Mann ein – während im Theater eine unbekannte maskierte Person Fotos macht. Nachdem er vom Tatort geflüchtet ist, findet Roberto am nächsten Tag den Ausweis des toten Mannes in seiner Post. Ist der maskierte Fremde dafür verantwortlich, und wenn ja, was hat er vor?
Was ist so toll daran?
Obwohl nicht sein stärkster Film und stellenweise recht langsam, hat Vier Fliegen auf grauem Samt genug zu bieten, um die meisten Argento-Fans zufriedenzustellen. Während Argento normalerweise seine Gewalt und sexuellen Frustrationen auf Frauen konzentriert, ist Vier Fliegen anders, denn es scheint, dass es die Männer sind, die zu Sexualobjekten gemacht werden. Es gibt zahlreiche Szenen, in denen Roberto oben ohne zu sehen ist, und ein flirtender schwuler Mann wird schnell beseitigt. Die Enthüllung der Identität des Mörders verstärkt ebenfalls das Gefühl der männlichen Unterwerfung.
Es gibt einige interessante Morde in dem Film, darunter ein Mann, der zu Tode geprügelt wird. Die sich mit Blut füllende Leinwand, während sein Gesicht langsam eingeschlagen wird, und sein Blutspucken auf die Leinwand im Moment des Todes machen diese Szene besonders einprägsam. Das Finale, in dem der Mörder bei einem Autounfall stirbt, ist hervorragend gefilmt und könnte als klassischer Argento-Film bezeichnet werden.
In schöner Zeitlupe sehen wir, wie die Windschutzscheibe zerbricht, während der Mörder hilflos zusieht. Argentos feines Gespür für Leinwandästhetik zeigt sich in einer unglaublich spannenden Verfolgungsjagd durch ein Heckenlabyrinth und dem effektiven Einsatz von leichten Kamerafahrten und statischen Kamerawinkeln.
In den meisten von Argentos Filmen ist der Protagonist eine Figur, mit der wir uns in irgendeiner Weise identifizieren können. Manchmal sind es ganz gewöhnliche Menschen, die in seltsame Umstände verwickelt sind, oder Menschen, die in ihrer Umgebung völlig verloren wirken (sei es, weil die Schauspieler das Drehbuch nicht verstehen konnten, oder weil es zu Argentos verwirrend lustigen Handlungssträngen beiträgt). Roberto ist so etwas wie ein Rockstar, der, um ehrlich zu sein, eine ziemlich verwerfliche Figur ist.
Er behandelt seine Frau schlecht und ist homophob, was interessant ist, weil seine Interaktionen mit Heteromännern einen leicht homoerotischen Unterton zu haben scheinen. Der einzige Grund, warum Roberto nicht zur Polizei geht, ist, dass er Angst hat, für den Mord verantwortlich gemacht zu werden. Manchmal ist es ganz nett, den Hauptdarsteller nicht zu mögen, aber es ist keine Tradition, die Argento fortgesetzt hat.
9. Die Kirche (La chiesa) – 1989 (Co-Produktion und Co-Autor von Argento)
Die Handlung
In einem mittelalterlichen Dorf in Deutschland schlachtet eine Gruppe von Rittern ein ganzes Dorf ab, weil sie glauben, dass diese mit dem Teufel im Bunde stehen. Um dem Bösen Einhalt zu gebieten, bauen die Ritter eine Kirche auf dem Gelände. Im Jahr 1989 gelingt es dem neuen Kirchenbibliothekar, die Dämonen zu entfesseln, die zuvor von den Rittern eingeschlossen wurden. Dadurch wird die Kirche verriegelt, alle Menschen werden eingeschlossen und den seelischen und körperlichen Schrecken ausgesetzt, die die Dämonen anrichten können. Es bleibt Pater Gus überlassen, zu versuchen, die Dämonen zu vernichten.
Was ist so toll daran?
Die Kirche war ursprünglich als Fortsetzung der Dämonen-Serie geplant und weist ähnliche Handlungselemente auf wie dieser Film, steht aber als Film, den man sich auch ohne die Serie ansehen kann, für sich allein. Argentos Aufmerksamkeit für die Details der Kulissen kommt in der prächtigen gotischen Kathedrale, in der die Menschen gefangen sind, besonders gut zur Geltung. Sie wird buchstäblich zum Spielplatz des Teufels.
Die Handlung geht nicht weiter als oben erwähnt, aber die visuellen Eindrücke verändern sich ständig, und wie in vielen seiner Werke mag es Argento, unsere Wahrnehmung der Realität zu erschüttern. Wie ein roter Faden zieht sich das Verderben der Charaktere durch den Film, denn die Menschen beginnen sich plötzlich körperlich und geistig zu verändern. Der Teufel ist sowohl eine physische Kreatur, die sich an den leicht zu besitzenden Menschen vergnügt, als auch eine psychologische, die die Menschen mit ihren eigenen Neurosen angreift.
8. Phenomena (Creeper) – 1985
Die Handlung
Nach dem brutalen Mord an einem Schweizer Touristen auf dem Lande, bewegen wir uns 8 Monate in die Zukunft und lernen Jennifer Corvino kennen, eine neue Schülerin an der Schweizer Akademie für Mädchen. Während sie eines Nachts schlafwandelt, wird Jennifer Zeugin eines Mordes.
Mit Hilfe des an den Rollstuhl gefesselten forensischen Entomologen John McGregor und seines Schimpansen Inga (der Jennifer nach ihrem Schlafwandeln gefunden hat) versuchen sie herauszufinden, was passiert ist. John glaubt, dass Jennifer eine telepathische Verbindung zu Insekten hat. Währenddessen gehen die Morde weiter, und als Jennifer durch die Hänseleien der anderen Mädchen dazu gebracht wird, ihre telepathischen Kräfte zu entfesseln, wird sie zur Hauptverdächtigen.
Was ist so toll daran?
Nach einem unglaublichen Intro, das ein harmloses Ereignis auf den Kopf stellt, geht es in eine Geschichte, die unsere natürliche Abscheu vor Insekten nutzt, um ihnen eine interessante Wendung zu geben, indem sie gewissermaßen die Helden des Stücks sind.
Der Einsatz der Schauspielerin Jennifer Connelly verleiht dem Film eine gewisse Unschuld und trägt dazu bei, dass die Insekten im Film besser zu verstehen sind. Jennifer kontrolliert diese Käfer, aber sie führen sie auch zu Hinweisen, die in die Richtung des Mörders weisen. Auch der Schimpanse wird mit einer emotionalen Szene, in der Inga über den Tod eines geliebten Menschen trauert, sehr wirkungsvoll eingesetzt. Es ist diese Fähigkeit, unmenschliche Dinge genauso emotional erscheinen zu lassen wie menschliche Wesen, die die Stärke des Films ausmacht.
Das Ende des Films ist, wie bei den meisten von Argentos Werken, der wahre Leckerbissen. Es ist auch eines der verstörendsten Enden eines Argento-Films. Eine von Maden befallene Grube, ein geschlagener, angeketteter Mann und eine grausame Enthüllung sind allesamt Freuden, die der Höhepunkt des Films bereithält. Das Ende des Films fühlt sich jedoch nie so befriedigend an wie in seinen früheren Filmen. Das Finale fühlt sich eher wie ein Versuch an, auf einer viszeralen Ebene zu ekeln, im Gegensatz zu Argentos traditioneller Schock-Enthüllung.
7. Dämonen (Demoni) – 1985 (Produziert und mitgeschrieben von Argento)
Die Handlung
Eine zufällige Auswahl von Leuten wird eingeladen, einen makabren Horrorfilm in einem Kino in West-Berlin zu sehen. Im Foyer werden die Gäste Zeuge, wie sich eine Frau an einer Requisitenmaske aus dem Film kratzt. Während des Films über dämonische Besessenheit (der einen sehr physischen Ansatz verfolgt), werden Parallelen zwischen dem Vorfall im Foyer und dem Film deutlich.
Als sich der besagte Kratzer zu einem dämonischen Vorfall ausweitet, finden sich die Kinobesucher in einem Gebäude mit einer Kreatur gefangen, die andere Menschen mit ihrem Bösen infizieren kann. Ein einfacher Kinobesuch wird so zu einem Kampf ums Überleben.
Was ist so toll daran?
Produziert und mitgeschrieben von Argento, aber unter der Regie von Lamberto Bava, ist Demons vielleicht ein überraschender Eintrag in dieser Liste, da sein Ton eher dem klassischen Splatter-Monsterfilm entspricht als den Mystery-Filmen, für die Argento berühmt ist. Dennoch sind Elemente seiner Arbeit erkennbar.
Die Verflechtung von Realität und Fiktion und die Ungewissheit des Zuschauers darüber, was genau vor sich geht, sind wesentliche Merkmale von Dämonen. Die Szene, in der die Filmfiguren auf die Maske stoßen, die im Foyer gesehen wurde, während sich hinter dem Kinovorhang eine infizierte Frau zur gleichen Zeit wie die Filmfiguren zu verwandeln beginnt, ist eine lustige Parallele.
Demons nutzt auch Argentos Vorliebe dafür, Figuren plötzlichen, unerwarteten Ereignissen auszusetzen, mit großer Wirkung. Es gibt Hubschrauber, die durch die Decke fallen, Monster, die aus den Körpern von Menschen erscheinen, und sogar eine Kampfszene, in der ein Motorrad die Kinogänge hinunterfährt – eine praktische Methode, um Dämonen zu erledigen!
Auch wenn die Tötungen recht unbeschwert und unterhaltsam sind, so sind sie doch ziemlich grausam, aber aufgrund ihres fantastischen Charakters nicht so glaubwürdig wie Argentos andere Werke. Dieser Eintrag in Argentos Katalog ist eher ein Popcorn-Film als seine anderen Werke. Er spielt sich wie ein sehr abgewandelter Zombiefilm ab, und genau das macht den Spaß aus.
6. Der Vogel mit dem kristallenen Federkleid (L’uccello dalle piume di cristallo) – 1970
Die Handlung
Der amerikanische Schriftsteller Sam Dalmas leidet unter einer Schreibblockade, während er mit seiner Freundin in Rom lebt. Während er versucht, diese zu überwinden, wird er Zeuge eines Überfalls auf eine Frau in einer Kunstgalerie. Der schwarz gekleidete Täter flieht. All dies beschäftigt Sam und er beschließt, bei den Ermittlungen zu helfen. Je tiefer er in die Ermittlungen einsteigt, desto merkwürdiger erscheint ihm der Überfall. Sam glaubt, dass ihm ein wichtiger Hinweis aus jener Nacht fehlt. Aber kann er angesichts der Drohungen gegen seine Freundin, die Sam und seine Freunde in Gefahr bringen könnten, lange genug überleben, um das herauszufinden?
Was ist so toll daran?
Argentos erster Film und der, der ihn bekannt gemacht hat. Man kann in diesem Film seine Erzähltechnik erkennen, auch wenn sie nicht so gut entwickelt ist wie in seinen späteren Filmen. Der Film hat einen Anfang, der einen bis zum Ende des Films in seinen Bann zieht. Der Rahmen der Fenster der Kunstgalerie, die Sam einschließen, aber ihn auch alles sehen lassen, bedeutet, dass der Zuschauer genauso hilflos ist wie er, wenn er den Angriff sieht.
In Argentos Werk spielt die Farbe eine wichtige Rolle, aber hier ist es die Abwesenheit von Farbe, die in den Mittelpunkt rückt. Die Schlüsselszenen spielen sich im Dunkeln ab, die Figuren versuchen verzweifelt zu fliehen, während der Mörder all dies zu seinem Vorteil ausnutzt. Obwohl sich die Morde in Grenzen halten und die Handlung relativ geradlinig verläuft, ist das Ende Argento pur mit einer unglaublichen Wendung, die zwar schockiert, aber auch wie eine unglaublich harte Pille wirkt, wenn man zu viel darüber nachdenkt.